A la caza del hombre

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Desde tiempos remotos el ser humano ha tenido que cazar por necesidad para para sobrevivir, alimentarse y protegerse frente a las bestias, pero… ¿cuál es la presa más codiciada, más inteligente y más difícil de matar?, la respuesta es fácil, el hombre.
Esto es lo que tuvo que pensar Richard Connell en su relato corto “El juego más peligroso”, llevada al cine bajo el título de El malvado Zaroff por la clásica RKO en el año 1932. Sin saber que iba a ser el nacimiento de un subgénero cinéfilo muy característico. Que cuenta con grandes variedades dentro del mismo en los que la base argumental es idéntica en todos, el cazador y la presa. A la caza del hombre va a comenzar.

Para entender el motivo por el cual lo definimos como subgénero, es debido a que lo encontramos en películas tan variadas como Predator de 1987. Un alienígena Caiyita da caza uno a uno a un equipo militar tratándolos como trofeos, catalogando la película como acción/ciencia ficción e incluso terror. Así mismo, podemos encontrar la caza del “hombre vs hombre” en otras películas tan variadas como The Warriors de Walter Hill, donde la banda tiene que recorrer toda la ciudad para salvar sus vidas. En Los Jueces de la Noche de 1993, Emilio Estevez y Cuba Gooding Jr. se ven perseguidos a lo largo de una zona marginal de la ciudad por el villano Denis Leary. Este “subgénero” es muy extendido en el cine de terror o slasher donde un asesino persigue a un grupo de personas acabando con todos.

En AdiCINE haremos un breve repaso sobre una selección de películas que tienen el mismo patrón, la caza humana. Se levanta la veda…

¿Quiere usted cazar conmigo?

El malvado Zaroff (1932)

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Nos encontramos con la madre de todas las películas, la primera de las que tenemos constancia de una cacería humana. En este metraje de una hora de duración, editado en DVD con dos versiones, la clásica en blanco y negro y la coloreada en un mismo DVD (actualmente descatalogado). Nos encontramos con una obra bastante teatral, la película se divide en tres actos, con escenarios pequeños que se podría haber rodado en cualquier pequeño set de televisión. Un barco, un castillo y un bosque. Todo esto es suficiente para mantener la tensión e intriga desde el primer momento, siendo el argumento es bastante sencillo.

En el primer escenario típico de la RKO nos encontramos en un barco, donde se nos presenta el protagonista, un joven cazador y escritor de aventuras Robert Rainsford, interpretado por Joel McCrea. Tras un accidente en la mar acabará siendo huésped de una isla maldita, en la que muchos barcos naufragan sin saber el motivo.

El antagonista de la película es Zaroff, interpretado por un magnífico Leslie Banks. Un millonario marcado con una cicatriz en la cara de una de sus presas. Cazador, pianista, con artes y gustos exquisitos, experto en arco tal como se describe el mismo, que ha matado todas las presas del planeta conocidas, y que guarda un tremendo secreto.

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Zaroff es uno de esos personajes inteligentes y con carisma de los que carecemos hoy en día, que durante el avance de la película nos damos cuenta de sus intenciones sin hacer falta que nos desvelen nada.

Como personaje femenino nos encontramos con Fay Wray, la primera chica Kong del cine. Interpretando a la típica buena chica, que no bebe, no fuma, es inteligente y se aferra al protagonista. Y que como nota adicional podemos decir que esta película fue rodada a la par junto a King Kong, alternando plató durante el día y la noche las distintas producciones.

Nos encontramos con una obra bastante interesante, con una puesta en escena teatral y de escasa duración. Una película que mezcla aventuras, suspense, intriga y podemos decir terror, ya que en algún momento nos sorprende ver en algunos fotogramas, cabezas cortadas en tarros de cristal, algo bastante impactante para su época.

Muy recomendable para los amantes del género que hablamos o de los clásicos en general.

Volveré

Perseguido (1987)

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A la caza del hombre por diversión. Podemos describir Perseguido como un gran hermano mortal, donde un grupo de convictos tienen que sobrevivir en un macabro escenario lleno de trampas y enemigos, y todo ello retransmitido por televisión. Eso me suena de algo… ¿Los Juegos del Hambre quizás?, mientras tanto vamos a dar una vuelta por el mundo de la obra de Stephen King con puesta en escena de Steven E. de Souza.

Esta película de acción fue protagonizada por Arnold Schwarzenegger, de temática futurista, basada en un mundo distópico. Año 2017, Ben Richards es culpado de un delito que no cometió –muy habitual en los 80-, y en una de sus fugas, uno de los productores del programa de televisión decide capturarlo para subir la audiencia, previa puesta en escena de los típicos collarines explosivos al cuello que vimos en películas como Peligrosamente unidos o Fortaleza Infernal entre otras.

El libro en el que se basó la obra toma prestado bastante de la licencia del relato corto de Conell, bebiendo de las posteriores adaptaciones hasta la fecha. El director Rob Cohen acabó haciéndose con los derechos de la película, que después de algunos problemas de dirección acabó poniendo la cámara Paul Michael Glaser, más conocido por ser Starsky en la famosa serie Starsky y Hutch.

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La película es un puro videojuego de la época, con unos malos que parecían sacados de las fases finales de una recreativa, patinadores de hielo, lanzallamas, hombres con más bombillas que un árbol de Navidad, motos y sierras eléctricas. Todo ello aderezado con violencia gratuita, llena de frases lapidarias, en sí el guión es una comedia pura, pero nos encanta por todo eso. Cine palomitero en estado puro que representa todo lo que esperas de una película del austriaco en los 80, diversión pura y dura, persecuciones mortales, bajo la dirección de un programa televisivo de Damon Killian, interpretado por Richard Dawson (en realidad no era actor, sino un presentador de televisión).

Como todo héroe de la época ochentera, necesitaba una fémina a su lado. El papel recaía sobre una preciosa María Conchita Alonso, chica dura y bella del cine que trabajó en Depredador 2, y posteriormente prácticamente desapareció de papeles secundarios principales (como en la reciente Kill’em all). Pero no fue el único actor del elenco, el malo malote, Jesse Ventura, también trabajó posteriormente con Arnold en Depredador, interpretando al carismático vaquero de la “impaciente”.

Con todos estos ingredientes, con más defectos que virtudes, la convierten en un buen blockbuster.

Los pobres también se aburren

Blanco Humano (1993)

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Si El malvado Zaroff es la joya de la corona, el segundo puesto se lo lleva Hard Target. Jean Claude Van Damme en pleno auge y el director John Woo nos hacía pensar que estábamos ante la película de acción definitiva, pero no fue así. El problema es obvio, Hollywood no le prestó la total libertad de rodaje, cosa que había hecho ya en sus anteriores trabajos, destacando The Killer, y la obra magna Hard Boiled, la que considero el latín del cine de acción actual. Absolutamente todo el cine de acción tal como lo conocemos, viene de Woo. Entonces, ¿Por qué Blanco Humano falla? También es sencillo de contestar, Woo hacía las cosas a su manera, la violencia que iba a mostrarse y las escenas de acción de su primera película en EEUU no fueron bien recibidas por los responsables del film. Por otro lado, como dato relativo a la producción, se encargó nada más y menos que Sam Raimi, dejando patente su estilo en el final de la película con diversos saltos a lo Hércules o Xena.

Personalmente considero la inmensa mayoría de películas del músculo de Bruselas de dudosa calidad, pero esta la salvo, considerándola una de las mejores películas de acción de los 90. Me atrevo a decir que Blanco Humano es como si nos quedamos con todo lo light de Hard Boiled, viendo un producto de marca blanca de Woo, acostumbrados a ver sus escenas al estilo Hong Kong, pero aun así nos gusta.

El argumento copia casi literalmente la obra de Conell. Partimos de la base de una “empresa”, o entidad que se encarga de realizar cazas humanas por todo el planeta con la particularidad de que la presa suelen ser mendigos o gente de escasos recursos de los cuales la autoridad le da poca importancia a las desapariciones, pero esta vez no es por placer como lo hacía Zaroff, esta vez es por dinero. Millonarios que pujan por una presa humana, capitaneados por Lance Henriksen (el mítico Bishop de Aliens El regreso), interpretando a una especie de Conde Zaroff , llamado Emil Fouchon, que casualmente, vemos a ambos personajes tocar el piano previamente a la cacería.

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Si el Conde Zaroff tenía a su ayudante peludo, Fouchon tiene como pupilo (y algo más) a Van Cleef, interpretado por Arnold Vosloo, también conocido por trabajos en otra de las producciones de Sam Raimi como es Darkman, como por su papel de La Momia de Stephen Sommers. Como personaje femenino nos encontramos con Yancy Butler, interpreta a Natasha Binder, una mujer en busca de su padre desaparecido. Personaje de relleno que pasa desapercibido totalmente en todas las escenas de acción que sólo nos permite unir el argumento del protagonista con la organización de caza criminal.

Llegamos a los dos protagonistas de la película. Jean Claude Van Damme y su doble. Un exmilitar que vive de diversos trabajos en el puerto que se ve envuelto en una auténtica caza humana. Riesgo Boudreaux, en la versión inglesa Chance (sin comentarios) es el chulo alfa (con mullet incluido) de la película con frases y momentos tan lapidarios como sorprendentes como el ya mítico ¡eh… palomo!, o el K.O. a una serpiente.

El exceso de escenas de acción que mantiene el film quedan ensuciadas por el doble del actor. Podemos ver primeros planos de cámara de la cara del doble perfectamente en las escenas de la motocicleta así como en la del caballo. Así como nos damos cuenta en diversas partes de la película en la que aparece un Van Damme un poco más musculado y con la cara más ancha. Señor Woo, no era necesario usar tal cantidad de doble. Las escenas se podrían haber rodado a lo Hard Boiled, en la que si la forma física de Chow Yun Fat le permitió hacer todo tipo de saltos y caídas, no iba a ser menos el belga.

La banda sonora cumple, de la mano de Graeme Revell, el magnífico compositor de El Cuervo de Brandon Lee. Los efectos especiales excepto el doble, son de 10, la sangre es sangre, las cámaras cumplen, así como los escenarios, la inmensa cantidad de armas, una de las primeras películas en EEUU en usar el sello de Woo, dos berettas de 9 milímetros en este caso con cargadores extras. Malos carismáticos que mueren con frases lapidarias como si de una cadena de producción salieran sin parar.

Existen cuatro versiones de la película. La versión estrenada en cine en EEUU, la europea, una versión extendida con unos minutos más y una versión inacabada, típica de la que vemos los contadores en la pantalla. Tal vez si en la industria de Hollywood hubieran dejado hacer lo que quisiera al señor Woo, estaríamos de un posible caso Hard Boiled en EEUU. Todo apuntaba a que Woo iba a poder hacer lo que quisiera con un presupuesto de 20 millones, elevadísimo si lo comparamos con los escasos 5 millones que su anterior película, pero nos quedamos con las ganas.

Woo fue a Hollywood, no le dejaron trabajar libremente, a pesar de eso marcó un estilo, y regresó sin hacer mucho ruido a Hong Kong. Como curiosidad, recientemente se ha realizado una secuela, directa al mercado doméstico, sin Van Damme pero con Scott Adkins de protagonista, que la hace ideal para verla en una sesión doble con la original.

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Y nos dejamos en el tintero otros títulos como Juego de supervivencia, Battle Royale o más recientemente cintas juveniles como las sagas de Los Juegos del Hambre o El corredor del laberinto pero eso ya es otra historia.

Rewind al pasado

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Los ochenta, ¿qué son los ochenta? Para describir el cine de los 80’s hay que retroceder al pasado y vivirlo en persona. Las emociones, sensaciones y miedos de antaño nada tienen que ver a lo que nos tienen acostumbrados hoy en día en una era digital donde prevalecen unos efectos especiales de procesado rápido y unos personajes pocos carismáticos. Completar este artículo y abarcar todas las posibilidades existentes es prácticamente imposible, así que nos centraremos en una selección de títulos de carácter puramente comercial y de videoclub que todos hemos tenido el gusto de ver y si no es el caso os invitamos a viajar en el tiempo.

La idea de este artículo surge a partir de escuchar los programas de radio de Remake a los 80 que me permiten retroceder a mi infancia y recuperar recuerdos perdidos. A continuación veremos un breve repaso personal de lo que considero parte de los muchos títulos influyentes y adaptaciones presentes, de lo que se puede decir que es la evolución lógica del cine a través de tres décadas.

Año 1: 1980

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Asalto en la comisaría del distrito 13, Mad Max: Salvajes de autopista, Kramer contra Kramer, El resplandor, Granujas a todo ritmo, El imperio contraataca, La vida de Brian, y Superman II, son una selección de títulos estrenados en España durante 1980. Si viajamos al presente, nos encontramos nuevamente con un oscarizado Mad Max de 2015, un cine de terror digital, musicales como La La Land, la saga prostituida de Star Wars, y un Superman más oscuro y menos colorido. Si analizamos lo anterior nos encontramos que nada ha cambiado prácticamente en las salas de cine, los guiones originales de hace casi 40 años siguen marcando tendencia hoy en día, siendo puras revisiones del mismo producto original donde lo único que importa es llenar las arcas de las productoras intentado hacer consumidores a una nueva generación, pero con una calidad cuestionable.

Las limitaciones existentes en los FX de los 80’s tuvo una importante repercusión en todo lo actual. Para entender esto solo hay que comparar el Superman de Richard Donner con el Zack Snyder. Un cinéfilo actual posiblemente contemple la trilogía antigua de Superman (no cuento con la cuarta) como una mera comedia infantil, ya que para él Superman es Henry Cavill, y no nuestro desaparecido Christopher Reeve. Comparando unos combates clásicos con los de una generación de Dragon Ball, el vencedor gana por KO. La tecnología actual permite mostrar efectos que en los 80’s era imposible de imaginar más allá de un fondo azul, pero que carecen de un recurso que ningún postprocesado puede darle, me refiero al “carisma”. En este mismo caso nos encontramos a una generación de los 80’s que pudo sentir lo mismo en sus propias carnes con la serie de Batman de Adam West, totalmente entrañable a la que le espera un revisionado por mi parte.

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De lo anterior podemos encontrarnos con dos tipos de cinéfilos. En el primer caso el cinéfilo contemporáneo puede catalogar negativamente las sagas antiguas pero al mismo tiempo puede descubrirlas y quedarse maravillado, y en el segundo de los casos nos podemos encontrar con un cinéfilo de la vieja escuela que vio el film original y ahora es un nuevo consumidor del producto actual.

Para terminar con esta parte del artículo dedicada a los FX, viajamos al año 1989 donde nos encontramos con Batman de Tim Burton, que hoy en día sigue siendo referente de cine de superhéroes, con una calidad superior a muchas de las películas coloridas de la Marvel.

El terror no es digital

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Stanley Kubrick estrenó a principio de los 80 El Resplandor. Sin palabras. Fusionar a Kubrick con Stephen King tuvo un resultado magnífico de la que considero como la mejor película de terror de todos los tiempos que nada tiene que ver con los sustos, tópicos, y exceso de FX que existe en el cine moderno. Hoy en día el terror psicológico queda en un segundo plano, prima un efecto de postprocesado donde la base de toda película actual de terror es el pixel. El maquillaje queda en un segundo plano dando prioridad a lo digital, tal como vemos en películas como Habitación 1408, también de King, donde el terror que intentó plasmar el director de la película de John Cusack queda totalmente eclipsado por un gran Kubrick, donde no contamos con colores saturados ni con FX digitales.

Otro ejemplo el terror digital es La Cosa, volvemos a mencionar otra película de John Carpenter con reciente remake. La original es magnífica, la sensación de angustia de no saber quién es quién junto con unos FX desagradables ganan a la versión moderna. No nos encontramos como en el caso de Superman, donde los combates por motivos técnicos no podían hacerse en los 80’s, sino con unos FX que mezcla el estilo clásico con el nuevo. En el cómo se hizo de la revisión de La Cosa podemos ver unos efectos especiales con un maquillaje buenísimo a la antigua usanza que desgraciadamente lo mezclan con lo digital. El resultado no es malo, pero si el maquillaje ya es bastante bueno no hace falta ensuciarlo de bits.

Con la saga Aliens ocurre prácticamente lo mismo. La magnífica obra de Ridley Scott de finales de los 70 y la posterior Aliens el Regreso, que se llevó la estatuilla a los mejores efectos especiales no contaban con efectos digitales. Los trajes de los xenomorphos era puro diseño y maquillaje artístico, nada que ver con el “perralien” de la tercera parte de la saga, donde cantan los efectos digitales aun poniendo la televisión a una distancia de 10 metros. El señor James Cameron supo mezclar dos géneros a lo grande, terror y acción a partes iguales que hoy en día es insuperable.

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Mencionar y comparar todas las grandes películas de terror de los 80’s es imposible y no podemos más que mencionar algunas sin poder hacerles huecos a las demás. Películas como Pesadilla en Elm Street te hacía perder el sueño, con Polstergeist tenías miedo de llegar al último canal del televisor o quedarte dormido y despertarte con las interferencias, Viernes 13 nos enseñó una violencia explícita gratuita, El muñeco diabólico nos hizo desconfiar de nuestros juguetes, y George Romero llegó a su máximo apogeo antes de caer en el olvido el género zombie y cambiar su marca personal de maquillaje y estética a unos efectos más digitales como podemos ver en sus últimas películas.

Planet Hollywood

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Aunque el icónico restaurante se fundó en el 91, la fama no le vino caída del cielo sino producto de unos años 80 con los que fueron sus fundadores, las grandes estrellas comerciales Sylvester Stallone, Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger. En el selecto club desde mi punto de vista faltaría Mel Gibson, pero eso es una apreciación personal, nunca entendí como no podía pertenecer al garito.

Músculos, interpretaciones nulas y planas en la mayoría de los casos pero totalmente icónicas. John Rambo, padre del soldado moderno, John McClane, el duro de los duros, y Conan el Barbaro o el Destructor. Aderezamos a estos tres personajes con Martin Riggs y nos encontramos con los actores más representativos del cine de acción de los 80, a los que nadie ha podido hacerle sombra. ¿La clave del éxito? Las palomitas. Cine palomitero y de videoclub puro y duro. Películas destinadas pura y simplemente a entretener. Argumentos prácticamente carentes que quedan eclipsados por el resto del metraje que nos deleitaba con producciones casi perfectas, con licencias que hoy en día estarían prohibidas, frases que hoy en día estarían censuradas al más puro estilo Cobra “Yo no trato con psicópatas, yo me los cargo”, catalogándolas con tintes totalmente fascistas, pero que sin desmontar la película y analizarla tontamente cada frase nos encontramos con una película que sólo quiere divertir y entretener.

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No sólo los miembros del Planet Hollywood tuvieron éxito en los 80’s. Empresas como la Cannon hicieron delicias con un presupuesto más bajo. Quien no recuerda VHS como Yo el Halcón, Delta Force, El guerrero americano, Cyborg, Contacto Sangriento, Masters del Universo, y Desaparecido en combate, todas carne de videoclub. Reposicionadas en televisión durante los noventa hasta la saciedad. Hablar de los 80 también es referirse al videoclub. Con la llegada del VHS y del BETA podíamos ver las películas en casa toda la familia reunida alquilando títulos en pesetas todos los fines de semana. En una sociedad donde cada individuo tiene acceso a varias pantallas y es independiente a todo con una conexión permanente, considero que el videoclub unió a las familias enfrente del tubo catódico.

El clásico personaje duro que veíamos desde los años 60 se quedaba atrás con la moda de los anabolizantes. El musculado club de Hollywood marcó una tendencia que sigue hasta ahora. El tipo duro tiene que estar hipermusculado. A todos estos me gustaría enfrentarlos a personajes como Clint Eastwood o Bruce Willis que con una sola mirada son capaces de desintegrarles la creatinina a los héroes de plástico actuales.

Aventuras en acción

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Si hay un género que marcó en los 80’s fue las películas de aventuras. Insuperables hoy en día. Si el trio del Planet Hollywood tuvo su éxito, también podemos mencionar otro trio de directores de los 80’s con un recorrido inmenso hasta hoy en día de la talla y escuela de Spielberg, Zemeckis, Ron Howard. No fueron los únicos, pero sus películas marcaron los 80’s como ninguna. Quien no conoce Indiana Jones, Marty McFly, o a E.T. no es persona. Sin contar los episodios que faltaban por estrenar de la primera trilogía de Star Wars de George Lucas. Insuperable.

La mente de George Lucas creó infinidad de personajes y mundos increíbles hasta la fecha, pero desgraciadamente como todos sabemos le vendió los derechos a Disney, la máquina de hacer dinero. No puedo estar conforme con esa decisión, pero tampoco me puedo poner en la piel del empresario para saber los motivos económicos o personales que tuvo. Mi punto de vista es como consumidor de un producto del cual considero que ha sido y será prostituido hasta la saciedad y perderá su propia identidad. Cada navidad tendremos un nuevo Star Wars, un nuevo Call Of Duty, un nuevo Assasing Creed y un nuevo FIFA, y pagaremos por lo mismo una y otra vez para estar a la última en una sociedad que nos hace ir adelante para estar al día, pero os invitamos a regresar al pasado para ver el nacimiento y la originalidad con la que se creó la que es la base del cine contemporáneo, los ochenta.

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Quien no quiso ser un Gonnie, o estar Dentro del Laberinto, viajar en un Delorian, manejar un sable laser, ser detective en Hollywood, ganar una pelea en el colegio a lo Karated Kid, o conocer a Willow. Personajes y películas realizadas con años de producción con la marca “todo a mano”, realizando bocetos y maquillajes exquisitos, pero aun así no se podían realizar películas como El Señor de los Anillos. En este caso el maquillaje y los efectos especiales de la saga de Tolkien son de oscar, pero lo que es relativo a los efectos especiales es inversamente proporcional a lo real. Para entender esto, en la primera parte de la película de El Señor de Los Anillos vemos a ciertos personajes de un gran tamaño como son Trolls, en los que habría personalmente hubiera optado por una técnica similar a la usada por Spielberg en Jurasic Park y dejaría de lado tanto digital fusionándolo con lo real. El acabado no podría quedar tan bien ya que debería de usarse planos más cercanos y menos de cuerpo entero, pero los FX envejecerían perfectamente como en el caso de Jurasic Park. Como ejemplo claro pondré Dentro del Laberinto, donde vemos personajes inmensamente grandes que podrían haberse mezclado con los FX de hoy en día para mostrar unos efectos alucinantes.

La conclusión de todo esto es que si las productoras trataran las películas con la misma delicadeza de antaño sumándoles en su justa medida efectos digitales podrían llegar a ser mucho más creíbles.

Veredicto 80’s vs presente

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Aunque el cine ha evolucionado desde sus inicios, no se puede negar que el cine actual toma prestado muchas licencias del cine de los 80’s. Los puritanos más clásicos podrán decir que antes de los 80’s el cine tomaba prestado otra serie de recursos de los 60’s en adelante. Es cierto. Pero la manera de dirigir de la última época dorada sigue latente desde los 80’s por la sencilla razón que no se innova, sólo se repite la fórmula. Directores como Christopher Nolan, David Fincher, y Steven Spielberg entre otros siguen innovando y creando obras de arte, mientras que de la escuela comercial de Michael Bay, Roland Emmerich, y Joss Whendon como destacados se encargan de vender un producto palomitero simplemente entretenido, que son muy criticables por los más sibaritas. Estos títulos llamados vulgarmente de Blockbuster tienen una función, divertir, nada más, definición algunos de los críticos más profesionales no son capaz de entender y se encargan de destrozar prácticamente todo lo que no sea de autor.

Para entender vamos a recurrir a estadísticas. Las cinco películas más taquilleras de la historia son Avatar, Titanic, Star Wars episodio VII, Jurasic World, Los Vengadores, y en contraposición tenemos las cinco películas con más valoración en imdb, que son: Cadena perpetua, El padrino, El padrino 2, El caballero oscuro, 12 Hombres sin piedad. ¿Qué significa esto? ¿Cómo es posible que los títulos más valorados no tengan una recaudación superior? Si nos detenemos a analizar las estadísticas nos encontramos que la magnífica e insuperable obra de Frank Darabon, Cadena Perpetua es la película mejor valorada y fue un auténtico fracaso en taquilla, y no es el único caso. Tenemos que diferenciar verdaderamente lo que es cine puro y lo que es entretenimiento, lo que es una película sin pretensiones, una película comercial y una película de culto. Las estadísticas no engañan, el público reclama películas entretenidas mientras que valora con nota las obras de arte.

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En los años 80’s pasaba lo mismo, el público quería películas para entretenerse y divertirse de los creadores del Planet Hollywood, pero la crítica se mofaba de ellas, así como era típico que estuvieran nominadas y recibieran todos los antioscars, como son los premios Razzies. Taquillazos y cintas con el “reservado” en el videoclub día noche vendían sin parar productos para entretener, y así el cine cambió de rumbo hasta lo que es hoy, que tal como se mencionó al principio es el mismo tipo de película pero con otros recursos más actuales y digitales, como es el caso de Mad Max, Superman, Star Wars y demás películas que fueron épicas en su tiempo, vuelven al presente contadas de otra manera para atraparnos nuevamente pero con una sensación de más control y sobre todo con más censura.

Veredicto: En algunos casos los 80’s son mucho mejores que el presente, como por ejemplo podemos ver en series que se han realizado remakes, V, MacGyver, El coche fantástico, etc, pero en otros casos, considero que el presente es mucho mejor, como es el caso de cine de superhéroes, ciencia ficción y cine ambientado en épocas pasadas, donde lo digital permite recrear situaciones y escenas que no podrían haberse hecho hace tres décadas.

Para más información les recomiendo viajar al pasado.

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Y Frank Castle se fue al cine

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Continuamos con el especial sobre el personaje de cómic de Marvel, The punisher y sus diversas adaptaciones a la pequeña y gran pantalla. En este artículo, analizaremos las realizadas a partir de 2008, pero podéis consultar las anteriores en Y Frank Castle se fue al cine. The punisher (1ª parte).

This is just the beginning

The Punisher: War Zone (2008)

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Normalmente en todas mis revisiones empiezo el comentario de la película con una frase del film en español. Esta vez tengo que ponerla en ingles debido a que estamos ante uno de los peores doblajes de la historia del cine y sólo pensar en los dobladores de los dos amigos de Frank Castle se me corta la digestión. De las cinco veces que la he visto una de ellas tuvo que ser en V.O., y gana bastante, es otra película totalmente distinta.

El testigo pasó a Lexi Alexander, una luchadora de kickboxing reciclada en directora. Contó de nuevo con Thomas Jane para el papel protagonista. Este incluso volvió de nuevo a entrenarse e introducir ideas en el guión hasta que abandonó el proyecto y Castle terminó interpretado Ray Stevenson. Tiempo más tarde, Jane comentó que el guión era basura, y ¡que basura! Es una de las basuras con la que mejor me lo he pasado.

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El film tiene todo lo que debería haber tenido la anterior del 2004, pero carece de todo lo demás. Tiene armas, sangre, gore, tiros y más tiros, pero nada de personalidad. En YouTube podemos ver todavía el entrenamiento al que estuvo sometido Ray Stevenson en materia armamentística. Entrenando a diario con el equipo manejando todo tipo de armas, posicionándose en el escenario recreado y cargando y cambiando armas mientras simulaba matar enemigos, todo con lo que no contó Jane.

El comienzo del film nos recuerda a la mansión que vimos al principio del metraje de la película del 89. Sangre, gore, acción, narices rotas que se enderezan con un lápiz, ¿cómo, con un lápiz?, diez minutos que son pura deleite de lo que nos espera durante toda la película pero que acaban drásticamente en el minuto 15 con la sensación de que la directora vio muchas veces Batman de Tim Burton, pues la transformación de Joker y Jigsaw (el villano de la función) parecen calcadas.

El antagonista del film es interpretado por Dominic West, conocido mundialmente por una de las mejores series de la historia, The Wire, con un toque que intenta infringir terror, acaba siendo cómico y plastificado junto con su hermano. Del resto del reparto mejor ni hablar.

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Ray Stevenson cumple como personaje más maduro, y sobre todo destaca su voz en la versión original. Con un presupuesto de 35 millones fue un fracaso absoluto. Nos quedamos con las ganas de ver de nuevo a Ray Stevenson, pero gratamente sorprendido por lo que debió ser una buena adaptación. El guión debió modificarse como mantuvo Thomas Jane, adaptarlo a una acción más real y menos bizarra, consiguiendo una película más seria y con más presupuesto, pero nos encontramos con una producción de serie B, sólo recomendable solo para los fans del vigilante.

The Punisher: Dirty Laundry (2012)

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Corto protagonizado por Thomas Jane con aparición especial de Ron Perlman, actores que ya trabajaron juntos en otra producción serie B, Las crónicas mutantes (2008). Destaca el color de las cámaras, la ambientación y los efectos especiales. Es una mezcla perfecta de lo que debió ser la versión del 2004 mezclada con la del 2008. Al principio pensaba que sería un vídeo promocional de lo que sería una nueva versión o secuela del héroe de Marvel a modo de teaser que nunca llegó.

No puedo contar nada del proyecto, si del director Phil Joanou, especialista en vídeos musicales y de las que considero una de las mejores películas de mafia que existen, El clan de los Irlandeses (1990). Una vez visto el corto, nos quedamos con las ganas de más. Esto es Dirty Laundry, mucho mejor que las dos últimas entregas.

El futuro. La serie The Punisher (2017)

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No puedo valorar la serie que todavía no se ha estrenado y se espera para final de año, pero sí que puedo valorar las apariciones del personaje de Marvel en la segunda temporada de la serie Daredevil. El trabajo es en mayúsculas IMPRESIONANTE. El actor encargado de dar vida es John Bernthal, conocido por The Walking Dead, entre otras películas como Noche en el Museo 2 Fury.

He de confesar que la primera impresión al conocer al actor protagonista no me pareció mal, pero dudaba de la calidad de la serie. El personaje cumple con todo lo prometido, violencia, tiros, acción y gore. En más de una ocasión parece que estamos visionando una película y no una serie debido a la calidad de la misma. Los efectos especiales y el maquillaje es como una versión mejorada de lo que estamos acostumbrados a ver en series de contenido explícito como la mencionada The Walking Dead.

A pocos meses del estreno de la serie, podemos decir que The Punisher nunca ha tenido una adaptación de calidad en la gran pantalla, siempre esperando que Marvel le diera una oportunidad en sus proyectos. Pero llegada la fase 3 del proyecto Marvel, no vemos a Castle por ningún lado. Corrían rumores que el conductor de un camión que salva a cierto personaje de Los Vengadores en la segunda parte del Capitán América era Frank Castle, incluso se le puso nombre al actor, dejándonos con la duda de si aparecería como cameo en algún proyecto de la fase 3. Todo ha quedado en palabras, no sabremos si en algún momento sería la introducción de Frank en la gran pantalla, pero lo que es seguro, es que pronto veremos al que puede llegar a ser el mejor The Punisher hasta el momento.

Para mí el mejor Punisher hasta hoy en día sin poder valorar el de la serie de Netflix, sigue siendo Dolph Lundgren, juzguen ustedes.

Y Frank Castle se fue al cine

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Frank Castle. Un nombre común, que traducido al español puede ser el de cualquier vecino sin que pueda sospecharse que estamos ante uno de los personajes de Marvel más peligrosos y sangrientos jamás creado. Aunque el universo es el mismo para todos los héroes, nombrarlo como superhéroe no me parece algo correcto, pues carece de cualquier tipo de poder conocido. En AdiCINE damos paso a nuestro especial Y Frank Castle se fue al cine.

La moralidad y el civismo del resto de personajes a los que Marvel nos tiene acostumbrado con frases como “un gran poder….” del tío Ben, o la incapacidad emocional de poder herir quedan totalmente eclipsados ante The Punisher. El tono infantil desaparece dando paso a un cómic para adultos más interesante que existen en el mercado. En este artículo sólo nos vamos a referir a sus adaptaciones cinematográficas, el cual considero mi personaje favorito de Marvel. Empecemos.

Dame una señal…

The Punisher (1989)

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Primera adaptación dirigida por Mark Goldblatt. Editor consagrado que probó suerte en el cine con una película bastante curiosa serie B que mezcla zombis y policías titulada Estamos muertos… ¿o qué? (1988), y posteriormente con The Punisher, siendo curioso que dejara la dirección y volviera a la edición, ya que sus dos títulos como director aprueban con nota.

Si el director sólo puso su cámara a la dirección en dos películas, lo mismo ocurrió con el compositor, Bobby Laurel sólo trabajó dos años atrás en Los Crímenes del rosario y desapareció del mercado, siendo un trabajo destacable si lo comparamos con las obras posteriores.

El actor encargado de dar vida al vengador fue Dolph Lundgren, en pleno apogeo por Rocky IV, Master Of The Universe o la videoclubsera Red Scorpion, con un carisma plano marcado en toda la cinta por una mirada marcada por el dolor. Personalmente la considero la mejor actuación del sueco.

La película tuvo problemas de producción con el uso del logo del protagonista, Marvel no le cedió los derechos para usarlo, en España llegó a estrenarse como El Vengador, con un buen doblaje al estilo clásico.

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Como secundario destacable el oscarizado Louis Gossett Jr, interpretando a un policía que investiga los crímenes de Frank Castle, sin olvidar a Jeroen Krabbé, visto en Transporter 3, El fugitivo o 007 Alta Tensión.

Mención especial al maquillaje, la suciedad, el sudor, y la grasa que llegan a ser desagradables, bastante real, un maquillaje de los que hecho de menos hoy en día, acostumbrados a vampiros diurnos fosforescentes y a héroes de camisas almidonadas y amantes de la gomina.

El argumento es básico de una serie B, cargada de tópicos que se siguen usando hoy en día, marcada por unos antagonistas que llenaron las pantallas de la época como son los yakuzas, a los que posteriormente en el año 1991 les plantó cara otra vez el actor sueco junto al desaparecido Brandon Lee, en la divertida Little Tokio – Ataque Frontal.

Con 60 muertes, nos encontramos con una producción divertida, ochentera, oscura, que mantiene el ritmo, y que desde mi punto de vista es superior a muchas adaptaciones de cómics actuales.

Frank Castle está muerto. Murió con su familia.

The Punisher (2004)

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Una mesa cargada de armas, una cámara avanzando sobre ellas, con un soundtrack de guitarra eléctrica acabando sobre Thomas Jane. Esto es lo que nos encontramos en el teaser de la película… y casi que es lo mejor del film.

La versión del 2004, lo tenía todo para triunfar, el actor encargado de dar vida al vigilante gustó a la crítica, no se llevó notas negativas, y menos viendo lo que Marvel licenciaba por esa fecha con películas para el olvido como Los cuatro Fantásticos.

El director fue Jonathan Hensleigh, conocido por escribir los guiones de Jungla de Cristal: La venganza o Armageddon, lo cual hacía esperar mucha acción o por lo menos lo menos violencia, pero no fue así. La cinta tenía un tono light.

Su protagonista, Thomas Jane es bastante decente, mucho más diálogo al que nos tenía acostumbrado el musculoso sueco en la primera adaptación. Encajó perfectamente en el papel, y se ganó a los fans.

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El film empieza confuso, demasiado colorido, con una banda sonora confusa compuesta por Carlo Siliotto, y con una localización pésima, dejamos New York para irnos a Tampa (Florida). Empezamos mal, notamos su falta de presupuesto, pero queda bien cubierta por una introducción del personaje con unas escenas de acción en un almuerzo familiar bastante buena, posiblemente lo mejor de sus casi dos horas de duración.

Durante el primer cuarto de la película empatizamos con el protagonista, estamos deseando venganza, matanzas, armas, violencia, peleas, acción, interrogatorios pero eso nunca sucede. El problema, un hombre y su peluca, John Travolta. El error cometido a la hora de elegir el antagonista el film no tiene cabida hoy en día. Actor consagrado, que actualmente lo considero miembro del grupo de los low cost, del que Hensleigh lo intenta integrar al 50% de pantalla con el protagonista. Un personaje sin carisma, un matón cualquiera, sólo salvado por el actor que le da vida y que durante los tres cuartos restantes del film nos cansamos de ver ya que eclipsa al protagonista.

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El resto del film está marcado por un montaje por episodios, personajes que aparecen en un bar tocando la guitarra con un tema bastante bueno con un temprano desenlace, escenarios vacíos, tiroteos imitando escenas del lejano oeste sin ningún tipo de tensión, y sobre todo tenemos la impresión de que estamos ante un Punisher bastante light, con menos acción y más orientado al thriller.

Cuando llevamos una hora y cuarenta minutos se masca la tragedia. Estamos esperando la mejor escena de acción de la película, y no dura ni 2 minutos. Bastante básica, rápida e innecesaria, casi televisiva, con partes que en vez de dolor causan risa, con un duelo final digno de olvidar. Sin contar las explosiones innecesarias de varios coches formando el logo del héroe que da paso a un monólogo al que estamos acostumbrados viendo películas como la de Spiderman de Sam Raimi.

Al terminar el film, los amantes del vengador nos encontramos con un sabor agridulce, y los que no lo conocían sólo han visto una película pasable a la que le sobran 30 minutos de duración.

Las sangrientas aventuras de The Punisher en el cine, continuaran la próxima semana.

El cuervo

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Desde adiCINE.com, con la llegada de Halloween, recomendamos esta película para todos los amantes del buen cine en general y de superheroes con un tono más adulto que poco tiene que ver con lo que nos venden hoy en día.

La noche del Diablo

Adaptación del cómic de James O’Barr del año 89, dirigida por Alex Proyas en 1994. Opera prima del director australiano que acabó con la trágica muerte de su protagonista, Brandon Lee, durante una escena de acción en la que una de las armas estaba cargada con munición real a mano de uno de los antagonistas, el actor recientemente desaparecido Michael Massee que nunca pudo recuperarse del incidente.

Se ha especulado bastante sobre el film y la muerte del actor, algunos hablaron de conspiración como las que englobaron la muerte de su padre, lo que sí es cierto, es que la película se convirtió en culto de forma casi inmediata en aquel 14 de octubre de 1994 en nuestro país.

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Fuego a tope

Al analizar The Crow nos encontramos con una de las primeras adaptaciones de cómics del cine moderno, superando en muchos aspectos a producciones de licra y arcoíris de Marvel y DC. Partimos de la base de un mundo oscuro, de aspecto gótico pero casi apocalíptico, como nos hacen sugerir en otra de sus partes, sin abusar de efectos especiales y fondos verdes, donde el caos se apodera de la ciudad la noche del 30 de Octubre, repitiéndose todos los años con una serie de incendios y vandalismo absoluto.

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Nunca llueve eternamente

En un mundo dominado por los grandes estudios con producciones multimillonarias, superhéroes de colores y malos de risa, nos encontramos con un “héroe minimalista”, tan poderoso como débil, vestido de negro y adornado con cinta americana, maquillado como un payaso, acompañado de una banda sonora que hoy en día sigue siendo imprescindible, destacando temas como Burn (The Cure), Dead Souls (Nine Inch Nails), y Darkness of Greed (Rage Against the Machine) entre otros. Mezclamos todo con un sountrack compuesto por Graeme Revell, una ambientación donde prima el negro azabache, intensidad constante, unas escenas de acción para el recuerdo, y el resultado es una película de culto.

Durante el film tenemos la sensación de que estamos en un vídeo musical constante, con pausas dramáticas, sin exceso de personajes pero de bastante carisma, aunque de duración corta para mi gusto posiblemente debido al fallecimiento del actor protagonista.

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El legado

Con un presupuesto de 15 millones con recaudación de casi 100, Miramax decidió prostituirla hasta la saciedad, seguidas por The Crow Ciudad de Ángeles (1996), The Crow: Salvación (2000), y una serie para el olvido protagonizada por Mark Dacascos. Cada secuela es peor que la anterior en todos los aspectos, mejor ni verlas.

Hace tiempo escuche la noticia de un remake, palabra que me produce escalofrío en todas sus variantes. Se han rumoreado varios nombres, pero parece que de momento no hay nada en claro. El único caso que me ha sorprendido gratamente ha sido Mad Max Fury Road (2015), partiendo de la base que el equipo es el mismo de la trilogía antigua, incluido el director.

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El actor elegido para interpretar al roquero Eric Draven ha recaído sobre Jason Momoa (Khal Drogo en Juego de Tronos), pero aquí surgen las dudas. Lo primero que llama la atención es la ambientación, en un mundo dominado por música de polígono, en la que el rock apenas tiene seguidores en esta sociedad, radio, tv, y medios en general, espero que lo implementen bien. Para comprender el concepto me surgen las mismas dudas que con The Warriors (1979), de la que se ha hablado bastante sobre un remake, pero… ¿adaptado a estos tiempos?, no podría ser, las bandas, la tecnología, la ambientación, no estaríamos hablando de remake, sino de reboot, y más miedo produce esa palabra. Esperemos no ver a un Eric Draven salido de un reality musical de la tv.

Valoración: Imprescindible.

 

Philip K. Dick, el hombre sintético

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 Philip K. Dick, el hombre sintético. Parte I

Con su prematura muerte a los 53 años y sin ser testigo de ninguna de sus adaptaciones nos quedamos con la duda sobre la opinión del autor. Seguramente hubieran cambiado considerablemente tomando parte en los proyectos como nos tiene acostumbrado el escritor Frank Miller, pero nunca podremos saberlo con seguridad. Algunos proyectos se descartarían, y desde AdiCINE, estamos convencidos que otras producciones habrían sido dirigidas por el propio K. Dick con total libertad.

El legado de obras editadas supera con creces a las adaptaciones cinematográficas, lo que significa que tendremos producciones futuras para lo bueno y para lo malo, destacando en especial un biopic anunciado hace una década con la colaboración personal de Paul Giamatti. ¿Lo veremos algún día? Esperemos que si, ya que sería una puerta de entrada a todos los amantes de ciencia ficción que no conocen al autor, y un claro llamamiento a los estudios a producir con calidad. Cosa que de momento parece poco probable. La mala noticia es que la compañía The Halcyon Company se hizo con los derechos de buena parte de las obras del escritor. La empresa es propietaria desde hace casi diez años de la franquicia Terminator (sin comentarios al respecto) con lo que es posible la prostitución de nuevas franquicias en un futuro, deshonrando la memoria del autor. De momento ya sabemos que esta en marcha la secuela de Blade Runner.

Continuamos con la segunda parte del especial de Philip K. Dick.

El proceso se llama ingeniería inversa.

Paycheck (2003)

La última película del director John Woo antes de volver a China. El cineasta es el precursor de todo cruce de balas que vemos hoy en día, fruto del cine oriental que podemos ver en películas como El asesino (1989), Una bala en la cabeza (1990), Un ladrón es siempre un ladrón (1991) y como no, la que considero como su mejor película y el mejor VHS de acción que he tenido, la que marca la diferencia y las bases de la acción en el Hollywood actual, Hard Boiled: Hervidero (1992).

John Woo triunfó en su país, fue a Hollywood, dejó su semilla y sembró las bases de la acción moderna, y se retiró sin darnos motivo alguno. Eso es lo que nos hicieron creer, pero la realidad es otra. Woo era un innovador y los estudios no le dejaban dirigir a su manera, no tenía vía libre, y decidió irse de vuelta a China donde rodaba sin ningún tipo de impedimento.

Paycheck

Su sello inconfundible lo podemos ver en infinitas producciones actuales, pero en Paycheck pasa inadvertido. Ni Ben Affleck (El indomable Will Hunting (1997)), Uma Thurman (Kill Bill (2003)), o Aaron Eckhart (Erin Brockovich (2000)) pudieron evitar el desastre. Con un presupuesto de 60 millones de dólares, un director oriental ya consagrado en EE.UU, y la misma identidad de Philip K. Dick que pudimos ver en Desafio Total (1990), El infiltrado (2001) y en Minority Report (2002) no fueron suficientes para obtener grandes beneficios, posible fruto del estudio al no dejar al director rodar a su manera. Pese a todo ello la película cumple.

Comprendí que no odiaba a la puerta del armario… odiaba mi vida.

A Scanner Darkly (Una mirada a la oscuridad) (2006)

Lo primero que llama la atención de esta película es su técnica, la rotoscopia. Los más maduros pudirmos verlas en producciones como El señor de los anillos (1978), o la suntuosa Tygra, hielo y fuego (1983). La rotoscopia consiste en rodar con métodos convencionales pero dibujar encima del fotograma, lo que provoca una sensación de dibujado con un toque especial de 24 frames.

A scanner darkly

La despersonalización vuelve a ser una de las bases argumentales del film protagonizado por Keanu Reeves (Matrix (1999)), Winona Ryder (Cisne negro (2010)), y un destacado Robert Downey Jr. (Iron Man (2008)), dirigidos de la mano de un gran director, Richard Linklater (Boyhood (2014)), que ya usó la técnica de la rotoscopia años atras con Waking Life (2001).

Una película tan desconocida y desapercibida por el público en general como buena e interesante. Con un presupuesto bajísimo de 9 millones de dólares aproximadamente. Cifra sorprendente si tenemos en cuenta el reparto y la fecha en la que se filmó, cuando el caché de Reeves estaba cotizando a la alza después de acabar la trilogia Matrix, y el renacer de Downey Jr que vimos en Kiss Kiss, Bang Bang (2005).

He visto todos los finales posibles… ninguno es bueno para ti.

Next (2007)

Blockbuster veraniego entretenido, con decentes efectos especiales protagonizado por Nicolas Cage (Living Las Vegas (1995)) y su inolvidable peluca, acompañado de Julianne Moore (El Gran Lebowski (1998)) y Jessica Biel (El ilusionista (2006)).

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Esta adaptación cinematográfica se basa sólo en el concepto de la huida, la misma que vimos en Desafio Total (1990), El infiltrado (2001) y en Minority Report (2002) sin ninguno de los otros pilares de K. Dick. Con una crítica pasando el 5 de media, y un metascore de 42 se hace simple, dinámica, y predecible en su final sorpresa. Una de las útimas películas “serias” de Cage, antes de caer en la sobreactuación que vemos ultimamente en sus films de dudosa credibilidad, posiblemente por las deudas que ya conocemos todos.

Nosotros garantizamos que todo suceda según el plan previsto.

Destino oculto (2011)

Basada en un relato corto de K. Dick, nos encontramos una película con una recta final para el olvido. Matt Damon (El caso Bourne (2002)), y Emily Blunt (El diablo viste de Prada (2006)) protagonizan esta película que empieza con una fuerza e intensidad con la misma espina dorsal argumental de las adaptaciones del escritor, pero que se va desinflando mientras nos acercamos a su fin. Pese a contar con un presupuesto alto de 50 millones de dólares que se triplicaron facilmente, unos efectos especiales sin los errores de saltos de localización de Asesinos cibernéticos (1995), con unas actuaciones correctas, incluso con unas notas superando el 6, y un Metaescore de 60, no me dejó buen sabor de boca.

Destino oculto

La película es una suma de partes claramente inspiradas en otras, principalmente en la genial serie de ciencia ficción Habitación perdida (2006), en la cual el protagonista abre puertas que conectan con otras situadas en distintas partes del mundo, al igual que pudimos ver en Matrix Reloaded (2003). En el film, la sociedad esta dominada por unos hombres trajeados llamados “agentes”, que reinician a sujetos en caso necesario, lo mismo que ocurre en otra película de ciencia ficción, una impresionante y recomendable Dark City (1998). Por ultimo, el tramo final nos ofrece un claro ejemplo de filosofia barata que pudimos también observar en el final de Matrix Reloaded (2003), todo ello mezclado con una pizca de Men in Black (1997).

Si no soy yo….

Desafío Total (2012)

Cara, absurda e innecesaria. Superproducción que termina convirtiéndose en serie B. Divertida y muy dinámica, pero insulsa, con un reparto encabezado por Colin Farrell que pudimos ver en otra de las adaptaciones de K. Dick.

Cuando el escritor Kurt Wimmer (Equilibrium (2002)) y el director Len Wiseman (Underworld (2003)) se unen ocurre el desastre universal. Wimmer paso del cielo al infierno en cuatro años, de lo más alto con Equilibrium (2002) a la dolorosa Ultravioleta (2006). Respecto a Wiseman… lo considero uno de los peores directores de cine actual. Creador de la saga de vampiricántropos Underworld, decidió destrozar el personaje de John McClane en La Jungla 4 (2007), y amenaza con volver a hacerlo con la nueva entrega de la saga de Bruce Willis. Señores de la FOX… cancelen el proyecto.

925842 - Total Recall

Terminamos el repaso de las adaptaciones del autor con un sabor agridulce con todo tipo de adaptaciones, buenas, malas, o entretenidas pero con la firma del autor, y sin saber que nos depara el futuro. ¿Éxito o fracaso?

Nos vemos en el próximo artículo.

Philip K. Dick, el hombre sintético

El año 1982 siempre será recordado por el estreno de grandes películas que hoy en día siguen conservando la misma mágia que cuando se estrenaron. Largometrajes llenos de sensaciones como la emoción de E.T. El extraterrestre, el miedo de Polstergeist, la angustia de La cosa, el drama con Oficial y caballero, y la acción de Acorralado, pero sobre todo recordamos especialmente un referente de la ciencia ficción actual y futura, Blade Runner.

El autor de Blade Runner, Philip K. Dick, murió antes de que se estrenara la película en 1982, sin embargo nos dejó una serie de relatos, obras cortas y novelas, algunas de ellas llevadas a la gran pantalla. Innovador en su época, fue uno de los grandes incursores del cyberpunk tratanto temas como la despersonalización, la realidad alternativa y las drogas. Según algunos, sus relatos fueron producto de sustancias alucinógenas, aunque el propio K. Dick experimentó con ellas abiertamente, siempre rechazó escribir bajo sus efectos.

En muchas de sus obras podemos observar un mismo patrón, ¿quién soy?, la búsqueda de la verdad y la huida. A continuación, en AdiCINE, haremos un repaso de las principales adaptaciones cinematográficas de Philip K. Dick, el hombre sintético.

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Es toda una experiencia vivir con miedo verdad… Eso es lo que significa ser esclavo.

Blade Runner (1982)

Empezamos a lo grande. ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? fue el título de la obra que dio lugar a esta película. Ridley Scott nos dejó fascinados con Alien, el octavo pasajero (1979) tres años atrás, y decidió embarcarse en otro film de ciencia ficción considerada como una de las mejores películas del cineasta y del género. Innovadora y avanzada para su época, con un trasfondo filosófico sobre la creación de la vida, la esclavitud y el capitalismo se mezclan en esta distopía protagonizada por un Harrison Ford consolidado pocos años atrás con las dos primeras partes de Star Wars. Su papel gamberro y arrogante interpretando al contrabandista Han Solo cambiaría a uno más oscuro, dando vida a Rick Deckard, más maduro, inteligente, duro e implacable en su trabajo.

Ambientación oscura, persecuciones, disparos, una banda sonora a cargo de Vangelis, con unos antagonistas carismáticos, mención especial a Rutger Hauer, con un monólogo final para la posteridad considerado para algunos críticos y directores como el mejor de la historia, es todo lo que encontramos en Blade Runner, una obra de arte.

La película está llena de curiosidades, podemos decir que no es una adaptación fiel a la obra de K. Dick, pues toma prestado algunos aspectos de otros de sus libros, pero el resultado es impresionante. Actualmente sigue habiendo discusiones sobre el orígen de Deckard que esperemos que se puedan resolver en la futura secuela a cargo otra vez de Scott, esta vez protagonizada por Ryan Gosling (Drive (2011), Sólo Dios perdona (2013)) y con la aparición de Harrison Ford, el cual quedó sorprendido por el guión afirmando que era el mejor que había leído en su vida.

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Se esperan más películas, aunque todo dependerá el exito comercial. Blade Runner fue un fracaso en cifras, pero con el tiempo se consideró una película de culto. Esperemos que Scott no la prostituya con franquicias a las que últimamente nos tienen acostumbrados en Hollywood con palabras que causan temor que hasta hace diez años no se escuchaban, como son: remake, reborn y precuela.

Tan real como cualquier recuerdo

Desafío Total (1990)

Segunda gran adaptación del escritor, basada en uno de sus relatos. Esta vez a cargo de Paul Verhoeven, que también contó en 1985 con dos de los personajes aparecidos en Blade Runner, el antagonista Rutger Hauer, y el replicante, Brion James para rodar Los señores del acero, película medieval muy recomendable.

Con un elenco encabezado por Arnold Schwarzenegger, interpretando a un Douglas Quaid / Hauser en busca de respuestas, con Sharon Stone y el maléfico Michael Ironside, nos encontramos con la que fue la película más cara de la historia hasta la fecha de su estreno. Destacable en todos los efectos especiales, siendo de las últimas películas rodadas sin efectos digitales, exceptuando la escena de la cámara de vigilancia de la aduana del aeropuerto, lo que le valió la estatuilla a los FX, sin olvidar su banda sonora que abría y cerraba los créditos con el tema First Dream, de la mano del Jerry Goldsmith.

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Huídas, persecuciones, falsa identidad, despersonalizaciones, es todo lo que nos podemos encontrar. Muy recomendable para los amantes de las palomitas, un VHS veraniego del pasado, nada que ver con el estreno en el año 1999 de la serie Desafío Total 2070 en las televisiones autonómicas, compuesta de 22 capítulos sin mucha trascenencia.

¡Es un puto tostador!

Asesinos cibernéticos (1995)

Primera adaptación de poca calidad del autor. A Peter Weller se le daba bien hacer de cyborg en Robocop (1987), y en este film intentaría acabar con toda máquina viviente con nefastos resultados. Producción de serie B que podemos describir como un gazpacho de películas como Temblores (1990), Aliens 2 (1986), Terminator (1984) y Saturno 3 (1980).

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Con una nota media de 5, incluso 6 en páginas de EE.UU, hace uso de tópicos bastantes indeseables, entre los que destaco uno de los peores recursos a la hora de montar una película. Hablamos de las localizaciones. En el film vemos a sus protagonistas correr por túneles que terminan en puertas que al abrirse, se nota perfectamente la falta de presupuesto, pues vemos como al cruzarlas aparecen en lugares claramente pertenecientes a otro set u otra localización sin ningún tipo de nexo común. La sensación de salto de una localización a otra es pésima, hace perder toda la credibilidad de la ficción. Recomendable para los amantes de la serie B, y efectos especiales como los que el director John Carpenter (1997 Rescate en New York (1981)) nos tiene acostumbrados, pero sin la mágia de su dirección. No pasa de ser entretenida sin más ambiciones.

No debes creer lo que te han dicho…. confía en mi.

Infiltrado (2001)

Volviendo a los orígenes. La película empieza fuerte, aunque con unos efectos especiales muy bajos para la época, pero que mantiene una intensidad constante con doble final sorpresa, manteniendo la base a la que nos tiene acostumbrado Philip K. Dick.

La adaptación tiene bastantes similitudes a Desafío Total (1990), con un buen reparto, protagonizada por Gary Sinise (Forrest Gump (1994)), Madeleine Stowe (El último Mohicano (1992)), y Vincent D’onofrio (La chaqueta metálica (1987)), basada en una obra corta de Dick, pero llevada a la gran pantalla con poca dedicación.

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La comparación con la cinta de Verhoeven me prece imprescindible. En las dos encontramos la identidad del autor. Un personaje atormentado que busca la verdad, perseguido por todos, comprendido por nadie, enfrentándose a imprevistos indeseados, pero sin llegar al asombro técnico de Desafío Total (1990).

Producto descafeinado recomendable para los amantes de la ciencia ficción y del cine palomitero de serie B.

Si hay un error, es humano. Siempre lo es.

Minority Report (2002)

Nos encontramos ante una de las mejores películas de ciencia ficción, y una de las mejores del género para mí.

Repite la misma fórmula de Desafío Total (1990) y El infiltrado (2001) pero con la clase a la que nos tiene acostumbrado uno de los mejores directores de la historia del cine, el magnífico Steven Spielberg. Una película del año 2002 con unos efectos especiales que son envidables hoy en día, predominando unos blancos quemados a petición del director. Con un reparto excepcional encabezado por Tom Cruise (Rain Man (1988)), que sigue conservando el mismo patrón de dudas, huídas, y búsqueda de la verdad típico del escritor. ¿La diferencia?, muy fácil de explicar: Steven Spielberg (director) + Philip K. Dick (escritor) + John Williams (soundtrack) + reparto (Tom Cruise, Colin Farrell, Samantha Morton, Max Von Sydow) = obra de arte.

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La acción y el blockbuster que nos dejó Verhoeven quedan sustituidos por una gran aventura carente de vísceras pero con una intriga superior a sus antecesoras, con un guión simple, que sólo el maestro Spielberg podría darle su toque personal de misterio e intrigas.

Como escena destacable cabe mencionar la situada en el edificio de viviendas investigado por las arañas spiders, rodada a una sóla toma, donde la cámara sube, baja y atraviesa toda clase de obstaculos ofreciéndonos unos planos para el recuerdo. En el making-of  del DVD podemos ver el complejo mecanismo de guías y raíles que se construyeron para ello.

Como dato curioso sobre el film, Javier Bardem rechazó el papel de investigador que finalmente fue interpretado por Colin Farrell. Un fallo impredonable por parte del español no ponerse en manos del aclamado director.

Imprescindible para todos los públicos amantes o no de la ciencia ficción, mezcla a la perfección cine serio con blockbuster veraniego de la mano de Spielberg.

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En el próximo artículo, seguiremos repasando las adaptaciones de las obras de Philip K. Dick desde Paycheck (2003) hasta nuestros días.

¿Dónde estás John McTiernan?

Año 96. De los primeros pases en TVE en prime time nocturno de la Jungla de Cristal. Me disponía a grabarla en mi VHS Panasonic de 4 cabezales. Era un experto en quitar anuncios usando la función pause con REC activado. El primero llegó perfecto, impecable, limpio. El segundo no… El sonido del cabezal metálico en pausa, sonaba como un chasquido sobre la pobre cinta VHS. No me podía creer lo que estaba viendo. Al regidor de la cadena se le ocurrió la genial idea de meter entre los anuncios el sorteo de la Champions. Ojiplático, la espera se hizo insufrible con casi 50 minutos de bombo, y el cabezal seguía arrugando cinta. Esperando y esperando… hasta el punto de cortar absolutamente todo el ritmo de la película, y perder toda la empatía con los personajes. 20 años después me siento igual, esperando. ¿Dónde estás John McTiernan?

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A los cinéfilos más puritanos posiblemente este artículo no les parecerá interesante. Podríamos estar escribiendo páginas interminables alabando a directores de la talla de Quentin Tarantino, Martin Scorsese o Woody Allen entre otros, pero no. Esta vez, en AdiCINE vamos a hacer un repaso de la carrera de uno de los mejores directores de cine de acción y blockbusters de los 80 y 90. Empecemos.

La jungla se lo llevó…. la jungla se lo llevó!
Depredador (1987)

Corría el año 87. Después de la primera incursión de McTiernan en la gran pantalla con Nómadas (1986), le llegó la consolidación. Si Ridley Scott consiguió años atrás crear una atmósfera en Alíen el octavo pasajero (1979) en la nave Nostromo, donde el xenomorfo puso en jaque a toda la tripulación, McTiernan quería su propio alien. Comparar ambas películas debería considerarse delito, Alien es una obra de arte y Predator es puro entretenimiento, pero analizándolas podemos observar similitudes, la nave es sustituida por la selva, el alien por el predator, y la teniente Ripley por Dutch. Alguien más debió pensar lo mismo que yo y decidió hacer un crossover cruzando ambos mundos con resultados desastrosos a cargo del inefable Paul W. S. Anderson. En la película de McTiernan, el ser llegaba de otro planeta con un solo objetivo: cazar. Si a esto le metes a un Arnold Schwarzenegger en pleno auge la cinta te sale rentable. Un presupuesto de 15 millones de dólares que los doblo solamente en EEUU. Con una poderosa banda sonora de Alan Silvestri y unos efectos especiales de los que el tiempo no pasa por ellos, nos encontramos con la primera gran película del director.

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Como nota adicional podemos mencionar la aparición estelar de Jean Claude Van Damme en esta película ¿Dónde? ¡No lo veo! Según rumores que llevo escuchando años, el actor se metió en el traje del predator, pero cuando tenía que tirarse desde la cascada lo dejó. Esa era la versión más lógica que llegué a escuchar. Investigué sobre el tema leyendo la biografía del belga, en el cual no mencionaban absolutamente nada. Pero el rumor resulto ser cierto en parte, pues en el 2014, Stan Winston y Steve Johnson, responsables de efectos especiales, lo confirmaron en un vídeo. Van Damme estuvo rodando el film. Se encargó de dar vida al predator en estado de camuflaje con un prototipo de traje 1.0. Al final tomó la acertada decisión de salir del set e irse a rodar Contacto Sangriento (1988).

Ho ho ho! Ahora tengo una ametralladora
Jungla de Cristal (1988)

De Cita a Ciegas y Luz de Luna a John McClane. Bruce Willis se convirtió en estrella de acción con la Jungla de Cristal casi por casualidad. El guión de la película tal como lo conocemos, iba a ser la segunda parte de Comando (1985), protagonizada por Arnold Schwarzenegger, pero el austriaco rechazó el papel, no siendo el único, también lo hicieron actores como Mel Gibson o Silvester Stallone entre muchos otros.

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4 nominaciones a los Oscars (mejor sonido, mejor edición, mejores efectos de sonido, y mejores efectos especiales), y un edificio propiedad de la Fox, fueron suficientes para ver nacer a Bruce Willis como héroe de acción. Tanto es así que se uniría a Arnold Schwarzenegger y a Silvester Stallone en la aventura del Planet Hollywood.

Con sólo 20 muertes en la película, pocas hoy en día, donde los malos parecen sacados de un shoot ‘em up sin personalidad ninguna, John McTiernan hizo un trabajo excelente, agorafóbica, con unos colores grises predominantes (gracias a la fotografía de Jan DeBont antes de debutar como director con Speed), unos malos carismáticos, unos efectos especiales impecables, donde la sangre es sangre, con unos tiros que desgarran la ropa, que siguen siendo hoy en día referencia, le sirvieron a la Fox para rodar una segunda, tercera, cuarta y quinta parte prostituyendo la franquicia. Como la primera y la tercera ninguna. Ambas rodadas por John McTiernan. ¿casualidad?.

…y el mar dará a cada hombre una nueva esperanza como el dormir le da sueños. Cristóbal Colon.
La caza del octubre rojo (1990) / Los últimos dias del Edén (1992)

La caza del Octubre Rojo (1990) fue la primera de las adaptaciones de Tom Clancy en llevarse a la gran pantalla, interpretando a su protagonista, Jack Ryan, un joven Alec Baldwin, que se desinflaría poco a poco en su carrera años más tarde.

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Un reparto de lujo encabezado por un carismático Sean Connery, Oscar al mejor sonido, un presupuesto de 30 millones de dolares que recaudaron 300 en taquilla, hacían pensar que el director todo lo que tocaba se convertía en oro, pero con Los últimos días del Eden (1992), la cosa empeoró. La película de aventuras médicas, se llevó la nominación a los Razzie de su protagonista Lorraine Braco (Los Soprano), para mí algo excesivo, pues competía con películas menos serias como por ejemplo la olvidable Alto o mi madre dispara!, Instinto básico y Una rubia entre dos mundos. Con un presupuesto de 40 millones de dólares, algo excesivo para el film, y unas ganancias de sólo 45 millones en EEUU podemos hablar del primer “fracaso” en taquilla del director.

¿Cómo vas a chasquear los dedos después de que te haya arrancado los pulgares?
El Último gran Héroe (1993)

Comedia y acción a raudales se unen de la mano en esta cinta que obtuvo seis nominaciones a los premios Razzies en 1994, pero que consiguió ser uno de los mejores blockbuster palomiteros de principios de los 90. Hablar de esta película es como hablar de la canción del verano, unos la amarán y otros la odiarán, pero no deja de ser un producto destinado al simple entretenimiento comercial sin entrar en la cinefilia de los más puritanos que ha sabido envejecer bien con el paso de los años.

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La película carente de pretensiones, sólo tiene un objetivo: Divertir. Tiros, explosiones, muertes absurdas, diálogos gamberros y toda clase de tópicos hicieron las risas de unos y los llantos de otros, acostumbrados a ver a Arnold Schwarzenegger en papeles más serios, aquí llegando hasta autoparodiarse haciendo de sí mismo en ese estreno imposible de Jack Slater IV.

Destaca su magistral banda sonora, de las pocas películas donde el trabajo instrumental de Michal Kamen combinan a la perfección con los temas de grupos como AC/DC, Alice in Chains, Megadeth, Queensrÿche, Def Leppard, Antrax, Aerosmith, Alice in Chains, Cypres Hill, Fishbone y Tesla. Pocas películas pueden presumir de lo mismo. Junto con El cuervo (1994) protagonizada por Brandon Lee, las considero las dos mejores bandas sonoras de esa década. Muy recomendables si eres amante del Rock.

Yo estaba muy a gusto suspendido. Fumando en mi sofá y viendo dibujos animados
Jungla de Cristal. La venganza.

Nueva York de telón de fondo, Summer in the city de cabecera y una explosión en unos grandes almacenes nada más empezar la película son el pistoletazo de salida de Jungla de cristal: La venganza. Como en una carrera de larga distancia, la película alcanza un ritmo trepidante nada más comenzar. El Nakatomi plaza y el aeropuerto Internacional de Washington son sustituidos por una ciudad en movimiento. El inmenso escenario nos lleva desde suburbios, comisarías, distritos financieros, alcantarillas, puertos, parques y un sin fin de lugares con escenas rodadas al aire libre. Destacando el descarrilamiento del metro, rodada en una sola toma en la que participaron innumerables extras y en el que making off se puede apreciar que algunos de ellos corrían bastante peligro.

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Steven E. de Souza, guionista de las dos primeras partes, fue sustituido por Jonathan Hensleigh, que consigue crear un argumento partiendo de la base de un juego: Simon dice. Como nota adicional añadiremos la nefasta carrera en dirección por parte de ambos guionistas. De Souza dirigió Street Fighter la película (protagonizada por un pasado de vueltas Jean Claude Van Damme y el tristemente fallecido Raul Julia), y Hensleigh rodó en 2004 The Punisher. ¿Cúando tendremos una adaptación de Frank Castle en condiciones? Menos mal que esta Netflix para solucionar esto.

De nuevo Michael Kamen estaba de nuevo en la banda sonora, como ya hiciera en otra saga de acción mítica de los 80 como fue Arma Letal. Esta vez el sonido de campanillas de las dos primeras entregas, quedaba sustituido por un soundtrack con más dinamismo mezclado con marchas militares pero conservando la misma línea de las anteriores.

Tras cinco años de espera desde La Jungla 2: Alerta roja y varias películas de distintos géneros, desde Billy Bathgate, La muerte os sienta tan bien, Persecución Mortal y Pulp Fiction entre otras, ésta última una de las mejores películas de los últimos tiempos y una de mis favoritas, pudimos volver a ver el regreso de John McClane un 21 de Julio de 1995, acompañado de un reparto excelente, volvía a repetir escena con Samuel L. Jackson, con un papel al que le sobra la parte cómica más acostumbrados al Jules del filme de Tarantino, y como antagonista vemos a un Jeremy Irons (En un principio se pensó en Sean Connery como el villano de la función) en sus mejores momentos, que quería tomarse una “venganza” personal a base acertijos, trampas y persecuciones imposibles.

Como nota adicional añadiremos que los poseedores de la versión en DVD se vieron gratamente sorprendidos por su final alternativo, que no llegó a verse en la gran pantalla por discrepancias entre director y guionista, un poco distinto al original, pero con los mismos resultados.

El arrepentimiento es una perdida de tiempo, igual que el regodeo.
El secreto de Thomas Crown (1999)

Con un reparto estelar, Pierce Brosnan, Rene Russo, Dennis Leary, Faye Dunaway y Esther Cañadas, con una música compuesta por Bill Conti (Rocky), intentaron recrear el film del 1968, El caso de Thomas Crown de Norman Jewison que protagonizo Steve McQueen, obteniendo buenos resultados aunque no lo esperado a tenor del interés del protagonista y director de optar por premios mayores.

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El film consiguió ganancias, que casi triplicaron su presupuesto, se hablo de hacer una secuela en la que Brosnan volvería a retomar su papel y le acompañaría una emergente (por aquella época) Angelina Jolie e incluso se hablo que sería dirigida por otro gran director como Paul Verhoeven. Una película de robos fuera del cine de acción que nos tiene acostumbrado McTiernan. Para algunos superior a la original. Bastante seria e interesante sin llegar a ser una película memorable.

He aquí que veo a mi padre…
El Guerrero número 13 (1999)

Varios problemas tuvo esta película durante su rodaje relacionados con el autor de la novela Michael Crichton y el propio McTiernan. El escritor parece ser, no quedó satisfecho con el rodaje y decidió cambiar aspectos de su obra en la adaptación a la gran pantalla.

Cuando en el cartel de una película podemos apreciar frases del tipo: “del autor de Parque Jurásico….del director de Jungla de Cristal”, la cosa empieza mal. Nos encontramos con el segundo gran fracaso en taquilla del director. Una película de un presupuesto elevado, sobre 90 millones de dólares, con Antonio Banderas de protagonista y una banda sonora a cargo de Jerry Goldsmith debería ser suficiente para obtener beneficios y hacer una película rentable.

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Casi de culto para unos, e indiferente para otros, con buenas escenas de acción, efectos especiales destacables y viscerales, fue criticada en exceso sobre la corta adaptación de Ahmad ibn Fadlan (Antonio Banderas) al idioma vikingo. Esto puede ser producto del montador. Tal vez una versión más completa hubiera obtenido mejores resultados, sin dejar de ser entretenida y amena.

El jefe quiere espectáculo.
Rollerball (2002)

Hay maneras de dejar el cine, o digamos de bajar de categoría, de liga, de serie, o de tirar una carrera por la ventana, incluso los hay como Renny Harlyn, que llevó a Carolco al cierre, pero llamarse John McTiernan, contar con la friolera de 70 millones de dólares y rodar Rollerball no es la manera, y más si se vuelve a tratar de otro remake de otro filme de Norman Jewison como sucedió con El caso de Thomas Crown.

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Hablar de Rollerball (2002) es perder el tiempo. El día de su estreno las palomitas debieron caducar en las estanterías de los cines. Con un reparto encabezado por Chris Klein, Jean Reno, LL Cool J, Rebecca Romijn y Naveen Andrews, una producción del propio McTiernan, debió pensar el director de volverse de oro con la cinta. No entiendo como pudo realizar semejante película. Si en los créditos le ponen producida por Luc Besson y rodada con un cuarto de su presupuesto por un director debutante te quedas mas contento, pero viniendo McTiernan, no. Críticas negativas por debajo del 5, un Metascore de 14 en Metacritic, hicieron que la cinta sea de lo peor de toda la filmografía del director.

Ha ocurrido algo. Necesito ayuda.
Basic (2003).

John Travolta y Samuel L. Jackson juntos de nuevo. ¿Será tan buena como Pulp Fiction? Pues no, seré breve. En este caso, hablamos de un thriller simplemente entretenido con final sorpresa, un guión extraño, donde nada es lo que parece. Usando el esquema de Ran de Akira Kurosawa, McTiernan cuenta una trama de intriga militar desde diferentes puntos de vista.

Basic

Otra película que nada tiene que ver con el tipo de género que nos tiene acostumbrado el director. La química de los personajes de Vincent Vega y Jules de Pulp Fiction queda totalmente anulada en este film que tuvo pérdidas considerables, sin llegar a recaudar el presupuesto inicial. No siendo un mal producto, no llego a ser todo lo que el cartel prometía.

Espía como puedas

Un caso de película de sobremesa, un director millonario, un detective y unas escuchas ilegales fueron suficiente para llevar a John McTiernan a la cárcel durante un año, con una multa de 100.000 dolares. Declarado culpable en 2006 y encarcelado en 2013, tuvo 7 años por delante para llevar a cabo proyectos pero optó por permanecer en el silencio. Retirado desde el 2002, nos hemos perdido la época digital de los efectos especiales de la mano de la mano maestra del director de Jungla de cristal, que podría haber sido durante la década pasada fiel competidor de directores de blockbusters como de Michael Bay o Antoine Fucqua. Una pena, esperemos que vuelva pronto.

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Terminado el repaso por la carrera del director, llegamos a una extraña conclusión. McTiernan debe ser amante de la numerología. En especial del número dos, como veremos a continuación.

Ha trabajado en dos ocasiones con Pierce Brosnan (Nómadas y El secreto de Thomas Crown), Arnold Schwarzenegger (Depredador y El Último Gran Héroe), Bruce Willis. (Jungla de Cristal 1 y 3), Sean Connery. (La caza del octubre rojo y Los últimos días del Edén) y Samuel L. Jackson (La jungla 3 y Basic).

Nos veremos en el próximo artículo.

Mad Max: Furia en la carretera

¡Sed testigos!

Hablar de Mad Max es hablar de George Miller, australiano, médico de profesión, junto a su hermano presenció los horrores de los accidentes de tráfico, y decidió embarcarse en 1979 en la primera película de la saga, Mad Max Salvajes de la autopista.

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Con un presupuesto de 200.000 dolares de la época y bastantes problemas de producción, pidió prestado varios carteles de publicidad para los decorados, sin olvidarse de los extras, pues la banda de motos del pueblo es una banda de moteros real. El presupuesto inicial acabó consiguiendo en diciembre de 1982 una taquilla mundial de 100.000.000 millones de dolares y una consolidación del director a nivel internacional, así como una serie de nominaciones a los premios AFI -Astralian Film Institute, ganando en categorías como mejor banda sonora, mejor edición de sonido, y mejor sonido ¿os suena de algo?, pues si, 34 años después, ganó esos Oscars y otros más.

Le siguieron Mad Max 2: salvajes de la autopista (1981) y Mad Max 3: mas allá de la cúpula del trueno (1985), donde el cambio de una sociedad en decadencia que vimos en la primera película pasa a un cine postapocaliptico, con una sociedad totalmente destruida.

Mi nombre es Max

120 días le sobraron a George Miller para rodar Mad Max: Fury Road (2015), y 120 minutos para mostrarlos en la gran pantalla. Con el estreno hace un año todavía estamos esperando dos cosas de ella. La primera es una versión en blanco y negro sin música, sólo con sonidos. Esa era la idea del director amante del cine mudo, pero la productora se negó a ello y lo segundo, esperamos una versión del director o versión extendida que no llega.

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12 líneas de diálogo le bastaron a Mel Gibson en 1981, y otras 12 líneas aproximadamente a Tom Hardy el año pasado para interpretar a Max Rockatansky. “Mi nombre es Max, cuidado con mi cabeza, ese es mi coche, gruñidos varios, agua, cizaña, voy yo, un párrafo sobre la redención, y mi nombre es Max“. Eso es básicamente el guion de la película por parte de Hardy. Por otro lado tenemos a Charlize Theron interpretando un papel de acción perfecto, nada que ver con la olvidable Aeon Flux (2005). Camaleónica, brillante y emotiva, tanto que quiere repetir como Furiosa, la cual tendrá un spin-off pronto aunque se sabe que no va a aparecer en la próxima secuela Wasteland. En ella recae el peso dramático de la cinta. ¿volveremos a verlos juntos alguna vez? Eso espero.

No se conviertan en adictos al agua, se apoderará de ustedes y resentirán su ausencia

Argumentar la película resulta bastante fácil y complicado a la vez pues prácticamente es la sinopsis es el guión. Cuando ves la película por primera vez todo empieza muy rápido. Si has entrado tarde al cine y eres de esos que prefieren comprar palomitas sin importarle perderse un minuto de película mal vas. El filme arranca fuerte y sólo unos segundos después de que empiece es un no parar. Toca correr y no mirar atrás, así es el argumento de Mad Max.

El filme nos sitúa en una parte del desierto de Australia donde la civilización carece de agua. Y es ahí donde entra Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne, el malo que pudimos ver en Mad Max: salvajes de la autopista interpretando a El cortauñas), donde envía un camión de combate cisterna a otra ciudad del páramo pero que no llegará. Furiosa decide llevárselo ¡y de que manera!

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Ese es básicamente el argumento, no hay más. Entonces… ¿y el resto? Adrenalina pura y dura, acción, golpes, explosiones, inmolaciones y todo tipo de bizarradas sacada de la mente de George Miller. Una máquina de combate sin retorno avanzando como una flecha indestructible contra todo de la mano de Tom Hardy. Efectos especiales a lo clásico que se mezclan con el mejor CGI y una impecable banda sonora compuesta por Junkie XL destacando el tema Brothers in arms, capaz de pasar de lo más épico a los momentos más dramáticos pasando por una percusión magnífica que le da dureza y energía a la cinta.

Disculpe Señor Miller, llevamos una hora de película y nos queda otra hora más ¿que hacemos?, ya no tenemos donde ir. -Espera que lo piense…….. pues vamos para atrás y rodamos el resto- contestó Miller“. Esta debió ser la conversación que tuvieron en el estudio el productor y el director. El argumento que carece la pelícua durante todo el rodaje queda solapado por la bestialidad de la misma. Todo el metraje es un final constante. Con solo una pausa para volver atrás con más fuerza que la ida, más destrucción, más coreografías, más peleas, más explosiones, y todo un sin fin de maneras de volcar, destrozar, y tirotear. Eso es Mad Max.

Conducirás eternamente brillante y cromado.

Serie B con presupuesto de superproducción ganadora de 6 Oscars que me parecieron pocos. Una película que se coló entre las grandes y triunfó técnicamente donde otras superproducciones fracasaron que esta ahora celebrando su primer aniversario de su estreno. Dirigida a un público específico amante del cine de acción postapocalíptico y a una generación de finales de los 70.

Si eres de los que te criaste con George Miller, esta es tu película. Si eres de los que prefieres A todo gas, puedes probar. Esto es cine serio.

Más sobre Mad Max Furia en la carretera en Sensacine: 

http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-125054/