Asesinato en el Orient Express

Agatha Christie vuelve a ser adaptada al cine con Asesinato en el Orient Express. El británico Kenneth Branagh es el encargado de llevarlo a pantalla además de protagonizarla como el detective Hercules Poirot. Al director de Jack Ryan: Operación sombra, le acompañan un reparto de altura con Penélope Cruz, Willem Dafoe, Judi Dench, Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Daisy Ridley, Josh Gad y Derek Jacobi.

Recordar que la anterior versión es de 1974 dirigida por Sidney Lumet donde Albert Finney interpretaba a Poirot y contaba con un reparto estelar de actores entre los que estaban Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Martin Balsam, Michael York, Jacqueline Bisset, Sean Connery, Anthony Perkins y Richard Widmark.

Asesinato en el Orient Express

La trama nos lleva a los años 30, Hercules Poirot es un brillante (y muy excéntrico) detective. Tras resolver su último caso en Jerusalén decide tomarse unas vacaciones para poder disfrutar de su afición por la comida hasta que vuelve a ser llamado para un importante caso en Londres. Para ello viajara en el lujoso tren, Orient Express. Los pasajeros son un grupo de los más dispar, desde una princesa, unos condes, una viuda cazafortunas, una religiosa y un tipo de negocios y sus ayudantes.

Todo parece ir bien hasta que por culpa de las condiciones climáticas, el tren queda atrapado por la nieve, pero sino fuera suficiente, aparece un cadáver y nuestro protagonista tendrá que averiguar quien es el asesino antes que el tren vuelva a reanudar la marcha y el misterioso asesino puedas huir. Por supuesto, sus sospechosos guardan algún que otro secreto.

Asesinato en el Orient Express

La película destaca por su ritmo, las casi dos horas de duración se pasan volando a bordo de este filme. En líneas generales respeta bastante bien el material original, sin llegar a ser una fiel adaptación de la novela, no cae en cambios muy radicales. Su tono de misterio, tiene cierta carga dramática, sobretodo cuando Poirot empieza a interrogar a sus sospechosos. Tampoco se olvida del sentido del humor con unas pinceladas, casi todas relacionadas con el protagonista. Atentos a su protector de bigote o su presentación donde comprobamos sus obsesión porque todo sea simétrico desde los huevos que desayuna o hasta tener que pisar con sus dos pies un excremento que había pisado accidentalmente en la calle.

La dirección de Kenneth Branagh es bastante elegante, se le ve más suelto en este tipo de filmes con un ritmo más sosegado que cuando ha tanteado el género de espías o de superheroes. Habría que destacar la entrada de Poirot en el tren, en un plano secuencia desde las afueras que aprovecha para ubicar a cada uno de los personajes o el descubrimiento del cadáver, filmado desde arriba.

Asesinato en el Orient Express

Por sacarle pegas, la cinta en su tramo final, el ritmo decae. Nos encontramos con un final algo anticlimático (aunque más que nada se debe a la novela) y teatral que puede descolocar al espectador. Tampoco hay que olvidarse de los estereotipos de ciertos personajes como ese profesor austriaco racista o esa fanática religiosa.

En cuanto al reparto, todos tienen su momento de lucimiento, al servicio de Branagh en su doble faceta. Habría que destacar a la genial Judy Dench como esa princesa amargada o Daisy Ridley alejada de su rol de Star Wars, como esa joven institutriz enamorada de hombre de color y que tiene que mantener en secreto. Tampoco me olvido de gente como Josh Gad, alejado de sus roles cómicos o los veteranos Willem Dafoe o Derek Jacobi que le dan empaque al producto.

Asesinato en el Orient Express

Asesinato en el Orient Express son dos horas de entretenimiento casi sin fin con un reparto de lujo.

Curiosidades

Agatha Christie publicó la novela en 1934. Se basa en los incidentes que sucedieron en 1929 en el verdadero Orient Express, cuando un grupo de viajeros quedaron atrapados durante seis días debido a una tormenta de nieve.

El personaje de Hercules Poirot lee el libro Historia de dos ciudades de Charles Dickens.

Hay un guiño a otro título de Christie, Muerte en el Nilo de la cual se rumorea se puede filmar, tras la buena acogida de ésta. 

Otros actores que interpretaron a Hércules Poirot fueron Peter Ustinov, Albert Finney, Alfred Molina o David Suchet.

Derek Jacobi es uno de los actores fetiches de Kenneth Branagh, ha trabajado con él, Enrique V, Morir todavía, Hamlet, Mi semana con Marilyn y Cenicienta.

Se han modificado algunos personajes con respecto a la novela, el personaje de Penélope Cruz era de origen sueco. Mientras que el personaje de Leslie Odom Jr., era un coronel del ejército en la historia original, mientras que en la película es médico.

El filme ha sido filmando en 65 mm, es la segunda película de Kenneth Branagh, la primera fue Hamlet.

Esta es la tercera película que coinciden Johnny Depp y Penélope Cruz, tras Blow y Piratas del Caribe: En mareas misteriosas.

Angelina Jolie y Charlize Theron iban a participar en el filme para el papel que interpreta Michelle Pfeiffer.

Asesinato en el Orient Express tuvo un presupuesto 55 millones de dólares. A fecha de hoy lleva más de 175 recaudados en todo el mundo.

La librería

Presentada en la última edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci 2017), La Librería supone el nuevo trabajo de la directora Isabel Coixet, tras Proyecto tiempo. Ahora estrena este nuevo filme, coproducción junto a Reino Unido y Alemania, sobre la adaptación de la novela homónima de la inglesa Penélope Fitzgerald.

Finales de los años 50. Hardborough es una pequeña localidad costera inglesa donde Florence Green, una viuda de guerra, quiere llevar a cabo su sueño, abrir la primera librería del lugar. Lo que en un principio puede ser algo prometedor y una estupenda iniciativa se verá con un obstáculo. La oposición de Violet Gamart, un mujer de alta posición dentro de la sociedad que está empeñada en quedarse con el local donde Florence tiene su hogar y negocio para usarlo para un centro de arte.

La librería

Pero nuestra protagonista no se encuentra sola, contará con la ayuda de la pequeña Christine para llevar su negocio y con el señor Brundish, su primer cliente, un tipo muy peculiar, casi siempre recluido en su casa, gran aficionado a la lectura (y a los libros de Ray Bradbury), del que todo el mundo dice habladurías sobre el destino fatal de su esposa fallecida.

Si hay que alabar algo de esta nueva película de la directora de La vida secreta de las palabras, son sus actores. Habría que destacar la labor del veterano Bill Nighy, como el señor Brundish, con un trabajo más contenido de lo habitual en el protagonista de Siempre locos. Tampoco olvidar de la joven Honor Kneafsey como Christine que secunda de muy buena manera a Emily Mortimer y es la que aporta unas gotas de humor a la cinta.

La librería

Otra parte importante a tener en cuenta en la producción es la buena recreación de la época. Donde hay que destacar el vestuario, el maquillaje, la iluminación y sobretodo su buena fotografía por parte del frances Jean-Claude Larrieu (Julieta), habitual de la directora.

Por contra, como algo negativo de esta nueva película de la directora de Mi vida sin mi, es su doble faceta de directora y guionista. Por un lado le imprime un ritmo tan pausado que da la sensación que en vez de 110 minutos, sobrepasara las dos horas. Por otro, el libreto tiene una serie de lagunas argumentales que se podrían haber sacado mayor partido y hace que el espectador no empatice con su protagonista.

La librería

La librería se queda en una cinta algo fría, lejos de ser fallida, dista mucho de ser perfecta.

Curiosidades

En la versión original, Julie Christie (Doctor Zhivago) es la narradora de la película.

El rodaje se desarrolla en Inglaterra.

Madre!

La singular y personal trayectoria del director Darren Aronofsky siempre pasa por crear sensaciones convulsas en el espectador. Su nueva reflexión fílmica, nos trae una historia narrada de manera impecable con un trasfondo de crítica a la sociedad actual y un canto de amor a la vida y a la naturaleza.

Entendida solo por algunos y quizás odiada por muchos, Madre! es una fábula en la que destacan las presencias de sus dos grandes protagonistas. Javier Bardem es el marido, poeta, dios creador y ególatra, de una Jennifer Lawrence que es esposa abnegada, protectora y por encima de todo madre.

La película toma como punto de vista el de su protagonista femenina. Sobre ella recae todo el peso de la cinta. El director lo enfatiza con primerísimas tomas de Lawrence y numerosos planos secuencias de la actriz recorriendo todas las estancias de la casa donde se desarrolla la historia. Una casa que por cierto, es reflejo de todo lo que le pasa a su protagonista. Mujer, casa o madre naturaleza invadida de manera desmedida por la acción del hombre. Toda una reflexión política y ecológica sobre los efectos perjudiciales de la humanidad en nuestro planeta.

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A parte de los ya mencionados Bardem y Lawrence, también podemos ver otras caras conocidas como Ed Harris y Michelle Pfeiffer, en una especie de Adán y Eva postmodernos. En roles más secundarios aparecen Domhnall Gleeson o Kristen Wiig, siempre correctos en sus personajes.

Sin embargo, a pesar de contar con una gran riqueza formal e interpretativa y logran hacer reflexionar al espectador a la salida del cine, el gran fallo de la cinta ha estado en su marketing. En los teaser previos podía parecer que la película estaba englobada dentro del género de terror. De hecho, los tráilers emitidos antes de su visualización también pertenecen a este género. Pero la realidad es que, aunque tenga ciertos momentos de angustia, el film está más próximo al drama que a cualquier otro género.

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Como gran parte de la filmografía de Aronofsky, o la amarás o la odiarás.

Curiosidades

La película se ha rodado en Montreal (Canadá).

Esta es la cuarta película que el director Aronofsky graba en 16 mm.

En la película aparecen los actores Domhnall y Brian Gleeson. En la película hacen el papel de hermanos, igual que en la vida real.

La actriz protagonista de la película, Jennifer Lawrence, y el director de la misma, Darren Aronofsky, empezaron a salir durante la producción de la cinta.

El film iba a titularse originariamente Day 6, en referencia al día en el que según la Biblia, Dios creó el mundo. 

BoJack Horseman

BoJack Horseman está de regreso con una cuarta temporada (renovada ya para una quinta), convirtiéndose en una de las series más longevas y transgresoras de Netflix de la actualidad. La serie de animación nos trae de nuevo a nuestro caballo antropomórfico favorito en nuevas aventuras por esa jungla llamada Hollywood.

La trama principal enlaza directamente con el final de la anterior. BoJack desaparece más de un año de la ciudad, pero la meca del cine no se detiene. El señor Peanutbutter se presentará gobernador de California sin tener ni idea de política. Diane pasará a trabajar en un blog de tendencias para la mujer, mientras que Todd saldrá del armario declarándose asexual mientras continúa con sus descacharrantes planes para enriquecerse y Princess Caroline parece vivir feliz con su novio e incluso descubre que está embarazada, pero ¿Dónde se encuentra BoJack?

BoJack Horseman

En esta temporada continúan las absurdeces de los protagonistas, a lo largo de estos nuevos episodios. La serie permanece con su habitual tono agridulce y ese mala baba para meterse con el frívolo Hollywood actual (atentos al nuevo show que protagoniza Felicity Huffman llamado “Academia de culetes”). Sin olvidarse de las absurdeces que la han hecho tan característica, con la que ha calado al público. Tenemos por allí ideas como un puente que comunica Los Angeles con Hawaii o Paul Giamatti interpretando a BoJack en una miniserie.

Las tramas tratan sobre la política, la igualdad social, hijas secretas, lo absurdo de las modas y el amargo pasado de la madre de BoJack, Beatrix, que hasta entonces bien poco sabíamos de ella. Por si fuera poco por allí también tendremos una serie de artistas invitados poniendo voces a sus replicas animadas, como una despechada Jessica Biel que fue una de la ex del señor Penautbutter o Zach Braff (Scrubs) que aparece en una fiesta que termina con la casa en el fondo de la tierra.

BoJack Horseman

La animación de la serie, sigue en su línea. El dibujo tan colorido para destacar esos ambientes tan horteras y sofisticados por donde se mueven los personajes. Salvo en algún momento puntual que sorprende con algún cambio de la animación, como en las ensoñaciones de Beatrix cuando empieza encajar todas las piezas sobre quien puede ser la madre de su nieta o los pensamientos de BoJack cuando medita sobre que acción puede ser la más correcta, donde el dibujo parece hecho por niños.

En líneas generales, la serie vuelve a dar un salto de calidad, más madura y asentada con las historias de nuestros protagonistas. Donde si habría que darle un pequeño tirón de orejas que en esta ocasión se hayan pasado con tanto drama y que ciertos personajes secundarios se hayan quedado en un segundo plano.

BoJack Horseman

BoJack Horseman es una serie imprescindible. Los que disfrutaron de sus tres anteriores temporadas no se la deben de perder y los que aún no la han visto, ¿a qué esperan?

 

Trash, ladrones de esperanza

Trash, ladrones de esperanzas es de esos filmes que a priori uno nunca se piensa que vaya a ver al cine, básicamente porque su argumento o su reparto de caras desconocidas puede que no llamen la atención, pero si le damos una oportunidad, nos encontramos con una interesante historia que mezcla el thriller, drama social sazonado con unas gotas de humor y la guinda con algo emotividad y esto se debe a la labor detrás de las cámaras de Stephen Daldry.

El director de Las Horas, nos cuenta una historia que a priori podría recordar a Slumdog Millionaire, esos niños que viven directamente en un basurero, pero que rápidamente nos sumerge en un thriller que no da tiempo muerto y que brilla sobretodo por ese trío protagonista de niños, que demuestran una complicidad y una química increíble realizando un trabajo formidable. Demostrando una  asombrosa inocencia muy creíble a pesar de vivir en un sitio realmente duro para ello.

Trash, ladrones de esperanza

Escenas a recordar, la visita a la estación de tren donde tienen que distraer a la policía para acceder a las taquillas, aquella otra que intentan recuperar un libro con un montaje paralelo como si se tratase de una peli a lo Ocean’s Eleven pero con divertidos resultados o cuando descifran los códigos para dar con la pista final de todo el misterio de la cartera.

Si bien es cierto que la cinta no es perfecta, hay algunas casualidades argumentales pilladas por los pelos pero que son salvables (Por ejemplo la huida de la policía en moto o el jardinero del malo explicando a los chicos parte de la trama como si fuera el partido de fútbol del domingo noche) o que el tono del filme sea demasiado buen rollista sin llegar a ser La casa de la pradera pero tampoco se espera algo más duro como podría ser Tropa de Elite de José Padilha. Si acaso destacar la tortura a la que es sometido el protagonista, Rafael por parte de la policía.

Trash, ladrones de esperanza

A nivel de producción, el filme cumple bastante bien, la fotografía bien aprovechada sobretodo en los espacios abiertos como al comienzo del filme o en su tramo final con esas increíbles vistas de las playas brasileñas. La banda sonora tiene ligeros toques étnicos e incluso recuerda en ciertos pasajes a Ennio Morricone, acompañadas como no, de temas pop 100% canarinhos.

Del reparto pues los debutantes Rickson Tevez, Eduardo Luis y Gabriel Weinstein hemos comentado que lo hacen muy bien. Les secunda Martin Sheen que interpreta a un sacerdote algo aficionado a la botella pero de buen corazón y Rooney Mara haciendo de una voluntaria que tendrá alguna que otra secuencia de humor sobretodo por sus limitado conocimientos del idioma, destacar la escena en la que quiere grabar a los chicos para que cuenten toda la historia de la cartera mientras que estos se piensan en algo más “calenturiento”.

Trash, ladrones de esperanza

En resumen, Trash, ladrones de esperanza es una película muy completa y entretenida que hace que sus casi dos horas se pasen volando.Entretenida, emotiva y sin pausas.

Curiosidades

La película está rodada en portugués.

El trío protagonista no eran actores profesionales.

El filme esta basado en la novela Reyes de la basura de Andy Mulligan.

El juez

En 2014 Robert Downey Jr. dejó aparcada su armadura de Iron Man para protagonizar El juez. Un melodrama familiar, bajo un tono de thriller judicial. La estrella de Sherlock Holmes se rodeó de un gran reparto de actores como Robert Duvall, Vera Farmiga o Billy Bob Thorton entre otros. Gritaba acción David Dobkin, un especialista en comedias como De Boda en boda o El Cambiazo. La cinta a pesar de sus buenas intenciones, en taquilla no termino de convencer.

La historia nos presenta a Hank Palmer, un abogado de éxito que tiene que regresar a su ciudad natal para el funeral de su madre. Allí se encontrará con su padre, el cual es el juez del pueblo y al que no le hace mucha ilusión ver hasta que descubre que éste es sospechoso de un asesinato. Hank decide defenderlo para demostrar su inocencia.

El juez

La cinta se supone que es un thriller judicial con toques de drama pero para nuestra grata sorpresa, que hace que sus más de 140 minutos de duración se hagan más llevaderos. Nos encontramos con un filme cargado de humor sin llegar a ser una comedia, que se reserva una parte para la trama judicial sin llegar a convertirse en una adaptación de las novelas de John Grisham al estilo de La Tapadera o Legitima defensa.

Aquí veremos como nuestro protagonista irá poco a poco rompiendo su imagen cínica para no solo defender a su padre en el juicio sino limar asperezas con él y con su pasado. Aparte hay una serie de subtramas, Hank se reencuentra con su antigua novia, bastante divertida sobretodo los momentos en los que se pregunta sobre quien podría ser el padre de la hija de ésta.

El juez

La dirección de Dorkin es bastante insustancial como si siguiera un manual para este tipo de filmes. Destacar ese plano de la llegada de Hank al pueblo con un movimiento bastante elegante de cámara donde la fotografía Janusz Kaminski, habitual de Spielberg, luce algo. A todo esto le acompaña una banda sonora de Thomas Newman demasiado rutinaria que hace hincapié en los momentos melancólicos y un par de temas musicales que se podían haber ahorrado.

Del reparto como no, destacar a tanto Robert Downey Jr. como Robert Duvall, se lucen y sus cara a cara son antológicos. Destacar la primera vez que se reúnen tras muchos años sin verse en el velatorio del funeral o esa parte final del juicio donde ambos actores se comen la pantalla.

El juez

Del resto a destacar Vera Farmiga, Vincent D’Onofrio y Billy Bob Thorton como el malo de la función, interpretando al fiscal que lleva el caso del padre de Hank que tiene una cuenta pendiente con él. Este último con un breve papel pero que cumple sin problemas.

Llegado a este uno se llega a preguntar, si la intención de El juez era que Donwney Jr. quería una nominación al Oscar ¿Por qué no se busco un director más competente que el de Fred Clauss, el hermanos gamberro de Santa Clauss?

El juez

Para fans de Downey Jr. y les apetezca algo diferente de lo habitual dentro de las pelis judiciales.

Curiosidades

La película está producida entre otras, por Team Downey, la productora del actor que lleva su mujer, Susan Downey.

La duración del rodaje fue de 60 días en diferentes localizaciones de los estados de Indiana y Massachussets.

Es la tercera vez que coinciden en un filme tanto Duvall como Downey Jr. los otros dos filmes fueron Conflictos de intereses y Lucky You.

La cinta consiguió nominaciones al mejor actor de reparto para Robert Duvall.

El juez tuvo un presupuesto de 50 millones de dólares, recaudó en todo el mundo cerca de 85.

Maggie

Maggie, es una cinta de zombies pero desde un punto de vista diferente al que solemos ver habitualmente. Protagonizada por Schwarzenegger entrado en años, en otro intento de hacer un rol diferentes a los habituales del cine de acción. Le acompaña Abigail Breslin, la eterna Pequeña miss sunshine, en su segunda película dentro del género después de Zombieland.

La historia del filme, nos cuenta la aparición de un virus aterrador que se extiende por todos el mundo sin que exista posibilidad de frenarlo. Maggie es una adolescente, que vive junto a su familia en una pequeña granja, es infectada. En poco tiempo, su familia presenciará cómo se convertirá en un terrible muerto viviente, que puede contagiar el virus a cualquiera que encuentre en su camino. Wade, su padre, ante la impotencia de no poder salvarla, tratará que el paso de Maggie a “la otra vida” sea lo más liviano posible.

Maggie

Hay que dejar bien claro que la cinta es de bajo presupuesto. No tiene nada que ver con cosas como The Walking Dead o Guerra Mundial Z. La idea de ver a Schwarzenegger enfrentándose a zombies era muy atractiva pero la historia va por otros derroteros totalmente diferentes, casi se podría hablar de un drama donde una familia tiene que aceptar que su hija va a morir.

Henry Hobson se estrena como director con esta película, su trabajo apuesta a por el menos es más y en ocasiones funciona pero en otras desconcierta al espectador, hace que sus 95 minutos de duración sean aun más largos. El problema de la cinta es que aburre, tiene un ritmo demasiado lento. Olvidemos el tema de zombies es una excusa para mostrar el drama que vive esta familia, pero salvo un par de momentos impactantes el resto no funciona. El fan de siempre de Arnold terminará decepcionado, con el filme (al igual que la reciente Una historia de venganza).

Maggie

Hay algún momento sangriento, cuando Maggie se cae del columpio y decide seccionarse un dedo o aquel donde su padre descubre a unos vecinos ya convertidos en zombies y les tienes que plantar cara. La conclusión final juega con el terror para al final llevarnos a un clímax totalmente diferente a lo que uno podría esperar. Aquí no hay acción, ni explosiones ni similar.

Eso sí habría que destacar algunas escenas llamativas cuando Wade le prende fuego a sus campos de cultivo, el prólogo del filme el el que se puede ver la ciudad en cuarentena, o cuando se llevan al chico convertido en zombie mientras que Maggie es testigo de ello.

Maggie

Arnie está contenido, como ese padre de familia de ciudad rural, que antepone su seguridad por la de sus hijos. No hay atisbo del gran héroe de acción de los 80 y 90. El filme avanza gracias a él y su carisma aunque se ve que el guión es demasiado esquemático y salvo un par de apuntes, no hay gran desarrollo de su personaje.

Breslin tiene su peso en la cinta, la joven actriz se defiende con un personaje que es consciente que ya esta sentenciada pero intenta seguir con su vida. Completa el reparto Joely Richardson interpretando a la esposa de Wade, haciendo de una paciente y comprensiva esposa, ante el cruel destino de su hijastra.

Maggie

Maggie es una nueva vuelta de tuerca al género zombi, desde un punto más intimista y simplista pero le falta algo para terminar de convencer. Una rareza dentro de la carrera de Schwarzenegger.

Curiosidades

Chloë Grace Moretz iba a interpretar a Maggie pero por problemas de agenda lo tuvo que descartar.

El director del filme, Henry Hobson, diseño los créditos de la serie The Walking Dead.

El filme fue presentado en la Sección oficial del Festival de Sitges de 2015.

El fundador

¿Quién no ha comido alguna vez en McDonald’s? Todos en algún momento hemos pasado por un restaurante de comida rápida, con mejor o peor opinión. Pero ¿Quién fue el responsable del éxito de la marca?, pues de eso va El fundador. Un filme de John Lee Hancock (Al encuentro de Mr. Banks) protagonizado por el siempre efectivo Michael Keaton.

La trama nos sitúa a mitad de los años 50, Ray Kroc es un tipo ya pasada la mediana edad, atrapado en un aburrido matrimonio. Su ilusión es alcanzar el sueño americano y le va a dar un buen mordisco cuando llega a un curioso restaurante regentado por los hermanos McDonald.

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Los hermanos Mac y Dick han creado un revolucionario sistema de comida rápida. Con trabajadores bien entrenados, sin camareros, son capaces de servir comida en 30 segundos, a un precio reducido y sin platos. Para nuestro protagonista es toda una revelación y decide invertir en el negocio, a pesar de las trabas de los hermanos, sobretodo de Nick.  A partir de aquí veremos como la franquicia va creciendo como la espuma. Ray se crece creyéndose ser el rey del cotarro, hasta que descubre que el sistema de los hermanos, no es del todo rentable como pensaba y es cuando decide hacer las cosas por su cuenta.

El libreto de El fundador se centra prácticamente en lo profesional, dejando la vida familiar de Ray en un par de anotaciones, lo cual es  una espada de doble filo, se agradece que no caiga en los más típicos tópicos dentro del drama. Pero por contra su ruinoso matrimonio abocado al fracaso, daba para algo más. Sobretodo teniendo a Laura Dern interpretando a la esposa del protagonista, en un rol muy contenido que borda a la perfección.

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El filme tiene ritmo, un tono casi amable, estamos en los años 50, aunque sin caer en el maniqueísmo. Llega un momento que parece que todo sale tan bien a nuestro protagonista, que sino fuera porque es un hecho real hasta nos podría creer que es ficción. Hancock tiene momentos muy interesantes como la cena donde los hermanos McDonalds le revelan todos los secretos a Ray (con un estupendo montaje). Sin olvidarse del momento donde ensaya un discurso de agradecimiento donde habla directamente al público.

Su producción está bastante cuidada, los coches de la época, las casas, entres otros. Carter Burwell (habitual compositor de los hemanos Coen) le pone música al filme, atentos a la escenas donde vemos como se van cocinando las hamburguesas. El trabajo del director es bastante competente, sobre todo en el uso del montaje. Citar ese cara a cara final entre Ray y Nick tras el acuerdo para no ir a juicio, donde Hancock emplea el uso de espejos para estar al detalle de ambos personajes.

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Si el filme funciona es por Keaton, Keaton y Keaton. Se come la pantalla literalmente. De nuevo muy inspirado, desde que volvería por la puerta grande con Birdman, con un personaje que te cae bien pero que a medida que lo vas conociendo ves que detrás de esa sonrisa se esconde un ambicioso hijo de perra, casi tan malvado como su personaje del Buitre en Spider-man: Homecoming. Atentos al momento donde conoce a su futura segunda esposa donde el actor canta y toca el piano.

El resto del elenco digamos que está bajo su sombra, Nick Offerman y John Carroll Lynch están bastante bien como los hermanos McDonalds. Laura Dern se agradece volverla a ver en un filme aunque sea un papel tan esquemático. En roles secundarios tenemos a Patrick Wilson como otro de los dueños de un restaurante y Linda Cardinelli como su esposa. Sin olvidar al televisivo B.J. Novak como el tipo que le da la clave  a Ray para salirse de la franquicia.

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El fundador un filme interesante, a ratos divertido y muy entretenido. El espectador puede saborear las hamburguesas del éxito que va sirviendo el chef Keaton.

Curiosidades

El actor Jeremy Renner es el productor del filme.

B.J. Novak vuelve a trabajar con el director John Lee Hancok tras Al encuentro de Mr. Banks.

Michael Keaton dio clases de piano para prepararse para el papel.

Después de leer el guión, los hermanos Coen quisieron dirigir la película, pero estaban en medio del rodaje de ¡Ave, César!

Michael Keaton tuvo el detalle de alquilar dos camiones de helados para todos los trabajadores del filme.

El fundador recaudó cerca de 24 millones de dólares en todo el mundo.

 

Interstellar

Interstellar es una cinta de ciencia ficción que engloba un tema tan grande como la supervivencia de la humanidad y por otro más pequeño, la familia. Y es que mientras vemos que Coop, el protagonista, esta delante de la que puede ser la misión para la que ha nacido, tiene que hacer frente de su ruinosa granja mientras que es padre, viudo, con dos hijos y su suegro.

El director Christopher Nolan no se limita al típico filme de aventuras espaciales. La película empieza con una interesante presentación del personaje, de cómo es su día a día, entre otras cosas le da por perseguir drones abandonados (en una escena que recuerda a Twister), mostrar una sociedad futura que esta sumergida en un profundo caos y que además esta afectada por una crisis tanto económica (hasta el punto que no hay ejércitos) como medioambiental.

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Una vez puestos en situación, Coop de forma muy extraña resuelve el misterio del fantasma del cuarto de su hija de la manera cuanto menos inquietante y de aquí nos metemos en la misión espacial. Pero claro nos encontramos con el problema que el tiempo en el espacio es diferente con lo que veremos que los hijos de este van creciendo mientras él ira de planeta en planeta buscando alguno que sea habitable sin apenas envejecer.

Su equipo esta formado por la sabihonda doctora Brand (Anne Hathaway) y un Wes Bentley (El chaval de American Beauty) que como es costumbre en el director de Memento, rescata a algún actor del olvido, hace de otro miembro de la tripulación que sin duda se llevará el premio a la muerte más idiota del año.

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Por el camino, irán desde Saturno pasando por un agujero negro hasta llegar a una nueva galaxia. Mientras en la Tierra, los hijos de Cooper, tiene el careto de Casey Affleck (Triple 9) y a Jessica Chastain en unos papeles que la verdad se los podrían haber ahorrado o por lo menos haber dejado gran parte desde la sala de montaje.

Y aquí llegamos al error gordo del filme, que la parte familiar para servidor se hizo bastante tediosa, vamos hasta el punto que la película ronda más de 150 minutos y nos meten con calzador todo el tema de los hijos y se hace cargante.

La historia es bastante sencilla para lo que la han vendido aunque el guión es correcto, viene firmado por el director de El Truco Final y su hermano Jonhatan, la dirección es más o menos la de siempre, sin ninguna filigrana visual aunque se hace también muy pesadito esos planos de la nave espacial. Se nota que hay mucha influencia de 2001 de Stanley Kubrick, sobretodo en las tomas del espacio sin sonido o ese clímax final que ya uno ve venir casi desde el comienzo.

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El nivel de producción es bastante alto, vamos que se nota que hay dinero, los efectos especiales están muy bien integrados con la acción real, se juega mucho con los sonidos, la música de Hans Zimmer para mi bastante olvidable y la fotografía destaca sobretodo en los planetas que visitan nuestros protagonistas, como ese impresionante planeta congelado o aquel en el que solo hay agua y unas enormes olas.

Del reparto, McConaughey esta bastante bien, carismático, divertido y emotivo a la vez, esta pidiendo a gritos que le den un personaje franquiciable. Del resto me quedo con esos simpáticos robots soldados que parecen unas tabletas de kit kats. Hathaway esta simplemente para sacar de quicio, Chastain tiene un rol secundario pero evitable, Affleck esta totalmente pasivo y por allí se deja ver Topher Grace supongo para que le dieran un bocata. Caine esta con esa cara de guasa permanente aunque se este muriendo interpretando al jefe de la NASA y Lithgow tiene una breve intervención como suegro de Coop, algo desaprovechado. Por cierto, me reservo el papelito sorpresa de Matt Damon.

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Solo para los fans de Nolan y la ciencia ficción pura y dura.

Curiosidades
Segundo trabajo juntos para Anne Hathaway y el director tras El caballero oscuro. La leyenda renace.
Steven Spielberg fue el primero en sonar para dirigir la película.
Gano el Oscar a mejores efectos visuales en el 2014, fue nominada a los Globos de Oro a mejor banda sonora original.

Una historia de venganza

Desde que regresará al mundo del cine, la carrera de Schwarzenegger no ha tenido el mismo favor por parte del público como antaño. Da igual que probara suerte con títulos interesantes, como El último desafío o su reunión con Stallone en Plan de escape (con una secuela a la vista). Consciente que los años no pasan en balde, ha probado participar en pequeños proyectos, alejado de la acción. Como hizo en la reciente Maggie y ahora con Una historia de venganza.

Basados en hechos reales, lo cual puede espantar al espectador. La trama es bien sencilla, Roman, un hombre pierde a su familia en un accidente aéreo. Destrozado por la tragedia intenta que la compañía aérea le pida disculpas por ello. La otra cara de la moneda es Jacob, el controlador aéreo causante del accidente. Este tiene que lidiar con el dolor de sus actos, que le afectará a su vida familiar.

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Y esto es todo lo que nos ofrece el guión del español Javier Gullón (Enemy, Hierro). No tiene más, la cinta peca de una sencillez aplastante, sin dobles lecturas ni nada por el estilo. Nunca siembra la duda sobre las acciones de la compañía aérea o si de verdad Jacob fue el verdadero culpable del accidente, que podría haber convertido el resultado final más interesante.

La dirección de Elliott Lester, (Blitz) tiene un par de momentos interesantes, aunque se queda algo plana. Destacar el accidente, que transcurre enteramente en la torre de control, sin explosiones, todo muy contenido. La presentación de los personajes, el salto temporal que tiene y la conclusión final que podría haber pecado de ser más dramática.

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Arnold sigue en buena forma, (hasta muestra el trasero) a pesar de rondar los 70 años. El fan de toda la vida del protagonista de Depredador se puede desesperar pensando cuando va a romper en un arrebato de furia y empezar a repartir estopa. Esto se trata de un drama puro y duro, hay que dejarlo bien claro. Schwarzenegger tiene algún que otro momento destacable como le dan la trágica noticia o ese momento en el que esta a punto de suicidarse en su lugar de trabajo o cuando descubre entre los escombros del accidente el collar que le regalo a su hija.

El resto del protagonismo recae en Scoot McNairy, visto en la última temporada de Fargo. Interpreta al atormentado Jacob y resuelve la papeleta bastante bien, aunque su personaje caiga en tópicos. Como aquellos momentos, cuando descubre el accidente o su discusión con su esposa, interpretada por Maggie Grace (PerdidosVenganza). Para olvidar el joven Judah Nelson (Los amos de la noticia) que interpreta al alelado y odioso hijo de Jacob.

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Una historia de venganza es un filme menor que se queda en una rareza dentro de la carrera de Arnold.

Curiosidades

La historia está basada en el accidente de avión real en la localidad alemana de Überlingen en 2002. El arquitecto ruso Vitaly Kaloyev perdió a su esposa y a sus dos hijos. Sumido en una grave depresión, investigó personalmente los hechos y culpó al controlador aéreo Peter Nielsen de la tragedia.

La película fue rodada en Columbus, Ohio. Donde Arnold Schwarzenegger ha sido anfitrión de uno de los mayores eventos deportivos y de culturismo en el mundo.

En la producción del filme participa el director Darren Aronofsky.

Su presupuesto del filme fue de diez millones y medio.