After Earth

Año 2013, Will Smith estaba empeñado en convertir a sus vástagos, como fuera, en estrellas. Si en 2006 con En busca de la felicidad, se llevó buenas críticas tanto él como su hijo, Jaden. Volverían a probar con un nuevo proyecto juntos, una cinta de ciencia ficción, además contó con un director como M. Night Shyamalan que se encontraba en horas bajas, tras el fiasco de Airbender: El último guerrero. Estamos hablando de After Earth.

A partir de una idea del propio Smith, nos presenta un futuro lejano la humanidad escapó del planeta Tierra hasta el lejano Nova Prime. Allí se encuentran con una raza alienígena hostil que usa unas criaturas llamadas Ursa para atacar, aunque dichos seres son ciegos huelen el miedo. Para poder vencerlos los humanos usan una técnica llamada “fantasmacion”, el general Cypher Raige (Will Smith) es un pionero usándola y convirtiéndose en un héroe para todos. Años después, durante una ruta por el espacio, la nave del general choca contra un asteroide y se estrella contra la Tierra. Sólo sobreviven él y su hijo de 13 años Kitai (Jaden Smith). Herido Cypher, será Kitai quien tenga que enfrentarse a los peligros de nuestro antiguo planeta para salir de allí.

After Earth

¿Después de esta premisa qué es lo que uno se puede encontrar en After Earth? Pues un vehículo exclusivo para Jaden Smith, lo cual es el fallo más grande de la peli. Si el remake de Karate Kid funcionó en su día, fue porque estaba Jackie Chan, lo que hacia que la peli fuera más digerible. Aquí uno podría esperar que tanto padre como hijo tuvieran sus momentos para lucirse en el filme, pero el protagonista de Bad Boys tiene un rol secundario.

El personaje de Kitai acapara casi el 90% del metraje, con lo cual hay momentos tediosos, como por ejemplo todo lo acontecido después de la presentación de los personajes hasta el susodicho accidente o ciertos flashbacks metidos con calzador con una subtrama relacionada con el personaje que interpreta Zoe Kravitz. Afortunadamente el filme no sobrepasa los 100 minutos, cosa que es de agradecer.

After Earth

Argumentalmente hay una serie de puntos interesantes, como la huida de la humanidad a un nuevo planeta o su enfrentamiento con los extraterrestres y en concretos contra los Ursa pero todo ello se toca de pasada. Habría que destacar un par de escenas bien filmadas como la persecución de unos monos tras Kitai o la escena del vuelo que tiene este para atravesar una catarata usando para ello su traje de batalla.

En lo que se refiere a los apartados técnicos están muy bien conseguidos, a tener en cuenta sus espectaculares localizaciones, sus más que correctos efectos especiales (el traje de batalla de Kitai que tiene de todo tipo de gadgets o a la espada de Cypher) e incluso la música de James Newton Howard, compositor que aunque no llega a sus anteriores trabajos con Shyamalan sin duda es uno de los puntos fuertes del filme.

After Earth

Al tema de las interpretaciones, pues es otro punto negativo, aunque no se si achacarlo a ambos actores o es el método Shyamalan. En filmes como El sexto sentido o Señales por citar un ejemplo tanto Bruce Willis como Mel Gibson se pasaban casi todo el filme muy contenidos pero en ambas pelis funcionaba, aquí no sucede lo mismo. Del resto reparto pues no puede decirse apenas nada ya que el filme son sólo Smith e hijo.

En cuanto a la dirección, uno podría achacar que el director de El Bosque se ha convertido en un vulgar mercenario al servicio de la familia Smith pero eso es cierto pero hay ciertos detalles durante el largometraje que demuestra su buen hacer detrás de las cámaras.

After Earth

Película entretenida, no es tan mala como la pintan. Lastima lo desaprovechado de su idea principal que daba para mucho más.

Curiosidades

El filme esta basado en una idea original del propio Will Smith.

Se trata de la primera película en la que se usa la cámara Sony F65 digital camera, al mismo tiempo que también es la primera película que rueda en digital el director M. Night Shyamalan.

El presupuesto del filme fue de 130 millones de dólares mientras que recaudo cerca de 244.

Blade Runner 2049

Han tenido que pasar más de tres décadas para que el filme de culto Blade Runner, haya tenido una secuela. Para la difícil tarea, se ha contado con Denis Villeneve (La llegadaSicario), uno de los directores que más repercusión ha tenido en los últimos años. Para esta secuela del filme de Ridley Scott, se ha contado con Ryan Gosling y de nuevo con Harrison Ford.

Vista la película, da la impresión que el filme es de esos que al igual que la original, tiene uno que verla más de una vez, para poder apreciarla en su conjunto, tras el primer visionado donde podrá entretener o no (ya dependiendo el punto de vista del público).

Blade Runner 2049

En líneas generales, mantiene el tipo sin problemas, pero aquí su gran fallo, la historia aunque bien se podría considerar original e incluso desligarse de las cinta del 82 (e incluso alguno que no haya visto la original se puede aventurar a verla y funciona sin problemas), peca de una sencillez aplastante a lo que nos encontramos con una excesiva duración. Ojo, no se tilda de error el ritmo tan pausado que le da el director a la cinta, sino con el motivo principal tan sencillo, no hacía para nada falta extenderse más allá de unos 120 minutos.

En la historia, nos encontramos en un futuro donde la humanidad ha vuelto a sufrir varias catástrofes, para poder sobrevivir de nuevo se vuelve a contar con la ayuda de los replicantes para su supervivencia. El agente K, un nuevo Blade Runner, al finalizar uno de sus rutinarios casos descubre algo que puede cambiar la concepción que tenemos de estos seres sintéticos. Esto hará que muchos vayan detrás de K y sus pesquisas, entre ellos Wallace, un poderoso diseñador de replicantes que se hizo con la compañía Tyrrell años atrás.

Blade Runner 2049

Si hay que destacar es su nivel de producción, es altamente cuidado (algo lógico teniendo en cuenta su elevado presupuesto). Todo sets, luces, atrezo, vehículos nos introduce en esa atmósfera que nos lleva a ese futuro, sin olvidar unos efectos especiales que evita las pantallas verdes lo máximo posible. Donde habría que destacar la fotografía, de nuevo Roger Deakins colabora con Villeneve y aquí muestra su buen hacer en su campo. Habría que destacar esas impresionantes vistas de la ciudad, siempre a oscuras y acompañado de luces de neón o esos espectaculares imágenes de los exteriores, en su mayoría desiertas y sobrecargadas.

Capítulo aparte para la banda sonora, como algo personal, me parece un punto negativo. De nuevo el prolífico Hans Zimmer junto con Benjamin Wallfisch, es demasiado ambiental, se nota que sigue la pauta de Vangelis, pero sin llegar a la altura de éste. También puede ser que por tanta acumulación de trabajo este año, seis filmes de diferentes géneros, puede que haya hecho mella en la originalidad y frescura en el compositor de origen alemán.

Blade Runner 2049

De su reparto, Gosling vuelve a usar el hieratismo que tantos elogios le llevo en Drive, su personaje del agente K se parece bastante a Deckard de la original pero directamente nos dicen que se trata de un replicante, mermando sus ilusiones en su vida sintética. La presencia de Harrison Ford es a partir de último tercio de la cinta cuando la trama va cerrando preguntas y planteando otras, donde la clave de todo parece ser el propio Deckard. En cuanto a Jared Leto, su personaje es Neander Wallace, el dueño y creador de los nuevos replicantes, un tipo con un ego desorbitado que se comporta como un auténtico autómata y que va tras la siguiente evolución de sus creaciones, la procreación propia. No olvidar Ana de Armas, donde la actriz sale más que airosa de un rol aparentemente de relleno. Tampoco olvidar en roles secundarios a Dave Bautista (en un rol muy diferente a lo que ha realizado), Robin Wright o Sylvia Hoeks, está como la villana más directa. Además de alguna que otra sorpresa para el fan del filme original, como ver la breve presencia de Edward James Olmos.

Se nota que a Denis Villeneuve ha tenido una gran responsabilidad al tener un proyecto como esta secuela. Hay que decir,  que sigue fiel a su particular forma de narrar las cosas y sin ningún tipo de dudas, estamos ante uno de sus mejores filmes de toda su carrera.

Blade Runner 2049

La amarás o la odiarás con todas tus fuerzas, pero Blade Runner 2049 es una de las películas que tienes que ver en 2017.

Curiosidades

Su presupuesto fue de 150 millones de dólares, lleva recaudados más de 220.

Sean Young, Rachael en el filme original, intentó boicotear el filme tras la negativa del estudio al ser rechazada en un principio para participar en esta secuela aunque es la actriz Loren Peta la que ha realizado su doble de cuerpo.

Existen tres cortos oficiales que conectan el filme original con esta secuela. Uno de ellos protagonizado por Dave Bautista y realizado por Luke Scott (hijo de Ridley).

Se especuló con fichar al cantante David Bowie para interpretar un papel.

El filme tuvo un nivel de secretismo extremo, Lennie James solo tuvo un fragmento del guión durante 36 horas.

Michael Green es el guionista de esta película, además de Alien: Covenant, también basada en un filme de Ridley Scott.

La película tiene lugar 30 años después de los acontecimientos ocurridos en Blade Runner (1982), aunque realmente han paso 35 años desde que se hiciera el film original dirigido por Ridley Scott. En la cinta trabajan multitud de actores y actrices que no habían nacido cuando se estrenó la original, como es el caso de Mackenzie Davis o Ana de Armas.

El juego de Ender

El Juego de Ender es la adaptación de la conocida novela de Orson Scott Card. Se trata de un cóctel rebajado entre Starship Troopers de Paul Verhoeven y Top Gun de Tony Scott. Nuestro protagonista Ender Wiggin irá de fase en fase, como si se tratará de un videojuego, empezando por el tutorial de cómo jugar, hasta llegar al malo final a lo largo de sus dos horas de duración.

La trama nos presenta en un futuro, la humanidad está en guerra contra una raza alien invasora conocida como los Insectores al más puro estilo Independence Day. Ender es un joven que tiene como objetivo entrar en la “Academia de Batalla”, para ello usará su mejor baza, su cerebro. Su entorno familiar no es el mejor, unos padres muy exigentes y unos hermanos problemáticos. Ender es reclutado por el coronel Graff, el cual confía que Ender puede ser una pieza clave en la guerra.

El juego de Ender

Una vez en el emplazamiento militar, aprenderá a disparar y flotar en gravedad 0, mientras que compite por equipos. Allí será un marginado social, hasta que empieza a demostrar que es un fuera de serie en las practicas de combate (la mejor parte del filme), llegando a ser jefe de equipo, a pesar de la dura competencia de sus compañeros.

Terminada su instrucción viajará hasta un punto de avanzadilla, allí se encuentrorá con sus viejos compañeros de pelotón que ahora están al frente de naves espaciales que dirigen por control remoto. Allí conocerá al personaje de Ben Kingsley, este será su nuevo y severo maestro. El juego llega a su parte final, ¿Será capaz nuestro protagonista de afrontar su destino?

El juego de Ender

Gavin Hood (en sustitución del alemán Wolfang Petersen) se desquito de su anterior película, aquel desastre llamado X-Men orígenes: Lobezno, con una cinta en la que el propio director escribe el libreto. Pero ese mismo año, 2013, llegaron a la cartelera otras cintas de ciencia ficción más interesantes como por ejemplo Oblivion con Tom CruiseEl juego de Ender no es un filme fallido, aunque tampoco es una obra maestra. Da la sensación que con otro director tipo Spielberg o Ridley Scott hablaríamos de algo más dramático y épico.

De su producción habría que destacar los efectos especiales que firman la compañía Digital Domain. La narración da la sensación que va ciertos momentos a trompicones, la llegada de Ender al puesto de batalla final y su verdadero entrenamiento sucede todo de forma muy precipitada con un clímax final muy visto y no visto en un abrir y cerrar los ojos.

El juego de Ender

Dentro del reparto los jóvenes protagonistas habría que destacar la labor de Asa Butterfield, que parece saber captar toda la personalidad de un personaje tan complejo como Ender. Del resto de jovenes interpretes (Hailee Steinfeld, Abigail Breslin,…) lo hacen bien sin caer en lo repelente visto en filmes tipo Harry Potter y muchos otros derivados que mejor olvidar.

De los veteranos destacar la presencia de Harrison Ford, con un trabajo correcto y efectivo mientras que Ben Kingsley fuera parte de aparecer con la cara tatuada se deja ver brevemente en un papel muy desdibujado que solo sirve para llevarnos a cierta sorpresa argumental, pero poco más. Del resto pues poco destacable.

El juego de Ender

El juego de Ender es una cinta que merece la pena darle un visionado.

Curiosidades

Asa Butterfield ganó el premio al mejor intérprete joven en los Critics Choice Awards de 2013.

El presupuesto del filme fue de unos 110 millones de dólares, recaudó unos 125 en todo el mundo.

El juego de Ender de Orson Scott Card, fue editada en 1985. Ganó los premios a mejor novela en los Premios Nébula y Hugo. Después tuvo más entregas, como La sombra de Ender que desarrolla los mismos acontecimientos desde el punto de vista de otro personaje.

Wolfgang Petersen (La tormenta perfecta) era el director que se iba a encargar del proyecto. Se especuló con la posibilidad que fuese Ridley Scott.

Su rodaje fue en los estudios Big Easy, Nueva Orleans.

Autómata

Allá por 2014, se estreno Autómata, un filme de Gabe Ibañez, que anteriormente trabajo como animador para Alex De La Iglesia en El día de la bestia o Perdita Durango y como realizador con Hierro. La cinta estaba protagonizada por Antonio Banderas, al que le acompañaban actores conocidos como Dylan McDermott, Robert Forster y Melanie Griffith.

Se agradece que en España (aunque se trata de una coproducción con otros países) se intente salir de los géneros habituales del drama de denuncia social o de las comedias con el actor de moda. Cuando llega un título como Autómata, hay que darle una oportunidad.

Automata

Tras un rápido prólogo, en un cercano futuro donde la humanidad parece condenada a la extinción aparece un atisbo de esperanza con la creación de los Pilgrim 7000, unos robots creados para ser la salvación. Dichos robots tienen dos protocolos, no dañar a los humanos y prohibido actualizarse para mejorarse.

Los pilgrim parecen que cumplen hasta que un policía (Dylan McDermott) decide acabar con uno de ellos que encuentra auto reparándose y este es el punto de partida donde aparece el personaje de Banderas. Lo que a principio parece un caso rutinario, tendrá un entramado mucho más complejo que le llevará a diferentes personajes donde Cleo, una autómata prostituta y será la clave de todo.

Automata

El filme comienza bien con una trama detectivesca interesante que después decae en su segunda mitad, cambiando de escenario, concretamente al desierto. El ritmo se para por completo y parece que ya todas las ideas se terminaron. Entonces deciden meter algo de acción para darle vidilla aunque no está muy bien orquestada por parte del director que rueda esas escenas torpemente. Ver ese cara a cara entre Banderas y McDermott que se queda en un pin, pan y fuera.

Aparte, el guión plantea una serie de cuestiones que después quedan mal resueltas. La subtrama relacionada con la futura familia que va a formar el protagonista o las cuestiones morales que hay detrás de los propios autómatas. Llegan a un punto donde se comparan los comportamientos entre los humanos (corrupta y extinguir) y las máquinas (nuevos y puros).

Automata

Una vez visto el filme, uno tiene la sensación de deja vu, ya que muchas de las ideas que contienen las hemos visto en muchísimos otros filmes dentro del género. El más evidente es Blade Runner con ese diseño de la ciudad donde transcurre la acción donde casi siempre está lloviendo y es de noche o detalles como la tecnología retro que usan los personajes, nada digital, monitores de tubo, impresoras matriciales y cosas de ese estilo.

Tampoco olvidar otras referencias, como Inteligencia artificial, Yo, robot o incluso a Los Sustitutos con Bruce Willis. De los libros de Asimov, de donde sacan la idea de los protocolos de los robots y hasta si me apuras hasta algo de El Planeta de los Simios, el enfrentamiento entre dos especies donde una de ellas esta mucho más evolucionada que la otra.

Automata

Banderas hace un buen trabajo interpretativo, se le ve más contenido de lo habitual y su Jacq Vaucan esta más cercano al Deckard del libro de Phillip K. Dick de ¿Sueñan los robots con ovejas electrónicas? que al de Harrison Ford en Blade Runner.

Del resto del reparto, Dylan McDermont hace su “particular” Torrente del futuro, un policía con tintes fascistas de gatillo fácil, que no le importa empinar el codo si va de servicio y si hasta lleva unas gafas muy al estilo del personaje de Santiago SeguraRobert Forster hace del jefe de Banderas, el veterano actor nominado al Oscar por Jackie Brown aporta su presencia al filme y en un visto y no visto aparece Melanie Griffith a modo de cameo extendido. Sin duda para muchos, será lo más comentado por el morbo de ver a la expareja de nuevo en pantalla.

Automata

Concretando, Autómata se queda a medias, con una sensación agridulce ya que podría haber sido un filme más importante pero se le reconoce su esfuerzo.

Curiosidades

Se presentó en la sección oficial del Festival de San Sebastián.

Obtuvo cuatro nominaciones a los premios Goya.

Antonio Banderas y Melanie Griffith fue la segunda vez que coincidieron en la gran pantalla. La primera fue en los 90 con Two Much.

El filme tuvo un presupuesto de 7 millones de dólares.

El fundador

¿Quién no ha comido alguna vez en McDonald’s? Todos en algún momento hemos pasado por un restaurante de comida rápida, con mejor o peor opinión. Pero ¿Quién fue el responsable del éxito de la marca?, pues de eso va El fundador. Un filme de John Lee Hancock (Al encuentro de Mr. Banks) protagonizado por el siempre efectivo Michael Keaton.

La trama nos sitúa a mitad de los años 50, Ray Kroc es un tipo ya pasada la mediana edad, atrapado en un aburrido matrimonio. Su ilusión es alcanzar el sueño americano y le va a dar un buen mordisco cuando llega a un curioso restaurante regentado por los hermanos McDonald.

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Los hermanos Mac y Dick han creado un revolucionario sistema de comida rápida. Con trabajadores bien entrenados, sin camareros, son capaces de servir comida en 30 segundos, a un precio reducido y sin platos. Para nuestro protagonista es toda una revelación y decide invertir en el negocio, a pesar de las trabas de los hermanos, sobretodo de Nick.  A partir de aquí veremos como la franquicia va creciendo como la espuma. Ray se crece creyéndose ser el rey del cotarro, hasta que descubre que el sistema de los hermanos, no es del todo rentable como pensaba y es cuando decide hacer las cosas por su cuenta.

El libreto de El fundador se centra prácticamente en lo profesional, dejando la vida familiar de Ray en un par de anotaciones, lo cual es  una espada de doble filo, se agradece que no caiga en los más típicos tópicos dentro del drama. Pero por contra su ruinoso matrimonio abocado al fracaso, daba para algo más. Sobretodo teniendo a Laura Dern interpretando a la esposa del protagonista, en un rol muy contenido que borda a la perfección.

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El filme tiene ritmo, un tono casi amable, estamos en los años 50, aunque sin caer en el maniqueísmo. Llega un momento que parece que todo sale tan bien a nuestro protagonista, que sino fuera porque es un hecho real hasta nos podría creer que es ficción. Hancock tiene momentos muy interesantes como la cena donde los hermanos McDonalds le revelan todos los secretos a Ray (con un estupendo montaje). Sin olvidarse del momento donde ensaya un discurso de agradecimiento donde habla directamente al público.

Su producción está bastante cuidada, los coches de la época, las casas, entres otros. Carter Burwell (habitual compositor de los hemanos Coen) le pone música al filme, atentos a la escenas donde vemos como se van cocinando las hamburguesas. El trabajo del director es bastante competente, sobre todo en el uso del montaje. Citar ese cara a cara final entre Ray y Nick tras el acuerdo para no ir a juicio, donde Hancock emplea el uso de espejos para estar al detalle de ambos personajes.

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Si el filme funciona es por Keaton, Keaton y Keaton. Se come la pantalla literalmente. De nuevo muy inspirado, desde que volvería por la puerta grande con Birdman, con un personaje que te cae bien pero que a medida que lo vas conociendo ves que detrás de esa sonrisa se esconde un ambicioso hijo de perra, casi tan malvado como su personaje del Buitre en Spider-man: Homecoming. Atentos al momento donde conoce a su futura segunda esposa donde el actor canta y toca el piano.

El resto del elenco digamos que está bajo su sombra, Nick Offerman y John Carroll Lynch están bastante bien como los hermanos McDonalds. Laura Dern se agradece volverla a ver en un filme aunque sea un papel tan esquemático. En roles secundarios tenemos a Patrick Wilson como otro de los dueños de un restaurante y Linda Cardinelli como su esposa. Sin olvidar al televisivo B.J. Novak como el tipo que le da la clave  a Ray para salirse de la franquicia.

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El fundador un filme interesante, a ratos divertido y muy entretenido. El espectador puede saborear las hamburguesas del éxito que va sirviendo el chef Keaton.

Curiosidades

El actor Jeremy Renner es el productor del filme.

B.J. Novak vuelve a trabajar con el director John Lee Hancok tras Al encuentro de Mr. Banks.

Michael Keaton dio clases de piano para prepararse para el papel.

Después de leer el guión, los hermanos Coen quisieron dirigir la película, pero estaban en medio del rodaje de ¡Ave, César!

Michael Keaton tuvo el detalle de alquilar dos camiones de helados para todos los trabajadores del filme.

El fundador recaudó cerca de 24 millones de dólares en todo el mundo.

 

Resident Evil: El capítulo final

El cine y los videojuegos se han dado la mano en varias ocasiones, la más reciente es la aburrida adaptación de Assassin’s creed, pero ya en otras ocasiones hemos tenido otros títulos que han dado el salto de la videoconsola al cine. En 2002, fue el turno de Resident Evil, de la mano de Paul W. S. Anderson. El filme aunque no fuera una buena adaptación, fue lo bastante rentable para que 15 años después y muchas secuelas después llega “el capítulo final”. De nuevo con Anderson en la silla del director (además de producir y escribir), dando ordenes a Milla Jovovich, su esposa en la vida real y la estrella de esta saga.

La historia de esta nueva entrega ¿De verdad hace falta contarlo? otra vez tenemos los mismos ingredientes, muchos zombies, bichos raros, un villano a lo Matrix y cada vez menos humanos. Mientras nuestra protagonista sigue estando con la cara perfecta a pesar de los dos kilos de mugre que lleva encima para darle aspecto de tipa dura.

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La premisa de Resident Evil: El capítulo final es solo una excusa para darnos 106 minutos con Milla repartiendo tollinas, con personajes que entran y salen sin ningún sentido alguno. El único punto de originalidad, el origen de la Reina Roja, donde ahora descubriremos su origen y la relación que tiene con Alice, nuestra protagonista. La excusa del villano para lanzar el virus zombie, después de tantas entregas, descubrimos que es un fanático religioso.

Habría que destacar el arranque con Alice en solitario, hubiera sido hasta una idea interesante ponerla en esa tesitura, total el resto de secundarios no hacen gran cosa. O la imagen final con nuestra protagonista a lomos de una motocicleta mientras que todavía le queda trabajo por hacer, a modo de una secuela que parece que no veremos.

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Dentro del escaso presupuesto, el nivel de producción cumple aunque dentro de unos años la veremos muy desfasada. Los efectos especiales funcionan. Los decorados son los mismos de las anteriores entregas. El compositor Paul Haslinger vuelve a colaborar con Anderson tras Los tres mosqueteros (2011) y en La carrera de la muerte (2008), con un insustancial score. Anderson filma su cuarta entrega de la saga de nuevo con su particular estilo de videojuego que le sienta bien a la cinta.

Los personajes son totalmente estereotipados, da igual que haya un apocalipsis zombie parece que se han escapado de la última campaña de Mango para anunciar la nueva temporada de moda. Milla es Resident Evil (o por lo menos esta saga) y el resto digamos que esta de relleno. Ali Larter es la única que vuelve a repetir pero no hace gran cosa. El resto son mero estereotipos, un poco ridículo los villanos sobre todo el de la gafas de sol que en esta ocasión no hace nada. Si acaso destacar a la televisiva Ruby Rose, este año se ha dejado ver en John Wick: Pacto de sangre.

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Esta cinta solamente es destinada para el espectador que ha tenido paciencia viendo el resto, da igual que te hayas saltado alguna porque el argumento es lo de menos. En ese aspecto el director de Horizonte final, ha realizado su tarea de hacer un filme con un esquema de videojuego. Por lo menos ha hecho dinero y no ha quedado tan ridícula como su directa competidora, la saga Underworld.

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Resident Evil: El capítulo final, es un grito agónico de una saga que no tenía nada más que enseñar por intentar sacarle el dinero al público.

Curiosidades

Ever Anderson, hija de Milla Jovovich y Paul W. S. Anderson, interpreta a la Reina Roja.

Resident Evil: El capítulo final se estrenó junto con la última entrega de Underworld, su saga rival. Con la que comparte el compositor de la banda sonora, Paul Haslinger.

La modelo japonesa, Rola debuta en el cine de Hollywood con este filme.

Sienna Guillory quería volver a la saga con su papel de Jill Valentine.

Olivia Jackson, la especialista de Milla Jovovich, tuvo una lesión en el brazo izquierdo después de un accidente de moto.

Resident Evil: El capítulo final tuvo un presupuesto de 40 millones de $, recaudó en todo el mundo 312.

Interstellar

Interstellar es una cinta de ciencia ficción que engloba un tema tan grande como la supervivencia de la humanidad y por otro más pequeño, la familia. Y es que mientras vemos que Coop, el protagonista, esta delante de la que puede ser la misión para la que ha nacido, tiene que hacer frente de su ruinosa granja mientras que es padre, viudo, con dos hijos y su suegro.

El director Christopher Nolan no se limita al típico filme de aventuras espaciales. La película empieza con una interesante presentación del personaje, de cómo es su día a día, entre otras cosas le da por perseguir drones abandonados (en una escena que recuerda a Twister), mostrar una sociedad futura que esta sumergida en un profundo caos y que además esta afectada por una crisis tanto económica (hasta el punto que no hay ejércitos) como medioambiental.

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Una vez puestos en situación, Coop de forma muy extraña resuelve el misterio del fantasma del cuarto de su hija de la manera cuanto menos inquietante y de aquí nos metemos en la misión espacial. Pero claro nos encontramos con el problema que el tiempo en el espacio es diferente con lo que veremos que los hijos de este van creciendo mientras él ira de planeta en planeta buscando alguno que sea habitable sin apenas envejecer.

Su equipo esta formado por la sabihonda doctora Brand (Anne Hathaway) y un Wes Bentley (El chaval de American Beauty) que como es costumbre en el director de Memento, rescata a algún actor del olvido, hace de otro miembro de la tripulación que sin duda se llevará el premio a la muerte más idiota del año.

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Por el camino, irán desde Saturno pasando por un agujero negro hasta llegar a una nueva galaxia. Mientras en la Tierra, los hijos de Cooper, tiene el careto de Casey Affleck (Triple 9) y a Jessica Chastain en unos papeles que la verdad se los podrían haber ahorrado o por lo menos haber dejado gran parte desde la sala de montaje.

Y aquí llegamos al error gordo del filme, que la parte familiar para servidor se hizo bastante tediosa, vamos hasta el punto que la película ronda más de 150 minutos y nos meten con calzador todo el tema de los hijos y se hace cargante.

La historia es bastante sencilla para lo que la han vendido aunque el guión es correcto, viene firmado por el director de El Truco Final y su hermano Jonhatan, la dirección es más o menos la de siempre, sin ninguna filigrana visual aunque se hace también muy pesadito esos planos de la nave espacial. Se nota que hay mucha influencia de 2001 de Stanley Kubrick, sobretodo en las tomas del espacio sin sonido o ese clímax final que ya uno ve venir casi desde el comienzo.

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El nivel de producción es bastante alto, vamos que se nota que hay dinero, los efectos especiales están muy bien integrados con la acción real, se juega mucho con los sonidos, la música de Hans Zimmer para mi bastante olvidable y la fotografía destaca sobretodo en los planetas que visitan nuestros protagonistas, como ese impresionante planeta congelado o aquel en el que solo hay agua y unas enormes olas.

Del reparto, McConaughey esta bastante bien, carismático, divertido y emotivo a la vez, esta pidiendo a gritos que le den un personaje franquiciable. Del resto me quedo con esos simpáticos robots soldados que parecen unas tabletas de kit kats. Hathaway esta simplemente para sacar de quicio, Chastain tiene un rol secundario pero evitable, Affleck esta totalmente pasivo y por allí se deja ver Topher Grace supongo para que le dieran un bocata. Caine esta con esa cara de guasa permanente aunque se este muriendo interpretando al jefe de la NASA y Lithgow tiene una breve intervención como suegro de Coop, algo desaprovechado. Por cierto, me reservo el papelito sorpresa de Matt Damon.

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Solo para los fans de Nolan y la ciencia ficción pura y dura.

Curiosidades
Segundo trabajo juntos para Anne Hathaway y el director tras El caballero oscuro. La leyenda renace.
Steven Spielberg fue el primero en sonar para dirigir la película.
Gano el Oscar a mejores efectos visuales en el 2014, fue nominada a los Globos de Oro a mejor banda sonora original.

Pacific Rim

Dentro del género de la ciencia ficción, no hay una película que trate de robots pilotados por humanos tan buena como Pacific Rim. Nos encontramos ante una película de culto para los apasionados de los mechas tan habituales en el anime japonés que se sitúa entre Evangelión y Full Metal Panic.

Pacific Rim nos transporta a un futuro no muy lejano en el que la tierra es atacada por unos seres de otra dimensión en forma de monstruos gigantes. Para vencer la amenaza, los humanos idean unos gigantescos robots controlados por humanos. Con este planteamiento la espectacularidad de la película queda asegurada. Si te gustan las maquinas gigantes y los monstruos tipo Godzilla, esta es tu película.

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Uno de los aciertos de la cinta, es contar con una introducción al mundo ficticio en que se desarrolla el film. Se nos dará información sobre lo que ha pasado y el estado de la sociedad. La introducción es muy eficaz y hace que el espectador acepte fácilmente esta realidad. En su día era muy importante ver en el cine el inicio, siendo fatal un retraso por entrar tarde en la sala (algo que casi le pasa a un amigo con el que vi la película).

De forma inevitable, hay quien comparará esta película con Transformers. Las similitudes son que en ambas hay destrucción y robots gigantes, pero ahí se acaban. Pacific Rim plantea la existencia de robots que han de ser pilotados, están integrados neuronalmente con el cerebro de los pilotos y requieren de un esfuerzo de control. Transformers es una franquicia mediocre en la que un camión es el protagonista… ¿o lo es el culo de Megan Fox? En cualquier caso, estamos en una película con mejores personajes que historia.

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La cinta, en sus gloriosos 131 minutos en lugar de mostrar el típico camino del héroe que funciona tan bien en el cine (bueno, en libros y comics también), nos muestra el resurgir de un héroe ya consagrado pero caído.

Los personajes, al igual que la película, nos transportan a las páginas de un cómic. Son carismáticos, bastante bad-ass y se profundiza lo suficiente en sus motivaciones y personalidades como para que sea un punto destacable de la misma. Eso sí, que nadie espere giros de guión increíbles. Estamos en una película en la que robots gigantes se dan leña contra lagartos gigantes.

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El sumun de las películas de robots gigantes contra los primos de Godzilla. Pues si te gusta tanto lo uno o lo otro, esta puede ser tu película. No hay nada mejor dentro del subgénero.

Curiosidades

Guillermo del Toro colabora una vez más con su actor fetiche, Ron Perlman. Después de Cronos, Blade II, Hellboy y su continuación. Este filme también marca el encuentro entre Perlman y Charlie Hunnam, compañeros de reparto en la serie para televisión, Sons of Anarchy. Hunnam volvió a trabajar con Del Toro en La cumbre escarlata.

Tom Cruise fue valorado para interpretar uno de los papeles de la película, pero finalmente el actor Idris Elba se hizo con el puesto.

El aclamado compositor Ramin Djawadi, se basó en su propio trabajo musical en Iron Man y Juego de tronos para componer la banda sonora.

Otras películas de robots contra mostruos son:

  1. Frankenstein Vs. Baragon Monstruo vs monstruo-maquina.
  2. King Kong Escapes.
  3. Gamera Vs. Barugon.
  4. Destroy All Monsters.
  5. Godzilla 2000. En ella Godzilla lucha contra una maquina que parece sacada de la guerra de los mundos.

Transformers: El último caballero

¿Qué se puede decir de la saga Transformers y de su director que no se haya dicho a estas alturas? De todo, menos cosas buenas. La película llega a los cines diez años después del primer filme, de nuevo Michael Bay a cargo de la dirección. Siguiendo la tónica habitual, esta nueva entrega continua siendo ruidosa, plagada de clichés y saturación de efectos especiales. Bienvenidos a Transformers: El último caballero.

Para el espectador que haya visto las anteriores, no hay grandes novedades. Humanos y Transformers están en guerra, Optimus Prime se ha ido a Cybertron. La humanidad ya harta de tanto robot alienigena por el planeta deciden vetarlos. Cade es el único humano defensor de los Autobots, también es perseguido y vive en el anonimato. 

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En Cybertron, Optimus le lavan el cerebro una malvada Transformer que quiere destruir la Tierra porque sí. Como sucedía en la última de A Todo Gas, nuestro protagonista se vuelve malvado pero en vez de aprovechar este elemento en la trama es tocado solamente de pasada. Aquí el personaje beneficiado es Bumblebee, no solo porque tiene más diálogos sino que participa en la acción (incluso va a contar con su propio spin-off).

Transformers: El último caballero tiene muchos problemas, tarda demasiado en arrancar, prácticamente se podrían haber ahorrado una hora. Sin olvidarnos de un guión con más agujeros que un queso gruyère o personajes que entran y salen sin saber muy bien por donde andan, como el regreso de Lennox o de los villanos, como Megatron. Por si fuera poco, nos encontramos con que los Transformers llevan en la Tierra desde la época del rey Arturo, algo sin sentido con respecto a las anteriores. Pero esto le da pie a Bay, para filmar un prólogo ambientado en esa época, con una batalla al más puro estilo El señor de los anillos o un pequeño flashback ambientado en plena Segunda Guerra Mundial.

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Los momentos más interesantes son cuando la acción se desarrolla en Inglaterra, donde Anthony Hopkins se convierte en el robaescenas de la película. Interpreta a Sir Edmund Burton, miembro de una adinerada familia que conoce la relación de los humanos con los Autobots en pasado. Tampoco olvidar de su su mayordomo robótico que tiene algunos momentos cómicos. 

En cuanto al sentido del humor, en ocasiones roza lo vergonzoso. Citar la visita a la casa de la chica, donde su familia solo piensan que ella se busque un marido. En una escena que juegan con dobles sentidos donde no hay sutilezas. O el momento de liberación de algunos Decepticons de la cárcel, que van ataviados con anillos y cadenas como si fueran unos pandilleros.

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A nivel de producción, los efectos especiales funcionan bien aunque en algunos momento saturan bastante. Hay dos o tres planos que puede recordar a Roland EmmerichLos diseños de los robots sigue siendo feos, el espectador puede que ya este algo acostumbrados a ello y por eso no desentonan tanto. Steve Jablonsky no hace una banda sonora destacable, tiene mejores trabajos con Bay como la banda sonora de Dolor y dinero

Bay aunque sigue tirando de montaje, en esta ocasión se lo ha tomado con calma. No rueda de forma tan abrupta como suele hacer habitualmente. Tiene una serie de persecuciones relativamente emocionantes como la huida del desguace, donde el personaje de Cabe termina volando en una mininaves o la persecución en coche por las calles de Londres.

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Del reparto, al mencionado Hopkins, regresa Wahlberg que repite como un héroe anodino, cachas y con poco carisma. Sin duda un tropezón en la carrera del protagonista de 2 gunsLaura Haddock (vista en Guardianes de la Galaxia y su secuela) es la chica de la historia, que aunque han intentado dotar su personaje de ciertos matices se queda en un mero florero.

En pequeños roles Josh Duhamel, que regresa a su personaje de Lennox, el perfecto militar. Un irreconocible Stanley Tucci maquillado interpretando a Merlin al comienzo del filme. Un fugaz John Turturro, no tan cargante como en las anteriores pero innecesario que aparecerá de vez en cuando.

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Tranformers: El último caballero es la menos mala de toda la saga. Esperemos que sea la despedida de Bay de la saga.

Curiosidades

Todo lo relacionado con el rey Arturo es un guiño a un capítulo de la serie animación. Titulado A Decepticon Raider in King Arthur’s Court.

Al comienzo del filme se puede ver a Mitch Pileggi. Actor conocido por interpretar al jefe de Mulder y Scully en Expediente X.

Hay un guiño al personaje de Shia Labeouf. Aparece una fotografía de su personaje por la mansión del personaje de Anthony Hopkins.

217 millones de doláres ha costado Transformers: El último caballero. En taquilla lleva más de 500 en todo el mundo.

Spider-Man: Homecoming

Después de la versión de Sam Raimi (con dos grandes entregas) y la decepcionante que hizo Marc Webb con unos desaprovechados Andrew Garfield y Emma Stone. Se estrena Spider-Man: Homecoming, la tercera versión del trepamuros más famoso del cómic en el cine. Interpretado por Tom Holland al que ya pudimos ver en la última entrega del Capitán América.

Este nuevo lavado de cara le ha sentado genial al personaje. Mucho más creíble que las anteriores encarnaciones, más cercana al mundo de Marvel (hay continuas referencias a todo el universo). Con cierto sentido del humor (pero sin llegar al nivel de Guardianes de la galaxia) o al cine de adolescentes de los años 80.

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La película arranca durante su participación en Capitán América Civil War. Spidey quiere subir de categoría y llegar a ser un Vengador. Para ello, es supervisado por Tony Stark, que le ha dado un traje lleno de gadgets. Por otro lado el Buitre, el villano, es un currante que decide saltarse la ley y convertirse en un mafioso. Su plan es vender armas en el mercado negro, recicladas de la tecnología extraterrestre, de los sucesos que ocurrieron en la primera entrega de Los Vengadores. Nuestro trepamuros, se saltará las reglas para poder detenerlo. Por si no fuera suficiente, Spidey tendrá que afrontar su día a día en el instituto. Con toda una fauna de personajes, tiene a su mejor amigo en Ned y suspira por tener una cita con Liz.

La cinta tiene momentos muy llamativos, como ese arranque donde vemos “Una película de Peter Parker”, vemos su punto de vista en la última aventura del Capi. Todo ello como si hubiera sido grabado con su smartphone. Su primer día patrullando por Nueva York, de forma menos glamurosa de lo que se podría esperar o sus enfrentamientos con los esbirros del Buitre.

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Holland esta muy bien, como ese héroe novato que puede aportar algo más. Marisa Tomei retoma su papel de la atractiva tía May. Robert Downney Jr. es de nuevo Tony Stark, aquí hace del mentor, con su habitual chulería y saber estar que le aporta. Su contrapartida es Jon Favreau vuelve de nuevo a ser Happy, el guardaespaldas de éste. Por allí hasta veremos a Chris Evans como el Capi, en unas cómicas apariciones como si se tratara de Troy McClure, el personaje de Los Simpsons.

Se agradece por fin un villano sin ínfulas de dominar el mundo, sino un tipo que quiere su parte del pastel. No es un gran papel, pero Keaton dignifica el personaje sin caer en los estereotipos. Parece que se rompe la norma habitual de villanos en Marvel, sea de lo más flojo del filme.

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En cuanto a su producción, los efectos especiales lucen bien, sobretodo ver a Spidey en acción, ya sea de día o de noche. Ver todos los alucinantes gadgets que lleva el traje. La música de Michael Giachino aunque no crea ninguna fanfarria reconocible para el personaje, versiona el viejo tema de Spidey y le da toques aventureros a la historia.

La dirección por parte de Jon Watts (Coche policial), es bastante solvente. Acierta combinar el típico filme de instituto con el género superheroíco, haciendo que sus más de 130 minutos se pasen volando. Nos deja con un final bastante abierto, que deja al espectador con ganas de más.

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¿Qué fallos tiene Spider-Man: Homecoming? Para el que escribe la crítica, que fue lector del personaje en cómics, sin duda la modernización del personaje. Sobretodo en ese cambio racial de algunos personajes, sobretodo por cierto personaje muy importante en la vida de Peter Parker que parece que han presentado. De ser así ha quedado bastante desdibujado, por el momento.

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Spider-Man: Homecoming es la aproximación más cercana del personaje del cómic a los cines. Divertida, trepidante y llena de guiños.

Curiosidades

El personaje de Michael Keaton, tiene ciertos paralelismos con Birdman. Ambos vuelan y se basan en aves, odian a los superheroes. El personaje de Riggan Thompson (Keaton) tiene envidia de Robert Downey Jr., además el buitre no soporta a Iron Man, curiosamente lo interpreta Downey Jr.

En la cinta aparecen los personajes de Herman Schultz y Marc Gargan. Que en los cómics son los villanos conocidos como el Conmocionador y el Escorpión.

Stan Lee hace su cameo, interpreta a un vecino del barrio de Peter Parker.

Hay dos escenas después de los créditos, una donde aparece un villano de Spiderman que ya se deja intuir quien es a lo largo del filme y otra escena cómica protagonizada por el mismísimo Capitán América

Posibles Spiderman: Asa Butterfield, Nat Wolff, Liam James y Timothée Chalamet.

Hay un pequeño guiño al Batman de Tim Burton. Durante uno de los enfrentamientos de Spidey contra el Buitre.

El traje de Spiderman diseñado por Iron Man, esta basado muy ligeramente en el diseño que aparece en la saga Civil War.

Spider-Man: Homecoming ha tenido un presupuesto de 175 millones de doláres. Lleva recaudados unos 633 en todo el mundo.

En la versión original, Karen, la voz de la inteligencia artificial del traje de Peter, es de Jennifer Connelly. La actriz es la esposa de Paul Bettany que fue la voz de Jarvis en las cintas de Iron Man.