Barry Seal: el traficante

La figura de Pablo Escobar está de moda últimamente, sobretodo por la serie de Netflix con Narcos. La popularidad del narcotraficante se ha disparado con varios proyectos relacionados con su persona o con personas alrededor de su círculo durante la década de los 80. Ahora nos llega el nuevo filme de Tom Cruise, Barry Seal: el traficante. Tras haber descentrado al público con su particular versión de La Momia. Para ello vuelve a trabajar con el director Doug Liman, con el que trabajó en la recomendable Al filo del mañana.

La trama contada por el propio Seal (Cruise), a través de su cámara de vídeo, narra los hechos desde finales de los 70 hasta mediados de los 80. Donde éste pasó de ser un piloto comercial de la TWA (fue el más joven contratado por la aerolínea) que realizaba algo de contrabando de puros cubanos, a traficar con toneladas de cocaína y con armas para la “Contra” nicaragüense que al final terminaría llevándose a los narcos colombianos mientras que trapicheaba haciendo fotos para la CIA, todo a la vez.

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Lo que parece un trabajo sencillo, sin comerlo ni beberlo, nuestro protagonista empezará a jugar en diferentes bandos. La historia refleja una serie de problemas como el tráfico de drogas, la corrupción política, las operaciones encubiertas que han llegado hasta nuestros días. Pero el tono del filme es siempre divertido, aunque no estamos ante una comedia. Doug Liman no para de darle ritmo al filme, nuestro protagonista es un imán para los problemas.

Tampoco habría que olvidarse del otro protagonista de la cinta, el agente de la CIA, Monty Schafer (Domhnall Gleeson), todo un oportunista de la época. Ambos personajes no son otra cosa que unos oportunistas, en busca y captura de las oportunidades que se dan en el comienzo con la etapa del presidente Carter a finales de los 70.

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La película tiene grandes momentos, como ese arranque donde Barry no se le ocurre otra cosa en pleno vuelo comercial (sorprende ver esos pilotos en cabina fumando), fingir unas falsas turbulencias para despertar a todos los pasajeros, su fichaje por la CIA, el vuelo de prueba para el cartel de Medellín donde tienen una pista bastante corta (incluso llegan a apostar si podrá despegar o no), la huida de Barry junto a su familia a un nuevo hogar tras ser detenido o cuando ya con su flota de pilotos viajan entre helicópteros para evitar ser detenido por la DEA.

El filme tiene un buen nivel de producción, la ambientación es bastante cuidada, la música de Christophe Beck (Ant-man, Trolls) está plagada de guitarras eléctricas que te meten de lleno en la acción de nuestro protagonista. Por poner alguna pega se echa de menos algún tema de la época (hubiera quedado genial algo por ejemplo de Lynyrd Skynyrd).

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Hablemos de su reparto, de nuevo Cruise es la estrella y aparece el 99% del metraje en pantalla (hasta se da el gusto de enseñar el trasero un par de ocasiones). Su personaje es lo opuesto a los héroes de acción que lleva encarnando últimamente, se le agradece el cambio de registro. Bien respaldado por Domhnall Gleeson como ese espía/funcionario Monty Schafer, cada vez se encuentra más cómodo en grandes producciones (El renacido, Star Wars: El despertar de la fuerza).

Completan el reparto Sarah Wright (Parks and Recreation), como la inocente y sufridora esposa de nuestro protagonista, en roles secundarios podemos ver a Jesse Plemons (Fargo, Breaking Bad), E. Roger Mitchell (Sully, Triple 9), Caleb Landry Jones (Déjame salir) y Benito Martinez (The Shield, Hijos de la anarquía).

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Barry Seal: el traficante es un entretenimiento de primera.

Curiosidades

Tom Cruise pilotó de verdad los aviones de la película.

Se pensó en Ron Howard en un principio para llevar a cabo el proyecto.

Barry Seal: el traficante contó con un presupuesto de 80 millones de dólares.

El filme fue rodado en Georgia, Nueva Orleans y en varias localizaciones de Colombia, como Medellín.

El fundador

¿Quién no ha comido alguna vez en McDonald’s? Todos en algún momento hemos pasado por un restaurante de comida rápida, con mejor o peor opinión. Pero ¿Quién fue el responsable del éxito de la marca?, pues de eso va El fundador. Un filme de John Lee Hancock (Al encuentro de Mr. Banks) protagonizado por el siempre efectivo Michael Keaton.

La trama nos sitúa a mitad de los años 50, Ray Kroc es un tipo ya pasada la mediana edad, atrapado en un aburrido matrimonio. Su ilusión es alcanzar el sueño americano y le va a dar un buen mordisco cuando llega a un curioso restaurante regentado por los hermanos McDonald.

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Los hermanos Mac y Dick han creado un revolucionario sistema de comida rápida. Con trabajadores bien entrenados, sin camareros, son capaces de servir comida en 30 segundos, a un precio reducido y sin platos. Para nuestro protagonista es toda una revelación y decide invertir en el negocio, a pesar de las trabas de los hermanos, sobretodo de Nick.  A partir de aquí veremos como la franquicia va creciendo como la espuma. Ray se crece creyéndose ser el rey del cotarro, hasta que descubre que el sistema de los hermanos, no es del todo rentable como pensaba y es cuando decide hacer las cosas por su cuenta.

El libreto de El fundador se centra prácticamente en lo profesional, dejando la vida familiar de Ray en un par de anotaciones, lo cual es  una espada de doble filo, se agradece que no caiga en los más típicos tópicos dentro del drama. Pero por contra su ruinoso matrimonio abocado al fracaso, daba para algo más. Sobretodo teniendo a Laura Dern interpretando a la esposa del protagonista, en un rol muy contenido que borda a la perfección.

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El filme tiene ritmo, un tono casi amable, estamos en los años 50, aunque sin caer en el maniqueísmo. Llega un momento que parece que todo sale tan bien a nuestro protagonista, que sino fuera porque es un hecho real hasta nos podría creer que es ficción. Hancock tiene momentos muy interesantes como la cena donde los hermanos McDonalds le revelan todos los secretos a Ray (con un estupendo montaje). Sin olvidarse del momento donde ensaya un discurso de agradecimiento donde habla directamente al público.

Su producción está bastante cuidada, los coches de la época, las casas, entres otros. Carter Burwell (habitual compositor de los hemanos Coen) le pone música al filme, atentos a la escenas donde vemos como se van cocinando las hamburguesas. El trabajo del director es bastante competente, sobre todo en el uso del montaje. Citar ese cara a cara final entre Ray y Nick tras el acuerdo para no ir a juicio, donde Hancock emplea el uso de espejos para estar al detalle de ambos personajes.

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Si el filme funciona es por Keaton, Keaton y Keaton. Se come la pantalla literalmente. De nuevo muy inspirado, desde que volvería por la puerta grande con Birdman, con un personaje que te cae bien pero que a medida que lo vas conociendo ves que detrás de esa sonrisa se esconde un ambicioso hijo de perra, casi tan malvado como su personaje del Buitre en Spider-man: Homecoming. Atentos al momento donde conoce a su futura segunda esposa donde el actor canta y toca el piano.

El resto del elenco digamos que está bajo su sombra, Nick Offerman y John Carroll Lynch están bastante bien como los hermanos McDonalds. Laura Dern se agradece volverla a ver en un filme aunque sea un papel tan esquemático. En roles secundarios tenemos a Patrick Wilson como otro de los dueños de un restaurante y Linda Cardinelli como su esposa. Sin olvidar al televisivo B.J. Novak como el tipo que le da la clave  a Ray para salirse de la franquicia.

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El fundador un filme interesante, a ratos divertido y muy entretenido. El espectador puede saborear las hamburguesas del éxito que va sirviendo el chef Keaton.

Curiosidades

El actor Jeremy Renner es el productor del filme.

B.J. Novak vuelve a trabajar con el director John Lee Hancok tras Al encuentro de Mr. Banks.

Michael Keaton dio clases de piano para prepararse para el papel.

Después de leer el guión, los hermanos Coen quisieron dirigir la película, pero estaban en medio del rodaje de ¡Ave, César!

Michael Keaton tuvo el detalle de alquilar dos camiones de helados para todos los trabajadores del filme.

El fundador recaudó cerca de 24 millones de dólares en todo el mundo.

 

Rush

Rush nos cuenta la rivalidad deportiva entre el británico James Hunt y el aleman Niki Lauda, es un filme que para aquellos que no son muy fans del deporte en general y en concreto de la Formula 1, les podrían dar reparo de verla. Pero sorprendente es una película altamente entretenida y de los mejores trabajos de las filmografía de Ron Howard.

Éste venía de filmar por aquella época las dos adaptación de las novelas de Dan Brown (ahora en los cines la pasable Inferno) y de la desconocida ¡Qué dilema!, una comedia al servicio de Vince Vaungh y del sosete Kevin James. Cambiar de tercio con un drama deportivo sin duda era un proyecto más estimulante, con lo que contó con el libreto de Peter Morgan,  con el que unos años antes había colaborado en Frost/Nixon. El guionista quiso poner de relieve el contraste entre ambos conductores.

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¿Qué nos encontramos en Rush? Una historia de rivalidad que tuvieron a mitad de los 70, los pilotos James Hunt (Chris Hemsworth) y Nikki Lauda (Daniel Brühl). Desde sus comienzos en la Formula 3, cuando son unos semiprofesionales hasta que dan el salto a la Formula 1 y su lucha por conseguir el campeonato del mundo.

Mientras el primero es un fiestero que se pasa el día de cachondeo, el segundo es un frío y calculador en todo lo que hace para ser el mejor. Veremos los diferentes problemas que tienen para buscarse una escudería. Hunt cuenta con el beneplácito de un Lord británico tan juerguista como él, por el contrario Lauda se le ocurre la idea de endeudarse para comprar una pequeña escudería para llegar a la máxima categoría.

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También como no, entre carrera y carrera tendrán tiempo para contarnos las vidas personales de ambos. Hunt termina casándose con una modelo de renombre (Olivia Wilde) mientras que Lauda se casa por lo civil con una mujer de la alta sociedad que entiende su forma de ser.

La ambientación está muy bien lograda, se nota que se han gastado muy bien hasta el último dólar en la recreación de aquellos años 70. Como por ejemplo esa fotografía tan bien conseguida, en la que hay momentos que parece de verdad un documental filmado hace más de 40 años. Ver por todos los circuitos que van pasando los protagonistas (de hecho se dejan ver en España con guardias civiles incluidos).

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Otro punto fuerte del filme en su banda sonora, curiosamente Hans Zimmer (Batman Vs Superman) se ha acordado de sus buenos tiempos de los 90 (Amor a Quemarropa, La Roca entre otras), realizando un trabajo muy notable acorde a las imágenes que vemos, donde su trabajo acompaña genialmente a los dos protagonistas durante sus competiciones.

De la labor de Howard tras las cámaras, es muy solvente (en muchos sitios consideran la cinta como la mejor de su carrera, aunque para servidor, Willow es la mejor). Pero se nota que el director de Llamaradas o Apolo XIII ha madurado a la hora de filmar, con buen pulso tanto las escenas de acción como las dramáticas (por ejemplo aquella en la que uno de nuestros personajes se encuentra en el hospital recuperándose de las heridas o cuando Hunt intenta buscar una escudería).

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Escenas para el recuerdo, sobretodo las carreras que están cargadas de mucha emoción, creando la sensación que vamos dentro de uno de esos monoplazas, donde habría que destacar aquella en la que hay un gran accidente en la que se ven envueltos nuestros protagonistas o esa carrera final en Japón lloviendo que le da un impacto a la vez que belleza a las imágenes que estamos viendo. Fuera de las pistas hay momentos interesantes como aquel en el que Nikki conoce a su futura mujer o aquella otra donde vemos como Hunt memoriza los circuitos.

La labor del dúo protagonista es bastante notable, se lleva el gato al agua Brühl con su papel de tipo frío, reservado y muy calculador, que no duda en sacrificar todo para ser el número 1, mencionar la escena de su luna de miel en Ibiza, donde conversa con su esposa sobre que él nunca podrá ser feliz plenamente. Aunque el Thor cinematográfico tampoco se queda atrás, si bien es cierto que su personaje cae más simpático, pero se nota que el actor australiano está aquí para algo más que lucir musculitos como ha pasado en otras ocasiones, demostrando que si se lo propone puede ser un actor bastante competente.

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Del resto del reparto, destacaría a la actriz rumana Alexandra Maria Lara que interpreta a la mujer de Lauda. Por el contrario Olivia Wilde sigue en su línea de mujer florero (ya he perdido la cuenta la de veces que lo ha hecho), si bien es cierto que en esta ocasión su papel es muy breve, no tiene aquí minutos suficientes para darle peso dramático a su personaje quedándose de nuevo en la guapa de la peli. Fijarse en la escena del restaurante cuando ella y Hemsworth están en un restaurante hablando sobre el futuro de su relación donde demuestra que esta todavía muy verde.

Si hay algo que patina en el filme es esa gran rivalidad que nos venden entre ambos personajes, si bien es cierto que no se llevan bien, en ningún momento da la sensación que Hunt y Lauda se llevarán a matar. No llega algún momento caldeado  donde ambos personajes llegasen a enfrentarse físicamente salvo el cruce de un par de insultos no hay nada más y eso que tenemos escenas donde saltan las chispas entre ambos como aquella en la que todos los pilotos se reúnen para decidir si van a correr o no en un circuito muy peligroso por culpa de la lluvia. Donde choca la escena final, en la que ambos personajes vuelven a coincidir tras el final del mundial, allí Lauda tiene un monólogo final donde confiesa que respeta a Hunt por todo sus logros, algo contraproducente ya que éste representaba todo lo que Lauda censuraba para poder ser un campeón.

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Altamente entretenida tanto si te gusta o no la Formula 1.

Curriosidades

El rodaje se realizó en el antiguo aeródromo de la Segunda Guerra Mundial de Blackbushe, en el Snetterton Motor Racing Circuit y en el de Cadwell Park, circuitos de carreras de motor en Inglaterra, y en el de Nürburgring, en Alemania.

Russell Crowe fue considerado para el papel de Richard Burton y Alex Pettyfer para el del piloto James Hunt.

A Brühl y Hemsworth no les estaba permitido conducir coches reales de Fórmula 1, por lo que utilizaron coches de Fórmula 3 con chasis falsos de Fórmula 1.

El filme tuvo un presupuesto de 38 millones de dólares llegando a recaudar unos 90 en todo el mundo.

Daniel Brühl llego a conseguir varias nominaciones a premios importantes por su interpretación de Niki Lauda, como el Bafta.

Primera colaboración de Chris Hensworth y Ron Howard, en 2015 trabajaron de nuevo En el corazón del mar.

 

Jersey Boys

En 2014, y tras la tediosa J. Edgar, el actor y director Clint Eastwood cambió de tercio para contarnos la historia de unos chicos humildes que llegaron al estrellato. Un musical ambientado en los años 50, con el que rinde homenaje a una de sus pasiones, la música. Recordar que en su juventud protagonizó La Leyenda de la Ciudad Sin Nombre junto a Lee Marvin donde en vez de pegar tiros, cantaban y bailaban.

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Desde siempre se han realizado biopics de cantantes y grupos musicales, citar ejemplos como las ochenteras Gran Bola de Fuego o La Bamba. Jersey Boys sin duda vemos la particular visión de Eastwood contándonos la historia de unos chicos que empiezan siendo unos aspirantes a mafiosos pero se cruzarán con la música en sus caminos para convertirse en estrellas. Como espectador, todo relacionado con la parte criminal de la historia y el recurso de romper la cuarta pared en la que los actores hablan directamente al público nos retrotrae a los filmes de Martin Scorsese, Uno de los nuestros o Casino.

Uno de los aciertos de la cinta es su sentido del humor a lo largo de casi todo su metraje. Eastwood le da un buen ritmo a la historia al son de canciones de la banda como “Big Girls Don’t Cry”, “Walk like a Man” o “Sherrie”. Citar escenas como la del robo del comienzo, en la que todo sale mal para nuestros chicos o aquella otra donde ya consagrados como músicos, se empiezan a decir verdades los unos a los otros (un momento dramático pero bien resuelto con humor).

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Por otro lado el director de Space Cowboys, rompe un momento del filme hacia la segunda mitad cuando nos va a contar el declive del grupo a través de un sencillo pero a la vez muy efectivo flashbacks de cómo los Four Seasons se fueron a pique. A todo esto siempre acompañado de la elegancia y el clasicismo a la hora de filmar por parte de Eastwood.

El reparto está compuesto por caras desconocidas donde destacaría sin duda a Vincent Piazza (visto en la serie Boardwalk Empire) que interpreta a Tommy DeVito, el amigo de Frankie. Su personaje macarra pero a la vez protector de su amigo es de lo más destacable de un reparto. También se deja ver Christopher Walken, interpretando a un mafioso que es el “padrino” de los protagonistas rompiendo un poco los estereotipos, con momentos divertidos como aquel en el que se pone a llorar a moco tendido al oír cantar a nuestros chicos.

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De la producción pues a nivel de vestuario, ambientación, decorados todo muy sencillo pero efectivo, sin demasiadas florituras. Lo que si da el cante, nunca mejor dicho, son aquellos momentos en los que los protagonistas van envejeciendo pero continúan con su aspecto juvenil aunque se supone que son más mayores. Sobretodo en el tramo final donde ese maquillaje que llevan parece de Muchachada Nui.

Hablemos de los puntos negativos, puede que le sobre unos 10 minutos sobre todo en su parte dramática que se llega a hacer un poco más pesada. La canción de “Sherrie” se repite bastante, aunque es cierto que es su tema más famoso. Hay ciertos personajes secundarios que están un poco de pega, como la esposa de Frankie o su hija.

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En resumen, un pequeño filme que hará las delicias de los aficionados al género. Por cierto, no perderse los créditos del final donde Eastwood realiza todo un homenaje a Broadway.

Curiosidades

La película se basa en el libro de Marshall Brickman sobre la vida de los Four Seasons, el título del filme hace referencia al musical basado en el grupo. Además existe un musical homónimo, en que está basado la película.

Aparece Francesca Eastwood, una de las muchas hijas del protagonista de El Bueno, el feo y el malo. Debutó en el cine en otro filme de su padre, en la muy entretenida Ejecución inminente. Aquí interpreta a una camarera.

El actor Jonathan Pal (Los juegos del hambre: En llamas) se presentó al casting para interpretar el papel de Frankie Valli.

Se barajó el nombre de Jon Favreau (Iron Man, El libro de la selva) para realizar la película.

Durante una escena, uno de los protagonista ve por televisión un filme protagonista por el mismísimo Eastwood en uno de sus antiguos trabajos como actor.

El actor Joe Pesci (Uno de los nuestros, Arma Letal 2, JFK: Caso abierto) fue amigo en la vida real de los Four Seasons, en el filme aparece interpretado por Joseph Russo.

Al comienzo del filme aparece el actor Steve Schirripa, conocido por hacer de Bobby Bacala en Los Soprano, aquí interpreta al dueño de la barbería donde trabaja Frankie. Esta es la segunda colaboración del actor con Eastwood después de Mas allá de la vida.

Su presupuesto fue de 40 millones de dólares, recaudó en todo el mundo unos 67.

Snowden

El siempre controvertido Oliver Stone, vuelve con un nuevo proyecto, esta película llega cuatro años después del anterior trabajo del director, la decepcionante Salvajes y supone su vigésimo largometraje (sin contar sus documentales) de su carrera. Esta es la primera vez que el director de Nacido el 4 de Julio ha optado rodar con cámaras digitales en un largometraje de ficción, para una historia reciente y actual.

Narrada a través de flashbacks, la acción arranca con nuestro protagonista citándose con los periodistas en el hotel de Hong Kong donde se encontraba oculto en 2013. Éste les va narrando su vida desde su fallido intento de entrar en el ejercito, su reclutamiento en la CIA, donde sobresale sobre los demás novatos como analista de sistemas informático. Su intento frustrado de convertirse en espía en Suiza donde tendrá su primer encontronazo con la NSA y donde empieza a replantearse si es ético o no su trabajo. De allí se irá a Japón, trabajando para la NSA, pero su situación se volverá insostenible, debido a su vida sentimental que se viene abajo. De vuelta a los Estados Unidos descubrirá que padece de epilepsia y con lo que decide regresar a la CIA, donde decide dar el paso de tirar de la manta.

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El filme nos presenta a Snowden como un tipo idealista, patriota hasta cierto punto, enamorado de su chica (aunque ella es diametralmente opuesta en carácter y en todo lo que hace él) que tiene una duda moral sobre lo que de verdad hace es bueno para su país o para los que gobiernan. Lo cual veremos esa evolución de un tipo confiado a paranoico (todos los momentos que Snowden evita hacerse fotos y como quedan reflejados). Sin duda es el tipo de historia ideal para alguien como Stone tan aficionado a las conspiraciones y a la historia de su país (basta con recordar trabajos anteriores suyos como JFK o Nixon), dota a la cinta de ritmo, que hace que más de dos horas de duración se pasen volando.

Aunque tenemos una trama muy sólida, que se centra muy bien en lo que nos interesa, haciendo un buen uso de los mencionados flashbacks, donde conoceremos los motivos por los cuales el protagonista decide de romper las reglas. Pero el fallo de la cinta, es que a Stone en ocasiones se le va la mano con la parte romántica. La relación de Snowden con su novia (una Shailene Woodley bastante correcta) en ocasiones roza lo cursi y en otras quiere apoyarse en ella para justificar sus actos pero cae en lo superficial.

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Habría que destacar escenas como el comienzo, el entrenamiento militar donde vemos la terrible lesión que sufre el protagonista y le impide continuar su carrera militar, su prueba de reclutamiento en la CIA donde rompe todos los récords de tiempo a la hora de hackear una base de datos, su misión en Suiza donde recluta a un banquero turco para que sea su confidente con la ayuda de un experto agente (Timothy Olyphant sobrado de carisma pero sin su sombrero vaquero de Justified) o el cara a cara con su mentor (un perturbador Rhys Ifans) por videoconferencia, una escena realmente reveladora para Snowden. Sin olvidar como no, el momento del robo de la información en medio del centro de la NSA.

Dentro del reparto como no, habría que destacar a Gordon-Levitt, si ya anteriormente nos hizo creer que podría ser un versión joven de Bruce Willis en Looper o su transformación en el francés Philippe Petit en El desafío. Su apariencia física, sus gestos y sus tics hacen de un Snowden muy creíble demostrando que es uno de los actores más destacable de su generación. El resto del reparto habría que destacar a Rhys Ifans (Notthing Hill, The Amazing Spiderman) como el mentor de nuestro protagonista, pero no hay que olvidarse de gente como Zachary QuintoTom Wilkinson, Melissa Leo o un cada vez más solicitado Scott Eastwood (Corazones de acero, Escuadrón suicida) entre otros, que le dan empaque al resto del filme.

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Hablando del reparto, habría que dejar un capítulo aparte para Nicolas Cage, el antiguo respetado actor ganador del Oscar por Leaving Las Vegas, da señales de mejoría en su corta aparición, interpreta a un veterano responsable de seguridad de la CIA que aconseja a Snowden sobre su carrera. Aparece en un par de escenas muy bien resueltas, donde nuestro protagonista empieza a preguntarse porque el gobierno prefiere gastar el dinero en tecnología prácticamente obsoleta y poco útil en vez de invertir en algo más barato y de mejor uso creado propiamente por la agencia. Sin duda de los mejores momentos de la cinta.

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Sin llegar a la altura de sus mejores trabajos, Snowden es sin duda la mejor y más entretenida película de los últimos tiempos que ha realizado Oliver Stone.

Curiosidades

Aunque en un primer momento Edward Snowden no estaba convencido sobre la idea de convertir su vida en una película, al final acabó aceptando e incluso se implicó en el proyecto. Sin embargo, ni pudo aprobar el guión, ni recibió ningún tipo de pago por su ayuda.

Antes de participar en el proyecto, Oliver Stone dudó sobre realizar esta película o otra sobre los últimos días de Martin Luther King Jr.

La cinta tenía previsto estrenase el 25 de diciembre 2015, para así poder entrar en la carrera de los Oscar, pero la productora Open Road decidió cambiar de fecha.

A Margot Robbie le ofrecieron el papel de Lindsay Mills, pero tuvo que rechazarlo debido a conflictos de agenda. Finalmente este papel lo interpreta Shailene Woodley. Para prepararlo que aprender a bailar en una barra.

El primer día de rodaje el protagonista Joseph Gordon-Levitt tuvo que rodar escenas del entrenamiento de Snowden en el ejército.

Oliver Stone visitó al verdadero Snowden después de terminar el rodaje para enseñarle un primer montaje del proyecto. Este último le comentó al director de Platoon que en la vida real los centros de la NSA no cuentan con un gran presupuesto, y por eso no son tan glamorosos como suelen aparecer en películas y series.

El cantante Peter Gabriel participa en la banda sonora del filme, con el tema The Veil.

La película se presentó en España dentro de Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2016, fuera de concurso.

El argumento, basado en hechos reales, se inspira en los libros The Snowden Files: The Inside Story of the World’s Most Wanted Man de Luke Harding y Time of the Octopus de Anatoly Kucherena.

Su presupuesto fue de 40 millones de dólares, a fecha de hoy lleva unos 21 recaudados en USA.

Oliver Stone realiza un cameo al final del filme, aparece entre el público donde entrevista al protagonista.

Joseph Gordon-Levitt realiza su segundo biopic tras El desafió de Robert Zemeckis, sobre el francés Philippe Petit. Curiosamente antes de hacer estos filmes, se estrenaron documentales sobre las figuras de Petit y Snowden (Man on WireCitizenfour), ambos ganaron el Oscar a mejor documental.

 

Trumbo

Dalton Trumbo (Bryan Cranston) es un famoso guionista de éxito en el Hollywood de los años 40. Pero al comenzar la caza de brujas contra los comunistas por parte de la Comisión de Actividades Antiamericanas, su nombre sale a relucir como uno de los llamados “10 de Hollywood” debido a sus ideales políticos. Trumbo será condenado y pasará unos años en prisión, pero su carrera continuará bajo seudónimos y con un salario ínfimo.

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Con Trumbo, el director Jay Roach ha dado un giro a su carrera que estaba especializada en comedias (Austin Powers (1997) o Los padres de ella (2000) para centrarse en el género biográfico. La historia de Dalton Trumbo, es la historia de un hombre que lo tenía todo y en el mejor momento de su carrera le fue arrebatado. Gracias a su perseverancia, excentricidades (pasaba largas horas escribiendo dentro de una bañera de agua caliente) y un gran sentido del humor, supo sobreponerse y seguir trabajando en lo que le gustaba a pesar de cobrar una miseria y no poder ser reconocido por ello. En esos duros momentos, su mujer y sus tres hijos, fueron eje fundamental de su éxito.

Dejando de lado sus ideales políticos hubo quienes confiaron en él, como los hermanos King para quienes escribió numerosos trabajos bajo seudónimos, el actor Kirk Douglas para el que creó el guion de Espartaco (1960) o el director Otto Preminger para el que compuso Éxodo (1960). Varios años después le llegó el reconocimiento por parte de la Academia en forma de Oscar.

Lo más destacable de la película es la magnífica interpretación de Bryan Cranston encarnando a Dalton Trumbo. La personalidad arrolladora del guionista implicaba un actor con el mismo carisma para poder personificarle. El papel de Trumbo le valió a Cranston una nominación como Mejor Actor en los pasados Oscars. Junto a él aparecen Diane Lane como su esposa Cleo Trumbo y Elle Fanning como la mayor de sus tres hijos, Nikki Trumbo. John Goodman es el productor Frank King y Dean O’Gorman aparece caracterizado como Kirk Douglas. A destacar la siempre correcta y elegante Helen Mirren que interpreta a Hedda Hopper, una mujer empeñada en salvaguardar los intereses americanos.

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Una película que esboza la caza de brujas de Hollywood y corona a Bryan Cranston como uno de los grandes.

 

Curiosidades

Al desarrollarse en la era dorada de Hollywood, en el film aparecen actores del cine clásico. A parte de los citados Kirk Douglas y Otto Preminger, pueden verse a Michael Stuhlbarg como Edward G. Robinson y a David James Elliott como John Wayne.

Dalton Trumbo escribió una treintena de guiones bajo seudónimo. Robert Rich fue uno de los 13 que utilizó y con el que ganaría el Oscar por El Bravo (1956), de Irving Rapper.

Además de la nominación al Oscar, Bryan Cranston y Helen Mirren fueron nominados a los Globos de Oro de 2015 en las categorías de Mejor Actor (drama) y Mejor actriz de reparto, respectivamente.

 

Cantinflas

¿Quién no se acuerda de Cantinflas? De crío todos vimos sus películas, recordar títulos como El Padrecito, Ni sangre ni arena o Por mis pistolas entre muchas otras donde el simpático personaje nos hacia reír siempre con sus características pintas ataviado con esos pantalones siempre caídos, su particular forma de hablar mucho sin decir nada, era sin duda su sello indiscutible que se gano al público durante décadas.

Como suele ser habitual, un personaje tan emblemático como Cantinflas tarde o temprano tendría que ser retratado en el cine y aquí tenemos esta producción mexicana que nos cuenta desde los duros comienzos de Mario Moreno para hacerse un hueco en la escena (curiosamente todo lo relacionado con su infancia se ha descartado).

Para nuestra sorpresa, la acción del filme arranca durante los 50, cuando el productor de Broadway, Michael Todd (Michael Imperioli, Chris en Los Soprano) aterriza en Hollywood para realizar una adaptación bastante libre de la novela de Julio Verne, La Vuelta al mundo en 80 días para los estudios de la United Artist (fundado por Charlie Chaplin), para ello quiere contar con el mayor número de estrellas de Hollywood para convertirla en “La película”.

Todd usará su astucia para camelarse a todas las grandes estrellas mientras que los ejecutivos del estudio no ven con buenos ojos sus métodos, como se ve en el prologo cuando convence a Elizabeth Taylor. El siguiente en la lista de Todd para fichar es un tal Mario Moreno “¿Pero quien es este tipo?” se pregunta el productor mientras en un flashbacks retrocedemos 20 años atrás para conocerlo cuando era un joven que quería empezar siendo boxeador y de mientras ganarse unos pesos como chico de la limpieza en una carpa de teatro. Allí descubriremos que lo suyo no era el deporte, como se puede ver en la divertida pelea de boxeo que me recordó a aquel episodio de Cosas de casa en el que Urkel boxeaba. Después probará suerte en el mundo de los toros que aunque no se le da relativamente mal opta por algo más seguro como subirse al escenario y hacer reír.

Y es que el filme jugará con los saltos en el tiempo, mientras vemos por un lado como poco a poco el tiempo se le echa encima al avispado productor que necesita urgentemente fichar al cómico por otro iremos conociendo los orígenes humildes de Mario hasta llegar a convertirse en Cantinflas, primero en pequeños teatros hasta llegar al cine donde veremos codearse con artistas de la época como Pedro Armendáriz, María Félix o Agustín Lara entre otros.

A destacar sobretodo el arranque del filme, que nos sumerge de lleno en la época dorada de Hollywood ya desde esos títulos de crédito donde nos informan cuales son los títulos más importantes de la época, donde comprobamos que el nivel de producción a la hora de ambientar es bastante bueno siempre acompañado por la alegre banda sonora de Roque Baños.

Resaltar escenas como la de Mario por primera vez se caracteriza como Cantinflas, rodada de forma que parece más el origen de un superhéroe de cómics, el primer encuentro que tiene con Michael o la escena en la que ambos se reúnen en Hollywood cuando el productor parece que tiene todas las de perder con el estudio para finalizar aquella entrega de los Globos de Oro, donde ganó el premio al mejor actor por encima de Marlon Brando o Yul Brinner. Por cierto, si bien es cierto que la actriz que hace de Elizabeth Taylor tiene cierto parecido, los imitadores de Sinatra o Brando poco o nada se parecen a los originales.

El tono del filme va por el buen rollismo y eso puede jugar en su contra. Ya que al tocar muchos aspectos de la vida del personaje pero de forma amable para que al espectador desconocerá, como los problemas sindicales de los actores. Pero todo esto sin meterse en muchas polémicas o mencionando aspectos más negativos del personaje de forma sutil, como las infidelidades o sus problemas con el alcohol.

Del reparto por supuesto hay que mencionar a Oscar Jaenada que realiza un trabajo increíble al dar vida a Cantinflas, solo hace falta verlo unos minutos para darse cuenta lo bien que esta, en sus movimientos, su forma de hablar e imitar a la perfección al artista mexicano. Por su parte Imperioli cumple en su rol, relativamente importante aunque da la sensación que esta más de cara al público anglosajón para tener un rostro conocido, ya que toda su trama queda un poco ensombrecida. Del resto destacaría a Ilse Salas que interpreta a Valentina, la esposa de Mario y en un pequeño papel aparece nada menos que el mismísimo Javier Gurruchaga haciendo de un productor teatral.

Asombroso trabajo de Jaenada, solo por él, merece la pena verla.

 

Curiosidades

La película ha sido seleccionada por la academia de cine de México para representarla en los Oscars como mejor película extranjera en el 2014. Estrenada a finales de Agosto en USA, recaudando más de 2 millones y medio de $, colocándose en el puesto 12, a día de hoy lleva más de 6. Nada mal para un filme en español.

Antes del rodaje se creo una polémica sobre la elección de Jaenada como Cantinflas al tratarse de un español y no de un actor mexicano. El actor se paso 4 meses de trabajo para prepararlo, entre otras cosas aprendió a hablar, bailar y hasta torear como el mismo Mario Moreno.

En el filme suena el tema Vete de mi (Tema del grupo Bola de Nieve) interpretado por Enrique Bunbury, el cantante de Héroes del Silencio participa con este tema en la banda sonora por su amistad con el propio Jaenada.

Para el papel del productor Mike Todd se pensó en actores como Matt Dillon o Alec Baldwin. Michael Imperioli se intereso en el proyecto ya que conocía al personaje de Cantinflas.

En una primera versión del guión abarcaba desde la infancia hasta la muerte de Mario Moreno, al final se opto por centrarse en los comienzos de este en el mundo del espectáculo hasta su conquista de Hollywood ganando el Globo de Oro por su trabajo en La Vuelta al Mundo en 80 Días.

Se paso por la 40 Edición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. El filme ha ganado los premios de mejor actor y Premio Del Público al mejor largometraje en esta edición.

El termino cantinflear se incluyo en el diccionario de la RAE con la siguiente definición: “Hablar de forma disparatada e incongruente y sin decir nada”.

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Straight Outta Compton

Straight Outta Compton nos narra la historia del conocido grupo N.W.A (abreviatura de Niggz Wit Attitudes o Niggaz With Attitude, que en castellano sería “Negros Con Actitud” o “Negratas Con Actitud”) que se dieron a conocer en los años 90 con temas como Fuck the police o Pacic Zone, y de donde emanaron las estrellas que son hoy Dr. Dre y Ice Cube. F. Gary Grey está en la dirección, un director poco prolífico y en cuyo haber tiene el remake Italian Job y hace unos años la fallida Un Ciudadano Ejemplar.

De su reparto cabe destacar a Paul Giamatti, que interepreta al manager del grupo, Jerry Heller. Además tenemos que destacar el debut de O’Shea Jackson Jr. que hace de Ice Cube y que lo borda sinceramente, para eso es su hijo en la vida real. No hay que olvidarse del desconocido Jason Mitchell en la piel de Eazy E, el cual también esta muy bien caracterizado.

Straight Outta Compton

El film no se hace largo a pesar del largo metraje, 147 minutos, sino te gusta el rap habrá zonas en la que te rayes en demasia, pero en realidad la película trata temas como el racismo en los años 90, amistad y por supuesto el turbio mundo de la música y el éxito.

Como punto negativo no me gustó la excesiva edulcoración hacia la figura de Eazy E supongo que debido a que su difunta mujer Tomica Wright tuvo que dar su permiso para el film.

También hay otro aspecto negativo es la no aparición del famoso “Beef” entre Dr Dre e Eazy E, del que en el film ni se menciona y por último las fechas no cuadran con respecto a la aparición de 2Pac ¿Será para ir haciéndonos el apetito de su futuro biopic?

Straight Outta Compton

Curiosidades:

La película fue severamente maltratada en cines, llegando incluso a estrenarse en pases muy limitados con un par de sesiones durante su fin de semana de estreno.

La película ha tenido un éxito de crítica y de publico, solo en USA ha recaudado más de 160 millones de dolares, llegando a superar los 200 en su taquilla mundial. Además ha conseguido una nominación a los Oscars en la categoría de mejor guión original. A su director, F. Gary gray le ha servido para sentarse en la silla de la nueva secuela de la franquicia Fast and Furious.

Además F. Gary Gray dirigió el vídeoclip de Natural Born Killaz de Ice Cube y Dr. Dre en el que también participó el rapero Tupac Shakur.

El filme esta producido por parte de la selecta productora CUBE VISION, de la cual es propietario Ice Cube. Otro de los productores de la película es Dr. Dre.

Su montaje original era de tres horas y media, quedando reducido a una hora menos para la versión de los cines.

Durante la grabación hubo un tiroteo en el lugar donde se estaba rodando, el Palacio de Justicia de Compton en Los Ángeles, ciudad donde los raperos dieron sus primeros pasos en la música. Testigos declararon que los hombres armados no pretendían dañar a ningún miembro del elenco.

El gran Vázquez

El Gran Vázquez es un estupendo complemento para ver después del reciente estreno de Anacleto agente secreto, este biopic acerca de Manuel Vázquez, creador de famosos personajes de tebeos como el mencionado Anacleto, La familia Cebolleta o Las hermanas Gilda. La película esta ambientada en la Barcelona de los años 60 cuando el dibujante trabajaba para Editorial Bruguera siendo el más popular de la época, llegando a influenciar a muchísimos otros dibujantes como Paco Ibáñez.

Como si se tratase de un tebeo, nuestro protagonista es el héroe, con su particular poder especial de ser un autentico caradura capaz de embaucar a cualquiera, demostrando que no hay quien se le resista. Mientras que el malo de la función es el contable recién llegado a la editorial interpretado por el tristemente desaparecido Alex Angulo.

01 El Gran Vazquez

Entre otras de sus hazañas, habría que destacar su comienzo cuando le da esquinazo a varios acreedores haciéndose pasar por otro, su forma de ligar con una chica de provincias recién llegada a la ciudad, engañar a su jefe entregando varias paginas cuando en realidad solo había dibujado una sola viñeta en cada una de ellas o la mayor de todas, simular que su padre había fallecido hasta en dos ocasiones.

En cuanto a las interpretaciones, Santiago Segura borda su papel del frescales de Vázquez, haciendo un registro que aunque similar al de su Torrente lo realiza de tal manera que nos hace olvidar por momentos a su famoso personaje. Aparte habría que destacar a Alex Angulo, el cual siempre esta pendiente de todos los movimientos de Vázquez. Ver su escena de presentación en la que entra, en la oficina de la redacción metiendo miedo a toda la plantilla de dibujantes o sus continuos cara a cara entre ambos. En pequeños roles tenemos a Enrique Villén como el jefe de buen corazón del protagonista y en una breve aparición, Pere Ponce como un periodista que entrevista a Vázquez en televisión.

Vazquez 3

La dirección de Óscar Aibar, director de La máquina de bailar o Platillos volantes, cumple lo suficiente para mantenernos entretenidos. La producción del filme esta bastante lograda, la ambientación de esos años 60 esta muy conseguida, donde sobresale esa fotografía de Mario Montero, que le otorga al filme un particular aspecto visual de cómic.

El mayor defecto que se le puede señalar es su continua repetición, la historia apenas avanza, Vázquez hace alguna de las suyas, saca tajada y luego tiene que pagar sus consecuencias y vuelta a empezar. Dando la sensación que no hay ningún tipo de avance ni de la historia ni del personaje.

Vazquez 2

Hará las delicias de los fans de los tebeos de la época.

Curiosidades:

Hay dos cameos muy chanantes, por un lado Ernesto Sevilla que hace de camarero y Carlos Areces que interpreta a uno de los dibujantes de la editorial Brugera. Curiosamente Areces hace poco interpreto a uno de los personajes de Vázquez en Anacleto Agente Secreto.

La película tuvo una nominación al Goya a mejor actor secundario para Alex Angulo.

Black mass, estrictamente criminal

Últimamente la carrera de Johnny Depp no ha dado pie con bola, se había convertido en veneno para la taquilla, a excepción de la saga de Piratas del Caribe, títulos como El llanero solitario o la reciente Mortdecai no interesaron al público. Tampoco sus colaboraciones con Tim Burton, han sido para tirar cohetes. Ahora regresa a las carteleras con Black mass, estrictamente criminal, convirtiéndose en el regreso por la puerta grande de Depp como actor.

La cinta se basa en el libro de los periodistas Dick Lehr y Gerard O’Neill, Black Mass: The True Story of an Unholy Alliance Between the FBI and the Irish Mob, donde relata la vida James “Whitey” Bulger, líder de la mafia irlandesa que colaboró con el agente del FBI John Connolly a lo largo de dos décadas y ayudó a capturar a varios capos de la mafia italiana.

01 Black Mass

El director, Scott Cooper, apuesta por una dirección sobria, sin demasiadas florituras a la hora de mover la cámara. Su interés es mostrar el lado humano de los personajes, sin caer en clichés, centrándose en temas como la familia y la lealtad, sin dejar de lado los actos delictivos y violentos. Para ello se apoya en una narración con flashbacks e incluso en ocasiones su estilo se asemeja al de Scorsese, sin llegar a la brillantez de este.

Destacaría escenas como la introducción del protagonista al comienzo del filme, donde lo vemos reprochando a uno de sus matones por estar manoseando unos frutos secos, el momento en que somete a una prueba a un nuevo miembro de su banda o la que me parece una de las mejores de toda la película, la cena en casa de Connolly, cuando “Whitey” pasa de ser un tipo amigable al más siniestro en un abrir y cerrar de ojos. Aquí vemos que el protagonista de Chocolat da realmente miedo.

A nivel de producción la ambientación de los años 70 y 80 esta muy lograda tanto en vestuario como caracterizaciones de los personajes, mención aparte todo el tema de maquillaje y peluquería que han realizado para que Johnny se parezca al verdadero “Whitey” con esos pelos, color de piel, dientes y esos ojos azules bastante grimosos. Por otro lado, la fotografía fría del japonés Masanobu Takayanagi (Warrior o Infierno blanco), es ideal para retratar ese Boston del que parece que siempre esta en invierno.

En cuanto al reparto, además del notable trabajo de Depp, nos encontramos a muchísimas caras  conocidas tantos de cine como de televisión, sería complicado mencionarlos a todos, se puede convertir en una especie de juego para el espectador. Por un lado tenemos a Joel Edgerton que interpreta a John Connolly, ese agente del FBI que vuelve a su ciudad para limpiarla de mafiosos y al final también termina involucrado. Bennedict Cummenback interpreta al hermano de “Whitey” en un papel secundario, también aparece Kevin Bacon como jefe de Edgerton y ya en papeles anecdóticos estan Juno Temple (Vista este año en Horns) y Dakota Johnson, la cual aparece en un visto y no visto, su presencia en el filme es para aprovechar su tirón mediático por su protagonismo en 50 sombras de Grey.

Con todo esto, Black Mass se convierte en una película bastante notable que gustará a los aficionados al cine de mafiosos.

 

Curiosidades

El mafioso James ‘Whitey’ Bulger, conocido por el “Padrino de Boston”,  llegó a ser el número dos en la lista de los diez criminales más buscados por el FBI, por detrás de Osama Bin Laden. Se negó en rotundo a reunirse con Johnny Depp para preparar su papel.

Depp se preparó su acento de Boston gracias a su amistad con el guitarrista de Aerosmith, Joe Perry.

La palabra “fuck” se utiliza 254 veces en toda la película.

Johnny Depp y Rory Cochrane protagonizaron Enemigos públicos, donde Depp interpretaba a John Dillinger a otro famoso gángster.

En un principio, Barry Levinson iba a dirigirla. Guy Pearce fue tanteado para hacer de Bill Bulger. Sienna Miller, interpretó el papel de Catherine Greig, una de las novias de Bulger, y que finalmente no aparece en el montaje definitivo.

El presupuesto de la cinta fue de 53 millones de dólares. Las escenas ambientadas en Miami se filmaron en Revere Beach, Massachusetts, justo al norte de Boston. Se añadieron palmeras reales, además de una pizzería de estilo cubano. Muchas de las escenas de asesinato fueron rodadas en los lugares donde tuvieron lugar esos asesinatos en la vida real. La película tuvo su estreno mundial en la 72 edición del Festival de Cine de Venecia.

 

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