La Bella y la Bestia

La primera vez que vi el clásico animado de Disney, La Bella y la Bestia (1991) fue en uno de los muchos desaparecidos cines de una sola sala de mi ciudad. A parte de las fantásticas canciones, uno de los momentos más memorables fue la escena del baile en el gran salón del castillo con una decoración hiperrealista de lámparas y pinturas murales. Aquella era una de las primeras incursiones digitales en una película de animación. Ahora, con una tecnología mucho más avanzada, y gracias al filón de estas nuevas adaptaciones a acción real (sin ir más lejos, en 2016 pudimos deleitarnos con El libro de la selva (2016) de Jon Favre) vamos a poder disfrutar de todos los clásicos de la compañía en los próximos años. El encargado de traernos esta nueva versión es Bill Condon, todo un especialista en el género del musical tras dirigir Dreamgirls (2006) y llevarse el Oscar al mejor guión por Chicago (2002).

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La historia firmada por Stephen Chbosky y Evan Spiliotopoulos, es prácticamente la misma que en la versión animada. Bella (Emma Watson) es una joven soñadora y amante de la lectura que vive en una pequeña aldea de Francia junto a su padre, Maurice (Kevin Kline), un viejo inventor. Para exponer sus artilugios en una feria, Maurice emprende un viaje, pero se pierde por el camino y llega a un extraño castillo. Pronto descubrirá que el castillo está embrujado y que su amo es una temible Bestia (Dan Stevens). Cuando Bella se entera de lo ocurrido, no duda en ir a su rescate. Al llegar al castillo, lo encuentra preso y decide hacer un intercambio con la Bestia para ocupar el lugar de su padre. 

Sin embargo, Chbosky y Spiliotopoulos han añadido nuevas aportaciones que desarrollan y aportan más profundidad a los dos personajes principales. En el caso de Bella, descubrimos sus dotes de inventora, dónde se desarrolló su infancia y la pérdida de su madre. En el caso de la Bestia, van un poco más allá y revelan aspectos de su pasado como príncipe déspota y presumido en la introducción del filme, además de dar pequeñas pinceladas sobre su infancia y la relación con su progenitores.

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Pero lo mejor de la película no son estas pequeñas incursiones, si no comprobar la buena adaptación que han conseguido y ver que conserva perfectamente el espíritu de la original. Cuenta con un lujoso y magnífico diseño de producción con decorados, vestuario, coreografías, música y canciones que se mantienen con respecto a la versión animada y resultan todo un espectáculo para los sentidos. Además, Alan Menken (compositor junto al fallecido Howard Ashman de la banda sonora de la cinta del 1991) y Tim Rice han creado varias canciones nuevas para este filme. De entre ellas, la más significativa es la balada For Evermore ya que está interpretada por la Bestia que en el filme original sólo tenía un par de líneas cantadas.

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El reparto tampoco podía ser menos vistoso que el resto de la película. Emma Watson encarna a una Bella que se aleja de los estereotipos de princesa Disney tomando las riendas de su propio destino. La actriz pone cierta intención, pero al ser un rodaje plagado de CGI en muchas escenas su cara está totalmente falta de expresividad. El papel de Bestia está encarnado por Dan Stevens cuya apariencia real sólo podemos ver al comienzo y al final del filme. En el rodaje el actor tuvo que soportar un traje de más de 10 kilos y unos zancos de 25 cm. Como villano de la función, tenemos a un magnífico Gastón en Luke Evans, que aporta físico, una genial interpretación y un estupendo vozarrón (muy recomendable la versión original). Como su compañero y esbirro, Josh Gad en el papel de Le Fou, que pasará a la historia como el primer personaje gay de Disney.

En la cinta también podemos disfrutar de las voces de Ewan McGregor como Lumière, Ian McKellen como DinDong, Emma Thompson como la Señora Potts y Stanley Tucci como el maestro Cadenza.

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La película es un deleite visual y auditivo, que se encumbra como una de las mejores obras de Disney.

Curiosidades

En un principio la Bestia iba a ser interpretada por Ryan Gosling y posteriormente por Robert Pattinson. Para el papel de  Lumière fue considerado el actor francés Jean Dujardin, pero finalmente fue a manos de Ewan McGregor.

En el casting para la película, los actores debían interpretar la canción Hakuna Matata de El rey león (1994).

Josh Gad ya había interpretado con anterioridad a otro personaje de Disney. Fue en Frozen: El reino del hielo (2013) donde daba vida a Olaf, un muñeco de nieve.

La primera versión del guion de la película era mucho más oscura y contada desde la perspectiva de la Bestia, pero finalmente se optó por conservar la historia original.

La ciudad de las estrellas. La La Land

La filmografía de Damien Chazelle está cargada de buena música, arte e historias de amor. Con su opera prima, Guy and Madeline on a Park Blench (2009) exploraba con pocas palabras la relación de sus protagonistas y la superación de su ruptura. Sin embargo, el reconocimiento le llegó con Whiplash (2014). Una cinta ejecutada a la perfección, con un desarrollo narrativo simple, pero con una carga dramática explosiva enfatizada por el duelo actoral entre sus dos protagonistas, J.K. Simmons y Miles Teller. Todo un canto de amor al jazz.

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Y llegamos a su tercera película, La ciudad de las estrellas. La La Land. En ella, Mia (Emma Stone) es una camarera de la cafetería de unos grandes estudios, pero su verdadero aspiración es convertirse en una estrella de Hollywood. Sebastian (Ryan Gosling) es un joven músico que malvive tocando el piano en restaurantes y que sueña con abrir su propio club de jazz. Sus destinos se cruzan y comienzan un romance. Pero pronto los deseos de sus realizaciones profesionales y la distancia se interpondrán entre ellos.

Chazelle retoma en su último filme todos los tópicos de su obra, elevándolos a un grado superior de perfeccionamiento. La historia, escrita por el propio director, nos habla de amor, sueños, fracasos y decisiones, narrado en capítulos diferenciados por las cuatro estaciones. El personaje de Mia quiere ser una nueva estrella, mientras que Sebastian desea que regrese la música del jazz más puro. Dos artistas que se unen, uno que mira hacia el futuro y el otro hacia el pasado. Una mirada que invita a soñar al espectador mostrándole lo que pudo ser y finalmente no fue con un final impecable.

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El aire de nostalgia y melancolía de la historia inunda no solo la narración, si no que impone un toque clásico a todo el hermoso diseño de producción. Desde el vestuario, pasando por la ambientación, las coreografías, la música o la belleza de sus protagonistas que es casi atemporal.

El filme toma referencias de otras películas del género musical como Las señoritas de Rochefort (1967), West Side Story (1961), Un americano en París (1951) o Melodías de Broadway (1953) para sus secuencias musicales, pero también de clásicos como Casablanca (1942) o Rebelde sin causa (1955). La maravillosa música de la película, compuesta por Justin Hurwitz habitual de Chazelle, traspasa la pantalla y conquista a los espectadores más allá de las salas de cine.

El magnífico trabajo de Stone y Gosling, con una química innegable en esta su tercera película juntos, les ha valido a ambos una nominación al Oscar. Junto a ellos aparece el cantante John Legend como estrella pop del momento que reniega del jazz puro. También podemos ver a J.K. Simmons, en un papel más secundario.

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Emma Stone y Ryan Gosling consiguen hacerte soñar y perseguir tus sueños.

Curiosidades

La película ha conseguido 14 nominaciones a los premios Oscar, incluyendo a mejor película, director, actor y actriz. Igualando en numero de nominaciones a Titanic (1997) o Eva al desnudo (1950).

 
El término La La Land (título original de la cinta) significa soñar despiertos. También se utiliza para denominar a la ciudad de Los Ángeles.

 
Los actores Emma Stone y Ryan Gosling ya habían trabajado juntos en la comedia romántica Crazy, Stupid, Love (2011) y en la cinta de mafiosos ambientada en los años 50, Gangster Squad (2013).

 

Passengers

La nave espacial Avalon va desde la Tierra hasta un nuevo planeta en donde establecer una colonia. En su interior 5.000 personas viajan durante 120 años bajo un sueño inducido. Tras atravesar un campo de asteroides, una de las cámaras de sueño falla y Jim Preston (Chris Pratt) despierta 90 años antes de llegar a su destino. Con la única compañía de un barman robótico (Michael Sheen) y tras pasar más de un año prácticamente incomunicado, decide despertar a una de las pasajeras. Aurora Lane (Jennifer Lawrence), una joven escritora que sueña con publicar su experiencia, será la elegida para paliar su soledad.

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La película de Morten Tyldum, parte de una premisa clásica de la ciencia ficción, un náufrago espacial abandonado por todos sus semejantes. En esta ocasión, el lugar de su confinamiento es en una gigantesca nave que se asemeja a un hotel de lujo y que está diseñada para cumplir con todas las necesidades de sus pasajeros. Las ocurrencias de Jim Preston al descubrir que es el único que ha despertado de su sueño, se asemejan a las del personaje principal de la serie cómica de televisión El último hombre en la Tierra (2015-). La cinta cambia de matiz cuando Jim se plantea despertar a uno sus acompañantes. La necesidad del ser humano de interrelacionarse con otros seres vivos, unido al dilema moral y ético que esto supone, es una de las reflexiones más importantes de la cinta.

A partir de aquí, con la entrada en escena del personaje de Aurora, el filme cambia de género y pasa a convertirse básicamente en una película romántica con los tópico del género. Lo cual es una pena, ya que la película contaba con un argumento al que se le podría haber sacado más partido en su parte moral y dramática.

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Por otro lado, destacar el elaborado diseño de producción en el que todo destila una gran belleza. Desde los distintos ambientes del interior de la nave, los buenos efectos especiales en los planos exteriores, pasando por la música o los atractivos protagonistas.

No hay que olvidar que tanto Jennifer Lawrence como Chris Pratt están considerados unos de los guapos del momento en Hollywood. La química entre los dos se hace palpable en escena y es uno de los puntos fuertes de la cinta. Junto a ellos, y como barman/amigo y confidente robótico, el siempre eficiente Michael Sheen. También aparecen en la película Laurence Fishburne y lo que podría considerarse un cameo de Andy García.

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Un envoltorio de gran esplendor visual para una historia de ciencia ficción y romance que podía haber dado más de si.

 

Curiosidades

Para interpretar el personaje de Jim Preston, primero se pensó en Keanu Reeves. Para el papel de Aurora Lane optaron actrices como Reese Witherspoon, Rachel McAdams y Emily Blunt.

En la película podemos escuchar temas como Like a Rolling Stone de Bob Dylan, A Little Less Conversation interpretada por Elvis Presley o Call Me Irresponsible de Bobby Darin.

El guionista Jon Spaihts ha sido el creador del guion de Prometheus (2012) y de Doctor Extraño (2016), que se desarrollan en el espacio y mundos paralelos.

En el póster en inglés de la película, debajo del título, aparecen los símbolos en morse de S.O.S.

 

Amor y amistad

En 1790, la guapa viuda Lady Susan Vernon (Kate Beckinsale), opta por irse a vivir con la familia de su cuñado alejada de la sociedad londinense para acallar los rumores sobre su ajetreada vida amorosa. Allí entablará amistad con el hermano de su cuñada, Reginald DeCourcy (Xavier Samuel), algo que no es del agrado de los DeCourcy. Mientras tanto, su hija Lady Federica (Morfydd Clark), será expulsada del colegio por lo que Lady Susan intentará volver a emparentarla con el rico y tonto Sir James (Tom Bennett).

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El director Whit Stillman adapta el relato corto de la escritora romántica Jane Austen titulado Lady Susan y publicado posteriormente al fallecimiento de la autora. Stillman deja de lado el nombre original para igualarlo a anteriores producciones llevadas al cine de la novelista. Por un parte, tenemos el amor como el eje principal de toda obra de Austen con los enredos y el destino matrimonial del personaje principal. En este caso, Lady Susan es una mujer bastante práctica y embaucadora que hará lo que sea necesario para conseguir un provechoso casamiento para su hija y para ella misma, dejando de lado los sentimentalismos. Sus intereses pasan por el guapo hermano de su hermana política, al acaudalado pretendiente de su hija o por un atractivo hombre casado. Quizás éste toque de modernidad, junto con una historia más simple y menos dramática, hace que no tengamos la suficiente empatía con ella. Cosa que si poseen otros personajes y novelas de Austen que se han llevado a la pantalla con anterioridad, como las hermanas Dashwood de Sentido y sensibilidad (1995) o la protagonista de Orgullo y prejuicio (2005), Elisabeth Bennet.

Por otro lado, tenemos la amistad entre Lady Susan y su confidente Lady Alicia Johnson (Chloë Sevigny). Una camaradería un tanto interesada por parte de Lady Susan, pero con la que puede revelar todas sus confabulaciones y gracias a la cual puede llevar a cabo muchos de sus entresijos. En la cinta, las mujeres son las que llevan la voz cantante y destacan los diálogos realmente ingeniosos y enrevesados que recitan los personajes femeninos. Los hombres son un mero atrezo que se limitan a ser el objeto de las manipulaciones de las damas.

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En las interpretaciones, Kate Beckinsale da un cambio radical dejando el mono de cuero de la saga Underworld para meterse de lleno en el siglo XVIII. Junto a ella, Chloë Sevigny como su amiga americana y Stephen Fry en un pequeño papel como el marido de esta última.

Todo el diseño de producción está perfectamente cuidado, desde los vestidos, peinados, ornamentos y decoración, pasando por la música para adentrarnos en el ambiente dieciochesco. Peculiarmente curiosa resulta la presentación de los personajes, cuya imagen aparece enmarcada en un óvalo con su nombre y características, a modo de retratos de la época.

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Si te gustan las novelas de Jane Austen disfrutarás de su frescura e ironías, aunque cuente con una historia con menor carácter que otras de sus adaptaciones.

Curiosidades

Kate Beckinsale y Chloë Sevigny, vuelven a coincidir a las órdenes de Stillman tras The last days of disco (1994).

Kate Beckinsale protagonizó en 1996 otra producción de Austen para televisión, Enma.

 

Café Society

En la época dorada del Hollywood de los años 30, el joven Bobby Dorfman (Jesse Eisenberg) se muda de su natal Nueva York a Los Ángeles para hacer carrera en la meca del cine. Gracias a su tío Phil Stern (Steve Carell), un famoso y rico magnate de la industria, irá realizando pequeños trabajos y conocerá a numerosos personajes del mundo cinematográfico. Pronto Bobby se sentirá atraído por Vonnie (Kristen Stewart), la guapa secretaria de su tío, a la que el glamour de las estrellas y las riquezas de los famosos le parecen demasiado superficiales.

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En esta su película número 46, Woody Allen, nos deleita con una trama sencilla con el amor como eje principal enmarcada en el mundo del cine como telón de fondo. En sus historias suele reinar un sentimiento de desencanto, en el caso de Café Society la ilusión inicial del amor, deja paso a un triangulo amoroso, cargado de mentiras y sueños truncados. Una búsqueda de la felicidad con incierto resultado. A todo esto hay que añadirle un toque de humor con una subtrama de gánsters y el entorno de la familia judía del protagonista, que si bien no está demás, tampoco aporta demasiado a la historia.

Habituales en su cine, no pueden faltar los títulos de crédito en blanco sobre fondo negro, las ironías sobre la religión judía y la música de jazz que en esta ocasión ha compuesto Vince Giordano And The Nighthawks inspirándose en los clubs nocturnos de la época. Con una maravillosa y cuidada ambientación que nos traslada a los años 30, no es de extrañar que ésta haya sido la producción más cara de Allen con un coste cercano a los 30 millones de dólares.

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Jesse Eisenberg protagoniza esta cinta en la que su personaje se debate entre dos mundos: Los Ángeles o Nueva York, el éxito en el mundo del cine o como regente de un club nocturno de moda, el amor de Vonnie o el de su esposa Verónica. Kristen Stewart interpreta a Vonnie el objeto de deseo de Bobby, que al principio recela de todo el encanto y riquezas de Hollywood, pero al final acaba sucumbiendo en él. Al triangulo amoroso hay que añadirle a un correcto Steve Carell como el exitoso Phil Stern, y a la guapa pero un tanto ignorante de todos los líos de su marido, Verónica, encarnada por Blake Lively.

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Woody Allen es siempre un buen motivo para ir a disfrutar a las salas de cine.

 

Curiosidades

Café Society inauguró fuera de concurso la 69 Edición del Festival de Cannes de 2016. Es la tercera película de Allen que lo hace tras Un final made in Hollywood (2002) y Midnight in Paris (2011).

El término “Café society” fue acuñado por primera vez por el escritor y periodista Lucius Beebe, que lo empleaba para referirse a las personas glamurosas que se reunían en los cafés de moda de ciudades como Nueva York, París, Londres o Viena.

Allen ha trabajado en dos ocasiones con los actores Steve Carell y Jesse Eisenberg. Con el primero rodó Melinda y Melinda (2004), y el segundo participó en A Roma con amor (2012).

Jesse Eisenberg y Kristen Stewart han protagonizado otras dos películas más juntos: Adventureland (2008) y American Ultra (2015).

Steve Carell sustituye a Bruce Willis, el cual abandonó el rodaje tras estar un día filmando. Algunos aluden a que Willis tenía problemas de agenda para estar en el filme y otros a que el protagonista de Jungla de cristal no hizo buenas migas en el set de rodaje con el propio Allen.

 

La leyenda de Tarzán

El personaje creado por Edgar Rice Burroughs en 1912 ha sido adaptado en numerosas ocasiones al cine, la televisión, la radio o el cómic. En la gran pantalla ha aparecido en más de 90 películas desde 1918. Tarzan of the Apes fue la primera de ellas, donde nuestro protagonista fue interpretado por Elmo Lincoln. A partir de los años 30 y de la mano del ex-nadador Johnny Weissmüller, el personaje se hizo tremendamente popular. Más recientemente lo hemos podido ver con el rostro de Christopher Lambert en Greystoke, la leyenda de Tarzán, el rey de los monos (1984) o la adaptación animada de Disney de 1999.

La historia comienza cuando John Clayton III, Lord Greystoke (Alexander Skarsgård), alias Tarzán, es invitado por el rey de Bélgica a volver al Congo como embajador. Tarzán y su esposa Jane (Margot Robbie) dejarán la aburguesada vida de Londres y partirán hacia el lugar donde se criaron. En realidad, todo ello forma parte del malvado plan del capitán belga Leon Rom (Christoph Waltz), para hacerse con unos diamantes de sangre que consigan saldar las deudas de su rey y explotar los recursos humanos y naturales del Congo.

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El director David Yates (conocido por llevar a cabo la mayoría de las películas de la saga de Harry Potter), ha apostado en esta nueva revisión del mito por hacer toda una oda al exhibicionismo estético. Desde las descomunales abdominales del protagonista (que le costaron cuatro meses de duros entrenamientos), los hermosos planos del entorno africano, pasando por los increíbles efectos especiales de CGI para recrear a todos los animales de la jungla con gran realismo y terminando por las espectaculares escenas de acción. Todo ello aderezado con una banda sonora contundente en los momentos épicos. Lo cual está muy bien, siempre y cuando el producto sea algo consistente y entretenido, cosa que no es el caso de esta cinta. El momento reivindicativo de Tarzán como liberador del opresor blanco pasa totalmente desapercibido en un filme en el que prima lo visual por encima de todo.

Este nuevo Tarzán del s.XXI se parece más a un superhéroe que a la imagen clásica con la que estamos acostumbrados a verlo. A parte de poseer una fuerza descomunal, un oído portentoso, imitar el sonido de los animales y su habilidad para moverse entre lianas infinitas, es capaz de tener una afinidad asombrosa con todo tipo de animales hasta el punto de invocar de la nada a un rebaño de ñus furiosos con potencia suficiente destruir una población al completo.

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Para el papel de nuestro héroe Yates siempre pensó en Alexander Skarsgård, pero también se barajaron nombres como Henry Cavill, Charlie Hunnam y Tom Hardy. Finalmente, el imponente físico del sueco de 1,94 m de altura, jugó mucho en su favor para interpretar al Rey de los monos.

Junto a Tarzán no podía faltar su Jane, y para eso, nadie mejor que la chica del momento, Margot Robbie, que acaba de estrenar Escuadrón Suicida en donde interpreta a la villana Harley Quinn. Su papel en la cinta que nos ocupa, no tiene nada que ver con la heroína de DC, pero si que intenta desvincularse de la eterna damisela en apuros, pero que al final siempre necesita del héroe para que la rescate. También aparecen dos grandes del cine Tarantiniano, Christoph Waltz y Samuel L. Jackson. Ambos, haciendo lo que saben hacer y siempre haciéndolo bien. El primero de malo malísimo y el segundo de co-protagonista con carisma. En la cinta también podemos ver en papeles más breves a caras de renombre como Djimon Hounsou o Jim Broadbent.

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Blockbuster veraniego con el que disfrutar recreándose la vista (en especial con el cuerpazo de su protagonista) y luego olvidar.

 

Curiosidades

Para el guion de La leyenda de Tarzán se ha partido de unos cómics publicados por Dark Horse.

La película se rodó enteramente en Inglaterra y en parte de Gales, a pesar de que la acción se desarrolla además de en Londres, en el Congo.

Christoph Waltz y Samuel L. Jackson, ya habían trabajado juntos en la película de Quentin Tarantino, Django desencadenado (2012).

Antes de que David Yates se pusiera al frente del proyecto, se barajaron nombres como Guillermo del Toro en 2006, Stephen Sommers en 2008 y Craig Brewer en el año 2011.

 

 

 

Una cuestión de tiempo

¿Quién no ha querido alguna vez volver atrás en su vida para cambiar cierta metedura de pata? De esta premisa nace Una cuestión de tiempo. Tim (Domhnall Gleeson), un joven de 21 años algo tímido, llega a Londres recién licenciado en derecho para encontrar trabajo en un bufete donde conocerá al bobalicón de Rory (Joshua McGuire). Un día, su padre (Bill Nighy) le contará que todos los hombres de la familia pueden viajar al pasado. En concreto, pueden regresar en el tiempo a un momento determinado de su vida, una y otra vez. Tim decide usar su poder para encontrar a la chica de sus sueños, Mary (Rachel McAdams), una joven norteamericana a la que conoce en un restaurante.

Películas de viajes en el tiempo hay muchas, desde la famosa trilogía de Regreso al futuro de Robert Zemeckis, pasando por Los viajeros del tiempo (1964), El experimento Philadelphia (1984) o la más reciente Looper (2012). En esta ocasión, en lugar de un filme repleto de aventuras y efectos especiales nos metemos de lleno dentro de una comedia romántica que gracias a ese punto fantástico consigue actualizar el género. Un experto en la materia como Richard Curtis (Notting Hill (1999), Love Actually (2003)) dirige y firma el guión de esta original propuesta.

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Uno de sus grandes aciertos es crear una atmósfera romántica sin caer en los topicazos de siempre. La película destila energía positiva, en especial en su primera parte, y hace que el espectador conecte con la historia desde el primer minuto. La buena elección de temas musicales, la fotografía con un Londres casi totalmente libre de lluvias (hasta la escena que marca el cambio de la cinta) y la sencillez con la que está contada la historia, son otros de sus puntos fuertes. A mitad de película, la cinta deja de centrarse en la vida amorosa de Tim y se vuelve más dramática, cosa que hace que la acción se ralentice y el final se alargue demasiado.

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En el apartado interpretativo, destaca la gran sincronía y naturalidad de todo el reparto en general. Domhnall Gleeson encarna al tímido Tim, acompañado por una Rachel McAdams más que experimentada en este tipo de cintas, en el papel de Mary. También podemos ver a Margot Robbie antes de hacerse famosa por El lobo de Wall Street (2013) y de encarnar a la villana Harley Quinn en Escuadrón Suicida (2016). Pero por encima de todos ellos sobresale la presencia del genial Bill Nighy, que borda el papel del padre de Tim y se lleva todo el protagonismo cada vez que sale en pantalla.

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Una película que reivindica a base de positivismo y sencillez las ventajas de las segundas oportunidades.

 

Curiosidades

Zooey Deschanel fue elegida inicialmente para interpretar a Mary, pero lo rechazó debido a problemas de calendario, por lo que fue sustituida por Rachel McAdams.

El director de la película, Richard Curtis, fundó una ONG británica llamada Comic Relief tras haber viajado a Etiopía en 1985.

El actor británico Richard E. Grant hace un pequeño cameo durante la escena de la obra de teatro.

No hay dos sin tres

Carly (Cameron Díaz) comienza a salir con Mark (Nikolaj Coster-Waldau), y como en cualquier principio de relación todo es ideal: cenas, risas, detalles románticos… Pero cuando Carly va a casa de Mark para sorprenderle, se encuentra allí a Kate (Leslie Mann), una mujer que dice que es su esposa. Ambas se dan cuenta de que tienen mucho en común y decidirán tramar una venganza contra Mark, por todas las mentiras que les ha contado. Pero en el transcurso de su vendetta, comprobarán que Mark ha seguido haciendo de las suyas y ahora tiene una nueva amante (Kate Upton) mucho más joven y guapa que ellas. 

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La trama de mujeres despechadas en busca de venganza tras haber sido embaucadas por el mismo hombre, no es nueva y ya fue tratada en películas como El Club de las primeras esposas (1996). La cinta de Nick Cassavetes pretende darle una nueva vuelta de tuerca al tema y reivindicar la solidaridad entre las mujeres, pero el resultado es un filme plagado de personajes estereotipados y con solo un par de chistes graciosos. El director se pasa los más de 100 minutos de película en escenas adornadas con canciones de anuncio en donde la mayor parte del tiempo no pasa nada. De lo más divertido del filme, es la parte donde las protagonistas investigan los quehaceres de Mark con la banda sonora de Misión imposible o cuando le dan hormonas femeninas para desarrollar pecho. Tampoco podían faltar las consabidas bromas escatológicas, que hacen replantearte el tipo de de humor que triunfa en Hollywood.

De lo más negativo del guion es el planteamiento de unos personajes demasiados tipificados: La ejecutiva de éxito que vive sola en una casa de diseño, la ama de casa que haría lo que fuera por complacer a su marido, la veinteañera explosiva e ingenua loca por cazar a un hombre guapo y con dinero, el marido atractivo e infiel que no tiene reparos a la hora de poner los cuernos… Por otro lado, es de agradecer que el argumento sea sin excesos empalagoso, tendencia poco común para este tipo de películas.

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Encabeza el reparto Cameron Díaz como la exitosa e independiente Carly. Junto a ella Leslie Mann que interpreta a Kate. Una actriz que ha ganado con los años tanto en la calidad de su actuación como en belleza. Ambas han sabido sacarle partido al cliché de sus papeles y crean un sorprendente tandem que es de lo mejor de la película. Kate Upton completa el trío de mujeres despechadas interpretando a Amber, la última conquista de Mark. Upton aparece a partir de la mitad de la cinta y se limita a hacer un par de bromas muy típicas sobre su personaje (de rubia ingenua y explosiva) y a lucir palmito en bikini. El objeto de deseo de todas ellas está encarnado por Nikolaj Coster-Waldau. El actor de Dioses de Egipto cautiva con su cara de seductor cuando toca y de sufridor cuando se las hacen pasar canutas. También aparecen Don Johnson como el padre de Carly y el debut de la cantante Nicki Minaj como su secretaria.

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En resumen, una comedia insulsa en la que sus protagonistas lo intentan pero no lo consiguen.

Curiosidades

Cameron Díaz se llevó un Premio Razzies como Peor actriz por esta película en la edición de 2015.

 

 

Ciudades de papel

Quentin (Nat Wolff) es un adolescente, que ha estado enamorado de su vecina Margo (Cara Delevingne) desde el mismo instante en que la conoció. Cuando eran pequeños fueron los mejores amigos, pero con el paso de los años su amistad se enfrió y la figura de Margo pasó a estar rodeada de un halo de misterio y fascinación no sólo por parte de Quentin, si no por todo el instituto. Una noche, y sin previo aviso, Margo irrumpe en el dormitorio de Quentin y le pide ayuda para vengarse de su ex novio. Para Quentin será la mejor noche de su vida, pero al día siguiente Margo desaparece, y Quentin decidirá seguir las pistas que ella le ha dejado para poder encontrarla.

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La cinta comienza siendo una típica comedia romántica adolescente, en la que el chico (más o menos pringadillo) se encuentra fascinado por la chica más interesante del instituto. Sin embargo, la segunda parte del filme se convierte en una aventura de misterio en busca de Margo, que acaba al más puro estilo road movie. El viaje que Quentin y sus amigos inician para encontrar a la chica de sus sueños, en realidad se transforma en un camino hacia la madurez y la búsqueda de sí mismos. Los personajes sinceros y que no tratan de esconder nada, hacen que la relación del protagonista con sus dos amigos sea de lo más creíble. Las chicas del filme son maduras, independientes y con mucha iniciativa, mientras que los chicos se muestran más infantiles e inseguros (véase el momento en el que cantan la canción de Pokemon porque está muertos de miedo). Por otro lado, tampoco faltan ninguno de los tópicos del género teen tan propio de este tipo de productos: el grupo de guapos y populares del instituto, la primera relación sexual, el baile de graduación, una banda sonora constante…

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Basada en el bestseller del mismo título del autor John Green, ésta es la segunda de sus obras que se adapta al cine tras Bajo la misma estrella (2014) de Josh Boone. El filme está dirigido por Jake Schreier para el que también es su segundo largometraje después de iniciarse con Un amigo para Frank (2012). Schreier, se ha quedado con la parte más superficial de la historia obviando las inspiradoras metáforas sobre la realidad que se muestran en el libro, por lo que puede llegar a resultar una decepción para los espectadores que hayan leído la obra de Green.

En el reparto destaca la presencia de la modelo y actriz del momento, Cara Delevingne, en el papel de Margo. Su rostro aniñado con cejas muy marcadas va a estar presente en una de las producciones más esperadas de este verano, Escuadrón suicida (2016) en la que interpreta a La Encantadora. En el papel de protagonista Nat Wolff, secundado por Austin AbramsJustice Smith como sus amigos Ben y Radar, respectivamente.

Una película entretenida con algunos momentos buenos, pero que no aporta nada nuevo al género adolescente.

Kiki, el amor se hace

En Kiki, el amor se hace nos encontramos con 5 historias de amor con las filias sexuales como protagonistas. Natalia (Natalia de Molina) y Álex (Álex García) son una pareja de jóvenes que acaban de hacer un año de relación. Natalia le confiesa a su novio que sintió una gran excitación cuando sufrió un atraco con violencia, por lo que Álex comienza a obsesionarse con el tema. Paco (Paco León)  y Ana (Ana Katz) son una pareja estable y con una hija, que han decidido ir a terapia de pareja. Cuando Belén (Belén Cuesta), una antigua amiga de Paco irrumpe en sus vidas, todo cambiará entre ellos. Mª Candelaria (Candela Peña) y Antonio (Luis Callejo) están intentando tener un hijo desde hace varios años, pero la cosa no termina de cuajar y ella decide seguir los consejos de su ginecóloga. La mujer de José Luis (Luis Bermejo) quedó parapléjica por un accidente y no quiere ni que la toque, por lo que él decide ponerle un somnífero para poder pasar con ella las noches. Sandra (Alexandra Jiménez) es sorda, soltera y tiene predilección por tocar cierto tipo de tejido de seda.

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Después de Carmina o revienta (2012) y Carmina y amén (2014), odas a su madre la genial Carmina Barrios, Paco León deja de lado el cine de autor y regresa con esta película en la que analiza las manías sexuales de la gente corriente durante un verano en Madrid. Remake de la película australiana The little death (2014), el actor y director sevillano ha sabido aportar su frescura y toque cómico personal al proyecto sin perder la esencia del original. Conjugando la naturalidad de las escenas y las buenas interpretaciones (en especial el elenco femenino), buenas y divertidas situaciones cómicas, un genial montaje (atentos a la presentación del filme) y una banda sonora con desparpajo, se puede decir que estamos ante una de las mejores comedias del cine español.

En el filme se repasan la Dacrifilia (excitación provocada al ver el llanto de una persona), Elifilia (excitación provocada al tocar algún tipo de tejido), Somnofilia (excitación sexual obtenida al interactuar sexualmente con un individuo en estado de sueño) o Harpaxofilia (atracción a ser robado con violencia), a parte de indagar en otras manifestaciones de amor sin tapujos. Todo un canto a la libertad sexual con la comedia como eje principal. Si hay que ponerle un pero, es que todas las historias no resultan igual de interesantes. Es el caso del relato protagonizado por Luis Bermejo y Mari Paz Sayago, que quizás sea la menos graciosa.

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Con un excelente reparto lleno de caras conocidas de nuestro cine, destacan: Candela Peña, Alexandra Jiménez, Natalia de Molina, Alex García, Belén Cuesta, Luis Callejo, Mari Paz Sayago, Luis Bermejo y el mismísimo Paco León. El extenso elenco ha sabido sacar lo mejor de ellos mismos en un filme en el que se sienten como en casa.

A destacar, los cuidadísimos y diferenciados ambientes de cada historia, como la sofisticada casa del cirujano plástico José Luis o del garito donde trabaja Belén. La banda sonora está llena de canciones pegadizas y potentes que animan el caluroso estío en la capital como Foto pa ti de Mariel Mariel (que se escucha al inicio de la película), Fuego de Bomba estéreo, Enamorada de Pedrina y Rio o la canción que cierra la cinta Mr. K! de Nita en la que también colabora Paco León.

Kiki 2

Una película fresca y vitalista que reivindica el amor sin tapujos, con la que echar unas buenas risas.